Recontado por Lu Dias Carvalho

Na composição A Coroação de Maria, Pinturicchio apresenta duas cenas: uma divina e outra terrena. Trata-se de uma gigantesca tela, tendo o artista contado com o trabalho do pintor Giovan Battista Caporali.

No céu, sobre nuvens, a Virgem Maria, ajoelhada, está sendo coroada por seu filho Jesus Cristo. Um belo ornamento enfeitado com a cabeça de inúmeros anjos, todos observando a cena, excetuando dois deles, um que olha para cima e outro para baixo, está a emoldurá-los. Atrás, estão dois anjos, sobre nuvens, um à esquerda e outro à direita, tocando harpa e violino, embevecidos com o acontecimento.

Na cena terrena estão presentes os doze apóstolos, todos de pé, e cinco santos, dentre eles São Francisco, todos ajoelhados. Os olhos da maioria elevam-se para o céu, contemplando a cena da coroação de Maria, enquanto dois dos santos olham em direção ao observador. Todos os personagens possuem auréolas, o que prova a divindade dos mesmos.

Ao fundo desenrola-se uma bela paisagem com a presença de uma igreja, árvores, montanhas, etc.

Ficha técnica
Ano: 1503
Técnica: óleo sobre madeira transferido para tela
Dimensões: 330 x 200 cm
Localização: Pinacoteca Apostólica Vaticana, Vaticano, Itália

Fontes de pesquisa
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O afresco do pintor italiano Pinturicchio, denominado Discussão de Santa Catarina de Alexandria com os Filósofos Pagãos em frente ao Imperador Maxentius, foi feito sob encomenda do papa Alexandre VI. Localiza-se na Sala dos Santos, Aposentos dos Bórgias. O touro sobre um fascinante arco do triunfo era o emblema da família Bórgia. O artista, neste afresco, demonstra seu gosto pela composição teatral.

O pintor baseou-se numa lenda muito conhecida que narra a discussão de Santa Catarina de Alexandria com os filósofos pagãos da época. Ela era filha do rei e havia se convertido ao cristianismo. Segundo a lenda, Catarina era uma princesa intelectual, nascida em Chipre, que foi decapitada em Alexandria, por ter abraçado a religião cristã, ou seja, por ter tomado Jesus Cristo como seu marido espiritual. À época, a cidade de Alexandria, com sua vasta biblioteca, era tida como o centro cultural mais importante do Império Romano.

No afresco, diversos filósofos orientais, contrários ao cristianismo, estão reunidos numa praça, vindo eles dos mais variados lugares, discutindo com a jovem Catarina sobre a fé cristã. Ela se encontra de pé e de frente para o trono do Imperador Maximino, que preside o debate. A santa usa os dedos para contar os principais pontos de seu argumento, sendo que uma multidão indistinta , que é controlada pelo cavaleiro armado, montado num cavalo branco, acompanha a altercação.

Inúmeros personagens acompanham a discussão, enquanto outros grupos conversam entre si, em diferentes cenas. Também estão presentes crianças e animais. Segundo a lenda, com a sua inteligência, ela acabou vencendo todos os filósofos, mas ainda assim, acabou sendo sacrificada. Na pintura chama a atençaõ a figura do filósofo com um turbante branco, usando uma túnica com fundo branco e bordados, e uma capa marrom sobre a mesma. Ele traz as mãos na cintura e posiciona-se de frente para o observador, sem fazer contato visual com a santa.

O cenário apresenta um céu azul, com nuvens brancas, montanhas, aves e muitas árvores. As pessoas estão vestidas de acordo com a época. Um enorme arco dourado, como se fosse um portal, cinge a cena. Nele desenrolam-se outros cenários, pintados por Pinturicchio.

Ficha técnica
Ano: 1492-1494
Técnica: afresco
Dimensões: 422 x 792 cm
Localização: Museus do Vaticano, Roma, Itália

Fonte de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Diversos pintores trouxeram para a arte as três etapas que retratam a vida do homem na Terra: infância, maturidade e velhice, sendo que muitos deles concluíram o trabalho com a presença da morte, mas Hans Baldung fê-lo sem nenhuma alusão à redenção cristã.

Esta composição já passou por diversos nomes e interpretações. Em 1896, dizia-se que a velha representava o vício, a jovem a vaidade e a criança o Cupido. Em 1938, passou a ser chamado de Alegoria do Enfermo. E, em 1958, recebeu o nome de As Três Idades da Mulher e a Morte – Alegoria da vaidade de todas as coisas terrenas. Contudo, o catálogo de uma exposição do artista, em 1959, traz apenas o título conhecido como A Beleza e a Morte.

Nesta composição do pintor Hans Baldung, ele apresenta, num lugar estranho, uma criança, uma jovem, uma mulher idosa e a morte, estando todas as figuras nuas. Para muitos estudiosos, o quadro é impreciso, pois não define com exatidão os personagens presentes. Seria a mulher apenas uma jovem ou a representação da vaidade ou uma prostituta? Não dá para saber.

A jovem nua é a primeira a chamar para si a atenção do observador, com sua pele clara, diferente das demais. Traz longos cabelos a cair-lhe pelo corpo, e contempla-se num espelho oval, com moldura vermelha. Seu corpo é bem delineado. Os seios rígidos são pequenos. Somente a púbis encontra-se oculta por um fino véu, tendo uma parte dele enrolada em seu braço direito e a outra segura pela morte, enquanto se adentra na lateral do quadro. É visível o interesse do pintor em fazer a moça sobressair dentre os demais personagens.

Além de figurar em primeiro plano, a moça é bonita, sua cor destaca das demais e seu corpo é visto por inteiro. Também pode ser que tivesse sido retratada como Vênus e a criança como Cupido, seu filho. Mas ainda que aqui fossem representados seres mitológicos, a composição estaria dissonante, pois Vênus era tida como imortal, não podendo a ampulheta marcar seu tempo de vida, enquanto Cupido não traz seus atributos: arco e flecha.

A morte, que mais parece com um cadáver seco, encontra-se à esquerda da linda jovem. Ela possui poucos fios de cabelos espetados na cabeça, dilacerações por todo o corpo decrépito, pedaços de pele dependuradas e unhas grandes e afiadas. Com a mão esquerda, ela segura o véu da moça e com a direita traz suspensa sobre sua cabeça uma ampulheta, como se aguardasse a passagem do tempo. Uma anciã muito alta, que mais se parece com uma figura masculina, e cujo corpo não se encontra todo à vista, está à direita da moça, e detém o braço da morte, energicamente. Seu rosto mostra-se enérgico.

Uma criança, à direita da jovem, ajoelhada sobre uma das perninhas, fixa a moça com um semblante de choro, enquanto cobre-se com parte de seu manto transparente. Possivelmente trata-se de um menino, embora a sombra do véu não permita ter certeza absoluta, mas o cavalinho de madeira no chão reforça tal suposição. Contudo, o fato de a pintura representar as três fases da vida de uma mulher, não deveria ser um menino, mas uma menina. A única justificativa seria a de que o sexo infantil não tivesse importância naquela época, quando meninos e meninas usavam roupas idênticas. A posição da criança é também atípica para sua idade. O que parece ser uma maçã, perto da criança, pode ser uma alusão à perda da inocência, a partir do pecado de Adão e Eva.

A jovem nua, presente na composição, também poderia estar representando a alegoria da vaidade. Ela está embevecida pela sua beleza que reflete no espelho de vidro convexo, enquanto joga seu cabelo para trás. Caso ela represente a vaidade, a mulher idosa estaria ali representando a tentação, segurando a parte de trás do espelho, de modo a ajudar a vaidade a enxergar-se. Por sua vez, a morte estaria ali representando a efemeridade da beleza (naquela época, a média de vida era de 30 anos, principalmente das mulheres, em razão dos partos sem acompanhamento). O tênue véu funciona como um elo entre as personagens, além de esconder o sexo da jovem.

Além da temática confusa da obra, ela também foi atribuída a outros pintores: Lucas Chanach e Albrecht Altdorfer. Mas estudos comprovaram ser mesma de Hans Baldung.

Ficha técnica
Ano: 1510
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 48,2 x 32,5 cm
Localização: Kunsthistorisches Museum, Viena, Áustria

Fonte de pequisa
Los secretos de las obras de arte/ Editora Taschen

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