A composição denominada O Boto é uma obra do artista brasileiro Vicente do Rego Monteiro, que retrata uma lenda muito conhecida na região Norte do país, sobre o boto, também conhecido como peixe-boto. Segundo a lenda, o peixe-boto transforma-se num belo rapaz para seduzir as mulheres.
Em sua obra, feita em aquarela e nanquim, o artista retrata o boto já transformado em homem. Nos seus braços possantes, ele carrega uma jovem índia nua, cujo corpo rígido e imóvel corta uma das diagonais da tela. Sua cabeça pende-se para a esquerda, em direção à do jovem. Um adorno de corda cinge-lhe a perna direita.
O jovem homem (boto) dividide a composição ao meio. Na cabeça traz um majestoso ornamento. Usa uma tanga com adornos que descem pela frente e por trás do corpo. No pescoço traz um colar. Ambas as figuras são alongadas, e os traços do rosto estão em conformidade com os das gravuras japonesas dos séculos XVIII e XIX, evidenciando a influência recebida pelo artista.
O homem é retratado na água, onde dois círculos formam-se em torno de suas pernas, imersas até os joelhos. Na parte superior da tela, atrás dos dois personagens, encontra-se um grande círuculo colorido, com dez hastes em volta, como se fosse um sol, mas ao mesmo tempo enfeita o boto, como se dele fizesse parte, ou tivesse a intenção de mostrar a sua imponência e força.
Atrás das figuras em segundo plano há o que parece ser um rio, cortado por afluentes e também montanhas. Presume-se que seja o palácio do boto. Para conhecer a lenda consulte o índice do site.
Ficha técnica Ano: 1921
Técnica: aquarela e nanquim sobre o papel
Dimensões: 35,4 x 26 cm
Localização: Acervo do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, Brasil
Fontes de pesquisa Vicente do Rego Monteiro/ Coleção Folha
Antigamente havia um rei extremamente bondoso tanto com os de sua espécie quanto com os animais. Ainda assim, existiam em volta de seu reino alguns monarcas que queriam tomar as suas terras para aumentar as deles. Por isso, as garças, aves que lhe eram muito leais, estavam sempre preocupadas com o fato de que seus inimigos pudessem cercar o palácio durante a noite e fazê-lo prisioneiro. Sabiam elas que existiam os soldados, mas esses, mesmo estando em guarda, costumavam dormir. O mesmo acontecia com os cães que durante o dia caçavam, estando à noite exaustos. Fazia-se necessário, portanto, que houvesse um meio de proteger o rei durante o período noturno.
As garças resolveram trazer para si mesmas a incumbência de proteger o soberano. Dividir-se-iam em oito grupos de sentinelas, assim distribuídos: o primeiro postar-se-ia nas muralhas que cercavam o palácio; o segundo ficaria nos seus telhados; o terceiro fincaria pé diante de todas as portas; o quarto guardaria os aposentos do soberano. Os membros desses grupos se revezariam a cada duas horas.
Uma das aves levantou a hipótese de que, assim como os soldados e os cães, elas também poderiam adormecer. Para evitar tal possibilidade e depois de um longo período de muito pensar, chegaram à conclusão de que, se segurassem uma pedra no pé que manteriam levantado, enquanto estivessem paradas, se por acaso viessem a dormir, a pedra cairia fazendo barulho e acordando as sonolentas. Estava resolvido, portanto, o problema. A vigilância do rei não correria risco.
Noite após noite, as garças cumpriam a promessa que fizeram a si mesmas, zelando pela vida do generoso rei, enquanto ele viveu. E por tanto tempo assim agiram que, as gerações que vieram depois delas, passaram a fazer o mesmo, só que não mais fazendo uso de pedras, apenas levantando uma das pernas, em razão do condicionamento adquirido pela espécie.
Nota: Foram muitas as pesquisas e as hipóteses sobre o porquê de as garças, assim como os flamingos, usarem tal posição. Sabe-se hoje que elas ficam sobre uma perna com o objetivo de manter a temperatura do corpo. (Explicação e foto do médico veterinário Antônio Messias Costa/ Museu Goeldi)
Mesmo a arte do embelezamento, segundo os provérbios, que custa à mulher uma boa parte de seu tempo e dinheiro, deve estar endereçada ao homem. É para ele que ela deve se enfeitar e somente a ele deve agradar. Deve saber, contudo, que “A beleza de uma mulher é a sua devoção ao marido”. Ela pode ser bela como uma rosa, mas nada disso tem valor, se não se dedicar integralmente a ele, pois “Servir o marido é o melhor adorno de uma mulher”. Somente para agradá-lo ela deverá se enfeitar. Vixe Maria!
Alguns provérbios até aplaudem as damas que se enfeitam, reconhecendo que “Mulher que se enfeita afasta o marido de outras portas”, ou seja, o dito não precisa ir atrás de outros rabos de saia mais adornados. Mas é preciso ter cuidado com o excesso já que é sabido que “A mulher mais feia é a que mais se enfeita”. A coitada “Pinta-se, empoa-se e nem assim olham para ela”. Por outro lado, certo provérbio assegura que “Quem não se enfeita por si se enjeita”. A mulher fica numa situação difícil entre se embelezar ou não, pois se correr o bicho pega e se ficar o bicho come. O melhor é fazer o que lhe der na telha, mesmo sob a reprimenda do manda-chuva.
Cada povo cultiva um padrão específico de beleza, embora a globalização venha concorrendo para massificar até os gostos. O planeta vem se transformando numa aldeia global. Pelos provérbios a seguir, colhidos em diferentes culturas, podemos notar como ainda são divergentes as opiniões sobre a beleza. Aproveite para ver o que cita a cultura de seu país.
Uma jovem bonita é um queijo fresquinho. (Siberiano)
A beleza das montanhas está nas pedras, a da mulher está no cabelo. (Turco)
Testa ampla, mulher formosa. (Salvadorenho)
A beleza da mulher está na cintura fina. (Tâmil)
Três traços de uma mulher bonita: peito amplo, cintura fina e poucas costas. (Irlandês)
Gordura é formosura. (Chileno)
A beleza entra pela boca. (Colombiano)
Uma mulher gorda é uma manta quente no inverno. (Indiano)
A gordura se redime dos sete pecados. (Árabe)
Pão grande não acha freguês. (Brasileiro)
Uma tez branca oculta muitos defeitos. (Japonês)
Mulher que bem se arreia nunca é feia. (Brasileiro, Salvadorenho e Venezuelano)
O Kohl enfeita a mulher, o desfile enfeita a tribo, a sela enfeita o cavalo. (Árabe)
A falsidade costuma ocultar-se sob o cabelo loiro. (Dinamarquês)
E as mulheres que usam véus, o que dizem os provérbios sobre elas?
Embora cubra o rosto com véu, ela consegue sempre ser coquete. (Bengali)
Com véu toda mulher é bonita. (Azeri)
Uma mulher sem véu é como uma comida sem sal. (Pachto)
Uma mulher feia troca um cinto de seda por um véu de lã. (Russo)
Quanto mais espesso o véu, menos vale a pena tirá-lo. (Turco)
Mas não adianta a mulher emperiquitar-se toda, querendo ficar bonita, pois todos os seus esforços caem por terra, assim que o sol acaba de nascer, quando toda a verdade revela-se aos olhos de todos, assim dizem os provérbios de certas culturas, pois, enquanto a sombra esconde os defeitos, a luz coloca-os à mostra:
No escuro todas as mulheres são luas (Árabe)
A feia deve apagar a luz para dizer que é bela. (Cubano)
De noite todos os gatos e as jovens são belos. (Húngaro)
De noite todos os gatos são pardos. (Brasileiro).
A verdadeira beleza não carece de enfeites. (Híndi)
Sobre a beleza ou feiura dos machos, os provérbios praticamente nada dizem. Esta é uma prova da submissão feminina ao longo dos tempos, pouco importando a cultura. Os ditos populares julgam o gênero masculino acima de qualquer suspeita. Ainda bem que os tempos hoje são outros!
Fontes de pesquisa: Nunca se case com uma mulher de pés grandes/ Mineke Schipper
Livro dos provérbios, ditados, ditos populares e anexins/ Ciça Alves Pinto
Provérbios e ditos populares/ Pe. Paschoal Rangel
O pintor neo-holandês Joos van Cleve, o Velho (1485?-1540/41), também conhecido por Josse van Cleef ou ainda Joos van der Beke, fez parte da Guilda de São Lucas da cidade de Antuérpia, sendo um membro muito ativo. Além de sua arte mostrar características do estilo Gótico Tardio e do Maneirismo, ainda sofreu influência das obras dos pintores Quentin Massys, Jan Gossaert e Leonardo da Vinci.
Joos van Cleve, o Velho, foi muito importante para a pintura holandesa, ao transmitir-lhe características recebidas da arte italiana. Presume-se que tenha conhecido Milão e provavelmente morado em Gênova. Em Antuérpia ele foi sócio de Joaquim Patinir e, tempos depois, trabalhou na Inglaterra e na França, onde foi pintor da corte de Francisco I. Tornou-se conhecido por suas obras de cunho religioso e pelos retratos da realeza. É tido com um dos primeiros a introduzir paisagens amplas nos panos de fundo de suas pinturas, o que viria a tornar-se uma técnica popular de pinturas renascentistas do século XVI. Foi pai do também pintor Cornelius ou Cornelis van Cleve.
Joos van Cleve, o Velho tornou-se conhecido como o “Mestre da Morte da Virgem”, após criar o famoso retábulo Morte da Virgem (figura menor) em 1915, e que hoje se encontra no Museu Wallraf-Chichartz, de Colônia, na Alemanha. A Virgem em seu leito de morte encontra-se na parte central do trípitico. As asas laterais apresentam, à esquerda, São Jorge e São Nicasáio com a mão no ombro dos dois doadores, ajoelhados e, à direita, Santa Catarina e Santa Gúdula com a mão no ombro das doadoras (esposas). O artista ficou, durante muitos anos, sendo chamado com o nome que dava título à sua obra.
Cerca de cinco anos após a criação do retábulo que lhe deu nome, o pintor executou esta maravilhosa obra, denominada Morte da Virgem (figura maior), também mostrando a Virgem em seu leito de morte, debaixo de um dossel vermelho, cercada por apóstolos e amigos. As figuras humanas presentes mostram-se meio desordenadas e teatrais. São cerca de doze, excluíndo Maria. Alguns dos personagens movimentam-se febrilmente, enquanto outros rezam em torno do leito. Uma emoção coletiva é sentida no ambiente. Um homem de branco, à direita, parece o mais exaltado. Ele traz, entrelaçado no seu dedo indicador, um pequeno recipiente, provavelmente com os sais. Dois outros, próximos ao pé da cama, parecem carregar água.
Uma mesinha com um castiçal, no qual se encontra uma vela acesa, assim como um rosário gótico e um livro de orações, encontra-se próxima ao pé da cama. Uma porta aberta, à direita, decorada em cima com festões, bustos e duas pequenas estatuetas, leva à rua onde são vistas edificações e pessoas. À esquerda, uma janela abre-se para dentro, sendo possível ver outra edificação no espaço externo. Próximos a ela dois homens leem um livro de orações. As duas pinturas, embora feitas em diferentes épocas, são bem parecidas, e possuem o mesmo número de personagens.
Ficha técnica Ano: c. 1520
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões:132 x 154 cm
Localização: Pinacoteca de Munique, Alemanha
Fontes de pesquisa Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann
O pintor alemão Hans Burgkmair, o Velho (1473-1531), foi, à sua época, o mais importante pintor de Augsburg, sua cidade natal. Teve como primeiro mestre o pai, Thomas Bugkmair, pintor tradicional de Ausgsburgo e de Schongauer em Comarque, tinha como estilo o Gótico tardio. Veio depois a estudar com o famoso Martin Schongauer em Colmar. Viajou muito, inclusive pelo norte da Itália, apreendendo novos conhecimentos. Ao voltar para sua cidade natal, ingressou-se na Guilda de São Lucas e assumiu a oficina de seu pai. As suas primeiras obras foram criadas dentro do estilo Gótico tardio, mas não tardou a desenvolver um estilo próprio que primava pela suntuosidade e vivacidade. A arte italiana exerceu grande influência sobre o artista, levando-o a adotar o estilo grandioso da Alta Renascença e a fazer uso de cores muito ricas.
A composição religiosa denominada São João em Atmos é o painel central de um tríptico de painéis giratórios (figura menor), que apresenta São João, o evangelista, na ilha de Patmos, no Mar Egeu, local em que, segundo conta a lenda, o santo recebeu e redigiu as visões que tivera sobre o Apocalipse, a ele enviadas por um anjo. Os painéis laterais da obra apresentam os bispos: Santo Erasmo e São Nicolau.
São João Evangelista encontra-se em meio a uma majestosa paisagem e mostra-se extremamente exaltado. Usa uma vestimenta avermelhada e um manto cor-de-rosa. Traz o rosto voltado para a esquerda, em direção ao anjo que aparece no céu, no meio de uma nuvem de luz que se posiciona entre as duas grandes árvores frutíferas. Na mão direita traz uma pena, enquanto a esquerda repousa sobre uma pilha de papéis. Na primeira folha já é possível ver parte da escrita do santo relatando suas visões. Das mãos do anjo partem raios mais fortes que atingem o santo no rosto.
Três fortes árvores, nas quais estão pousadas várias aves coloridas, entre elas um papagaio e um pica-pau, tomam grande parte da pintura, ficando o santo aí centralizado. Uma densa e rica vegetação cobre o chão, tendo o artista incorporado à cena plantas e animais exóticos. Em primeiro plano, na parte inferior direita, veem-se um sapo, um calango, um besouro, uma ave de rapina e um caracol. As duas árvores da esquerda estão ligeiramente inclinadas em direção ao santo, como se sopradas pelo poder divino.
Ficha técnica Ano: 1518
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 153 x 125 cm
Localização: Pinacoteca de Munique, Alemanha
Fontes de pesquisa Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann
Eu fui demitida no dia em que voltei de licença-maternidade. Havia passado semanas me preparando, deixei o freezer cheio de leite do peito, me despedi chorosa de minha bebê de cinco meses e fui trabalhar. Cheguei, liguei o computador, mas mal tive tempo de lembrar de minhas senhas – fui chamada numa sala e, então, demitida. Ainda ouvi, de duas hierarquias superiores diferentes que seria bom, pois teria mais tempo para ficar com a minha filha.
Fiquei atônita, sequer soube como reagir. Agradeci e me despedi. Foi a primeira e única vez em que fui demitida. No meu primeiro dia de trabalho após a maternidade, passei a tarde na fila do exame demissional. Felizmente, já estava com outra oportunidade engatilhada, então não precisei interromper a minha carreira como tantas outras mulheres que param nesse ponto. Mas contei essa história para dizer: é precisamente aí que está o problema.
Nesta semana, Lula declarou que apresentará uma lei de igualdade salarial entre homens e mulheres, uma promessa feita no acordo com a ex-presidenciável Simone Tebet. “Toda hora que você vai procurar essa lei, parece que existe, mas tem tantas nuances que tudo é feito para a mulher não ter o direito. Ou seja, então é preciso fazer uma lei que diga que a mulher deve ganhar o mesmo salário do homem se exercer a mesma função. E pronto, não tem vírgula”, declarou Lula. A lei deve ser apresentada simbolicamente na próxima quinta-feira, 8 de março – Dia Internacional da Mulher.
Quem discorda? Eu não ouso. Acontece que essa regulação já existe – a própria CLT veda discriminação salarial por gênero desde 1943. “Sendo idêntica a função, a todo trabalho de igual valor, prestado ao mesmo empregador, no mesmo estabelecimento empresarial, corresponderá igual salário, sem distinção de sexo, etnia, nacionalidade ou idade”, diz o artigo 461 da lei.
O problema não é uma legislação ou mesmo fiscalização. O problema é o abismo salarial que se abre quando as mulheres interrompem suas carreiras por causa da maternidade, deixando de crescer profissionalmente ou mesmo de trabalhar. E o mesmo não acontece com os homens.
Vários estudos diferentes já mostraram que a diferença salarial não acontece necessariamente por causa do gênero – mas, sim, pela maternidade. São as mulheres com filhos as maiores penalizadas. E isso é especialmente patente entre as que têm escolaridade mais baixa, o que aumenta a desigualdade e todos os problemas que conhecemos muito bem. No Brasil, 32 milhões de famílias são chefiadas por mulheres. Não é exagero dizer que todas, ou quase todas, sofrem a chamada “penalidade materna”.
Mulheres não têm com quem deixar os filhos para irem trabalhar. As creches não têm horários que permitam conciliar com as famílias – isso quando há creches, né? Estima-se que mais de 17 milhões de crianças de 0 a 3 anos no Brasil estejam fora das creches. A sociedade patriarcal ainda relega às mulheres a prioridade sobre o cuidado com os filhos em um modelo machista que é respaldado por políticas públicas. Temos quatro meses de licença (o que é muito pouco) e os pais têm ridículos sete dias – vinte, nos casos mais generosos. Quem, na volta desse período de licença, tem mais chance de não voltar a trabalhar? Quem terá mais dificuldades com o retorno? Quem tem mais chances de não ser recomendado por colegas? Quem é considerado o cuidador natural do bebê por todo o entorno?
Um dos estudos sobre o peso da maternidade, feito por um economista da Universidade de Princeton, nos EUA, mostra que os salários das mulheres têm uma queda significativa após o primeiro filho. O gráfico é chocante. Até a maternidade, o avanço na carreira de homens e mulheres é semelhante; depois do bebê, o das mulheres cai, enquanto o dos homens segue subindo sem incômodo. E olha que os dados utilizados no estudo se referem à Dinamarca, um dos países com uma rede de proteção social infinitamente melhor do que a do Brasil.
Por aqui, outro estudo, publicado em 2022 – desta vez, de economistas da Universidade Federal da Paraíba e do Ceará – mostrou que mães com crianças menores de 6 anos ou com mais de um filho possuem mais desvantagem salarial em comparação com as mulheres sem filhos, especialmente entre quem tem menor nível de escolaridade. Por isso, os pesquisadores recomendam políticas de apoio às mães para continuarem seus estudos e trabalho – creches – e amparo para quem está no setor informal.
Eles também sugerem que, apesar das leis trabalhistas que garantem proteção, “há o posicionamento da sociedade de que a criação dos filhos é de responsabilidade exclusiva da mulher, o que contribui para que a discriminação nas relações de trabalho persista”, escreveram. “Portanto, pretende-se ampliar o debate sobre a problemática da discriminação das mulheres com filhos no mercado de trabalho, além de defender o fato da mulher poder conciliar o papel de mãe com o direito de trabalhar e/ou estudar”.
É muito difícil detalhar em palavras o peso que é ser uma profissional, avançar na carreira, e conseguir conciliar com a maternidade – mesmo cercada de privilégios. Por isso, achei muito bonita a iniciativa do novo governo, gera belas manchetes, mas arrisco dizer que ela mudará muito pouco a realidade.
Que tal começar em políticas que incentivem uma licença paternidade maior, ou mesmo uma familiar? O governo Bolsonaro havia cortado 97% das verbas das creches. O quanto disso será restabelecido pelo novo governo? Que medidas podem ser feitas para que as empresas garantam horários flexíveis, home office e salas de amamentação para as mulheres que acabaram de ter filhos? Mas, mais profundamente: o que podemos fazer, em termos de políticas públicas, sobre a discriminação das mães em ambientes de trabalho e a discussão no papel das mulheres como cuidadoras principais?
Ainda não sabemos se a lei de igualdade salarial proposta por Lula vai se aprofundar em alguma dessas questões, já que o governo não divulgou o texto. Mas “igualdade salarial”, em tese, já temos. São as respostas a questões mais profundas, que garantem mais igualdade nos cuidados com as crianças e a criação de uma rede de apoio pública e acessível, além de empresas verdadeiramente comprometidas, que podem de fato equiparar o salário entre homens e mulheres.
Porque quando uma mulher volta a trabalhar depois da licença maternidade – e isso já é um privilégio porque grande parte de nós sequer temos licença, ou a possibilidade de deixar os filhos com alguém, ou mesmo emprego –, ela está em um momento sensível e pode até querer ficar mais tempo com o seu bebê. Mas também quer – e precisa – continuar trabalhando. E cabe ao estado garantir a proteção social necessária para que isso aconteça.
