Arquivo da categoria: Mestres da Pintura

Estudo dos grandes mestres mundiais da pintura, assim como de algumas obras dos mesmos.

Botticelli – A NATIVIDADE MÍSTICA

Autoria de LuDiasBH

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A Natividade Mística de Jesus, também conhecida apenas como Natividade, refere-se ao nascimento do Salvador. Esta é uma obra do mestre renascentista italiano Sandro Botticelli. É cheia de grande simbologia. O pintor combina o nascimento de Cristo com a sua segunda vinda. Esta obra, cheia de figuras alegóricas, símbolos e inscrições, tem levado os estudiosos a muitas discussões.

A pintura foi realizada um milênio e meio depois do nascimento de Jesus, época em que as modificações políticas e religiosas tornaram-se responsáveis por admoestações proféticas sobre a proximidade do final mundo. Nela, o artista traz à tona as dúvidas e os problemas  de sua juventude, como podemos notar na profética  inscrição grega:

“Esta pintura, do fim de 1500, durante as perturbações na Itália, eu, Allesandro, pintei-a no intervalo após essa época, durante o cumprimento do Capítulo XI de S. João, na segunda calamidade do Apocalipse, e segunda liberação do demônio por três anos e meio, o qual será novamente encadeado no Capítulo XII e nós o veremos […] como nesta pintura.”.

A cena da pintura, portanto, trazem à tona os sermões do monge Savonarola.

O Menino Jesus nasceu. Reunidos no estábulo, José, Maria, reis, pastores e uma legião de anjos celebram seu nascimento com grande alegria. Na parte superior da pintura doze anjos, vestidos nas cores da fé, esperança e caridade, dançam graciosamente em círculo, carregando nas mãos vistosos ramos de oliveira. Sobre eles, o céu abre-se numa maravilhosa cúpula cor de ouro, simbolizando o paraíso que, assim como o ouro, é eterno. Amarradas aos ramos, três coroas douradas balançam. Os pergaminhos presos aos ramos celebram Maria: “Mãe de Deus”, “Noiva de Deus”, “Rainha única do mundo”.

Logo abaixo dos anjos dançarinos, sobre o telhado, estão três anjos ajoelhados, segurando o livro sagrado do cristianismo – a Bíblia. Vestem roupas de cores branca, vermelha e verde e têm asas vermelhas.

A Virgem Maria, ajoelhada em adoração diante de seu Filho, usa um manto azul sobre um vestido vermelho e tem ao lado o boi, deitado, e o jumento, de pé, que também observam o Menino, enquanto José cochila atrás da criança. A Virgem Mãe e seu filho Jesus apresentam-se em escala superior à dos demais personagens. Maria é tão grande que, se ficasse de pé, bateria no telhado do estábulo. O destaque dado pelo artista mostra que eles são as pessoas mais importantes e santas presentes na composição.

O Menino repousa sobre um tecido branco que lembra o mesmo lençol em que seu corpo será enrolado um dia, enquanto a gruta é uma menção ao seu túmulo. Os pastores, à direita, com suas roupas curtas, presentes no lado direito da pintura, louvam a criança que acaba de nascer. Todos estão coroados com ramos de oliveira, símbolo da paz. Um anjo com roupa branca conversa com eles, enquanto outro, meio encoberto pelos ramos e trazendo um ramo de lírios na mão, está de frente para o grupo.

Na parte inferior da pintura em primeiro plano, três anjos, usando vestes verde, branca e vermelha, abraçam afetuosamente três homens que vêm visitar o Menino. Os seres alados carregam consigo um ramo de oliveira e, preso a estes estão pergaminhos com frases em latim que dizem: “Glória a Deus nas alturas e paz na terra aos homens de boa vontade.” Atrás do grupo quatro demônios, em escala bem reduzida, fogem aterrorizados, alguns empalados em suas próprias lanças, para buracos no chão.

À esquerda estão os reis, despojados de suas insígnias, usando vestes longas. Também estão usando coroas de oliveira. O anjo que, junto aos três reis, à esquerda da pintura, aponta a mão para o Menino, segura a inscrição “Eis o Cordeiro de Deus que tira o pecado do mundo”. Em frente à estrebaria vários caminhos cruzam em zigue-zague. As paredes da rocha parecem lanças. Inúmeras árvores verdes estão atrás do local onde acontece a cena.

Esta obra de Botticelli não é convencional ao representar os acontecimentos tradicionais do nascimento de Jesus Cristo. O artista inspirou-se nas profecias do Apocalipse de São João para pintar tais eventos. No topo da obra podemos ver a inscrição de um texto. Vemos ali a influência do monge fanático e pregador Savonarola sobre Botticelli.

Ficha técnica:
Data: c. 1501
Técnica: têmpera e óleo sobre tela
Dimensões: 108, 5 x 75 cm
Localização: National Gallery, Londres, Reino Unido

Fontes de pesquisa
Los secretos de las obra de arte/ Taschen
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia

Géricault – A FÁBRICA DE CAL

Autoria de LuDiasBH

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O sensível pintor francês Jean-Louis-André Théodore Géricault (1791-1824) foi um dos mais famosos, autênticos e expressivos artistas franceses do estilo romântico em seu início. Desde a sua infância Géricault demonstrava interesse pelos desenhos e cavalos. Sua família mudou-se para Paris e sua mãe faleceu quando o garoto tinha dez anos, deixando-lhe uma renda anual. Na capital francesa o futuro artista tornou-se esportista, elegante e educado, frequentando os ambientes mais sofisticados. Embora seu pai não aprovasse a sua opção pela pintura, um tio materno resolveu o impasse, ao chamar o sobrinho para trabalhar com ele no comércio, mas lhe deixando um bom tempo livre para dedicar-se à pintura.

A composição intitulada A Fábrica de Cal, também conhecida como Forno de Gesso, é uma pintura romântica do artista. Em sua obra ele apresenta uma velha fábrica de cal. Pela falta de atividade deduz-se que se trata de uma pausa no trabalho. Em frente à fábrica, e em primeiro plano, estão três cavalos malhados, ainda com os arreios, comendo a aveia de seus embornais presos em torno do pescoço. Estão próximos de uma velha carroça de rodas altas, forrada com cal e perto de um solo lamacento que ocupa o primeiro plano, à esquerda. A edificação da fábrica, situada mais à direita, forma uma pesada massa. Parados em sua grande abertura estão dois cavalos manchados, ainda presos a uma carroça, também a comer sua ração de aveia.

Através de uma abertura, à esquerda do edifício da fábrica, densas nuvens de pó branco direcionam-se para o alto, contrastando com o céu escuro presente no lado esquerdo da cena. Este é o único sinal de trabalho no lugar. Nenhuma figura humana é apresentada na composição, o que leva a obra a parecer muito mais com uma paisagem do que uma pintura de gênero. Vê-se que se trata de um ambiente pobre, mas a obra narra muito pouco sobre esta questão. A composição, praticamente monocromática, é criada com tons terrosos, beges e marrons. Os elementos pictóricos presentes na obra são trabalhados equilibradamente, recebendo todos a mesma luz e tom. Há certa melancolia presente no quadro.

Obs.: Géricault não se deu bem ao investir muito dinheiro nessa falida fábrica de cal.

Ficha técnica
Ano: c.1821/22
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 50 cm x 60 cm
Localização: Museu Nacional do Louvre, Paris, França

Fontes de pesquisa
Obras-primas da arte ocidental/ Taschen
1000 obras-primas da pintura europeia/ Konemann

Daumier – DOM QUIXOTE

Autoria de LuDiasBH

O pintor francês Honoré Daumier (1808-1879) entrou aos 14 anos de idade para o atelier de Alexandre Lenoir, um antigo aluno de Jacques-Louis David. Também estudou escultura antiga no Louvre e as obras de Ticiano e Rubens. A liberdade de expressão chegou à França após a Revolução de 1830, o que sinalizou para que a arte da caricatura política se tornasse livre e ganhasse grande importância. Como era um grande admirador da República, Daumier passou a trabalhar com esse tipo de caricatura, principalmente com as que satirizavam o rei Luís Felipe. Ficou seis meses na prisão por causa de uma delas. Daumier Iniciou a pintura de quadros aos 37 anos de idade, vindo a transformar-se no maior representante do Realismo Social na pintura. Sua capacidade de síntese era tamanha que nenhum outro pintor do século XIX conseguiu igualá-lo. Morreu na miséria e quase cego numa casa que lhe foi dada. Apesar de ser visto como um exímio gravurista, foi também um dos mais importantes pintores do século XIX.

A composição intitulada Dom Quixote é uma obra do artista que criou cerca de 25 pinturas a óleo, aquarelas e desenhos a carvão para ilustrar a obra de Miguel de Cervantes. Ele ficou maravilhado com as obras sobre Dom Quixote nos seus últimos anos de vida, quando enfrentava a velhice e a cegueira. Compôs uma série inteira sobre o tema.  Aqui ele retrata Dom Quixote em seu cavalo num terreno baldio e despovoado, o que aumenta ainda mais a sensação de solidão do cavaleiro magérrimo que cavalga um esquelético cavalo branco, preenchendo a parte central da pintura. O fundo montanhoso e arenoso apenas lembra uma paisagem. Ao observador cabe imaginar o que o cavaleiro enfrenta à sua frente.

Daumier era particularmente fascinado pelos personagens de Dom Quixote, o homem com delírios de grandeza, e Sancho Pança, seu ajudante simples, mas leal. Raramente acrescentava outros personagens em seus desenhos. Começou pintando cenas com os dois personagens viajando e, com o tempo, foi abandonando as referências específicas ao livro e transformou-se em Dom Quixote e Sancho Pança caminhando sozinhos em uma estrada aberta. Ao final da vida, passou a criar apenas a figura de Dom Quixote, fato que, na visão dos historiadores, não significa a eliminação de Sancho Pança, mas a fusão dos dois personagens em um só. Isso lhe possibilitou expressar as duas facetas de sua personalidade: o cartunista sarcástico e o pintor sensível. Seu crescente problema de visão fez com que as imagens fossem se tornando cada vez mais simplificadas.

Dotado de uma invejável capacidade de síntese, Daumier coloca em sua tela apenas os elementos minimamente necessários. Tanto a figura de Dom Quixote quanto a de seu cavalo são estilizadas até chegarem à deformação esquelética. Ele usa a iluminação, não para modelar as duas figuras, mas para eliminar toda a corporalidade tangível, como se ambas não passassem de uma ilusão aos olhos do observador. O fundo do quadro, com seu colorido irreal, repassa a sensação de uma paisagem de outro mundo. O que sugere ser um pequeno triângulo à direita, lembra que o fundo é arenoso e  também montanhoso.

O pintor é minimalista no uso da cor. Na tela estão presentes as cores: preta, branca, azul, amarela e vermelha. O rosto e a mão do personagem são marrons, diferente de sua perna esquerda que é branca, como se englobasse os dois personagens: Dom Quixote e Sancho Pança. O uso da luz é bem sutil. Cavalo e cavaleiro deixam uma sombra no chão amarelado. A pincelada simples do artista está ligada ao fato de sua perda de visão. A comprida lança atrai imediatamente o olhar do observador.

Ficha técnica
Ano: c.1868
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 52,2 cm x 32,8 cm
Localização: Bayerische Staatsgemäde – Sammlugen – Munique, Alemanha

Fontes de pesquisa
Obras-primas da pintura ocidental/ Taschen
https://www-artble-com.translate.goog/artists/honore_daumier/paintings/don_quixote?_x_tr_sl=en&_x_tr

Millet – O ÂNGELUS

Autoria de LuDiasBH                                               (Clique na imagem para ampliá-la.)

É impossível imaginar essas pessoas pensarem em ser qualquer outra coisa, senão o que são. Nós podemos ver a opressão, mesmo que eles não possam. Talvez isto nos seja revelado na esperança de que nós reajamos. (Millet)

 A ideia do Ângelus surgiu-me porque me lembrei que a minha avó, ao ouvir o sino da igreja tocar, enquanto trabalhávamos no campo, sempre nos fazia parar para fazer a oração do Ângelus pelos pobres que partiam. (Millet)

 O pintor realista francês Jean-François Millet (1814-1875) era filho de uma próspera família rural da Normandia. Através de uma bolsa de estudos foi estudar em Paris com Paul Delaroche, Jérome Langlois e Chevreville. Permaneceu dois anos na Escola de Belas-Artes. No início de sua carreira o artista fez retratos e pinturas históricas e mitológicas, vindo a trabalhar posteriormente com o tema camponês, retratando a vida diária das pessoas que trabalhavam no campo. Os temas usados pelo artista em suas obras eram vistos como revolucionários e perigosos para os poderosos da época. Millet nutria grande amor pelo mundo camponês.

A composição realista intitulada O Ângelus é a obra mais famosa do artista, figurando como uma das grandes obras-primas da pintura francesa do século XIX. Apresenta dois camponeses, um homem e uma mulher, no campo de trabalho onde cavavam batatas, no momento em que param seu labor, ao pôr do sol, para rezarem (Hora do Ângelus), após ouvirem os sinos da igreja ao fundo.  O casal assume uma aparência monumental, apesar das dimensões reduzidas da tela. Ambos se encontram de pé e em postura de preces, com a cabeça voltada para o chão. O homem segura seu chapéu e a mulher junta as mãos sobre o peito. Ainda que reduzido, trata-se de um breve momento de paz e descanso, após um pesado dia de trabalho.

Nada há na composição que possa indicar que a dupla de camponeses esteja se preparando para voltar para casa. Próximo a eles estão os utensílios (sacos, forquilha, cesto e carrinho de mão) usados no trabalho. Uma cesta de vime encontra-se entre os dois, largada ali, possivelmente pela mulher, durante o momento de preces. Um ancinho fincando no solo, à direita do homem, leva a crer que ele continuará o trabalho. Nada indica qual seja o tipo de relação existente entre ambos.

Os tons escuros da obra imergem os dois camponeses num momento profundo de oração. A imensidão da paisagem e a postura das figuras aumentam a quietude ali presente, nela também imergindo o observador. A linha do horizonte é muito alta, o que leva a superfície do quadro a ocupar dois terços da suave cor verde acastanhada da terra, enquanto a parte superior é invadida pela luz que chega da esquerda. Os rostos das duas figuras encontram-se na sombra, enquanto a luz foca seus gestos.

Ainda que o artista não evidencie abertamente sua intenção sociopolítica em suas obras, ele sabia que seu público via-o como um revolucionário republicano. Embora alguns críticos contemporâneos achassem que os quadros do artista eram muito sentimentais, Millet buscava evitava qualquer coisa que despertasse sentimentalismo. Ele não idealizava e sim testemunhava os fatos. O pintor não quis repassar à sua obra nenhum cunho religioso, apesar do título. Ela foi inspirada em suas memórias de infância, como descrito acima. Ele desejava apenas apreender a rotina imutável da vida camponesa numa cena simples.

Vincent van Gogh via em Millet seu mestre espiritual e Salvador Dalí venerava essa obra, fazendo algumas variantes do tema das Trindades (Angelus), dedicando-lhe um livro. Para Dalí o Angelus foi o trabalho mais inquietante e perturbador que conheceu. Em 1932 um louco dilacerou essa obra que se transformou num ícone mundialmente conhecido no século XX.

Fontes de pesquisa
Ano: c.1821/22
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 55,5 cm x 66 cm
Localização: Musée d’Orsay, Paris, França

Fontes de pesquisa
Obras-primas da arte ocidental/ Taschen
https://www-musee–orsay-fr.translate.goog/fr/oeuvres/langelus-345?_x_tr_sl=fr&
https://snpcultura.org/o_angelus_de_millet_e_a_incapacidade_pos_moderna
https://pt.wikipedia.org/wiki/Angelus_(pintura)
https://artsandculture.google.com/asset/the-angelus/CgHjAgexUzNOOw

Mestres da Pintura – DAUMIER

Autoria de LuDiasB

O francês Honoré-Victorien Daumier (1808-1879) foi caricaturista, chargista, ilustrador e pintor. É tido hoje como um dos mestres da litografia e um dos pioneiros do Naturalismo. A sua excelência na caricatura levou-o a receber o apelido, por parte do escritor Balzac, de “Michelangelo da Caricatura”. Seu pai era um mestre em vitrais. Ainda adolescente Daumier começou trabalhando como ajudante e despachante, vindo em seguida a trabalhar numa livraria. Nessa época ele começou a se interessar pelas artes plásticas. Entrou aos 14 anos de idade para o atelier de Alexandre Lenoir, um antigo aluno do neoclassicista Jacques-Louis David. Também estudou escultura antiga no Louvre e as obras de Ticiano e Peter Paul Rubens. Suas primeiras litografias remetem a 1828, quando aprendeu essa nova técnica.

Daumier era um adepto da República, o que o levou a interessar-se pela caricatura política. Foi levado à prisão por causa da caricatura intitulada Gargântua, ridicularizando o rei Luís Felipe, tendo ficado prisioneiro durante seis meses no ano de 1831. Para passar o tempo na cadeia, ele retratava seus companheiros de presídio. Assim que ganhou liberdade foi contratado pelo jornal “La Caricature”, responsável por publicar as suas famosas “máscaras” (sátiras e caricaturas de políticos). Com o surgimento de uma lei contra a liberdade de expressão em 1835, ele optou por um jornal envolvido com a crítica social – “Le Chavari”.

O artista chamava a atenção com as suas caricaturas sobre a pequena burguesia parisiense. Era também duro na exposição das classes altas. Sua crítica ferina era direcionada às restrições legais, à monarquia, ao Parlamento, à Igreja, à Academia e ao Classicismo. Nutria simpatia apenas pelas classes baixas, compadecido com seu eterno sofrimento. Daumier foi um dos mais renomados litógrafos, sendo conhecidas mais de 4.000 litografias criadas por ele, nas quais reproduziu sua visão crítica, às vezes satírica, às vezes direta e certeira, sobre os acontecimentos de sua época, num estilo dinâmico e jovial. Aperfeiçoou a linguagem da charge e da caricatura, caracterizada pela crítica social e política.

O artista começou a trabalhar com pintura quando estava com 37 anos, campo em que também se destacou. No começo valeu-se de temas literários retirados das obras de Cervantes e Molière, assim como do cotidiano das pessoas comuns, vindo a tornar-se o maior representante do Realismo Social na pintura. Sua invejável capacidade de síntese na representação de suas figuras não foi conseguida por nenhum outro pintor do século XIX. Suas pinceladas largas davam vida a figuras com suas monumentais silhuetas. Sua paleta de cores baseava-se nos tons ocre e terra, cujos temas mostram artistas em desgraça e crianças na miséria, algo que o mobilizava de maneira singular. No entanto, em seus quadros, ao contrário das litografias, seus personagens estavam imbuídos de grande dignidade humana.

O artista ficou maravilhado com as obras sobre “Dom Quixote” nos seus últimos anos de vida, quando enfrentava a velhice e a cegueira. Criou cerca de 25 pinturas a óleo, aquarelas e desenhos a carvão para ilustrar a obra de Miguel de Cervantes. Compôs uma série inteira sobre o tema. Ele era particularmente fascinado pelos personagens de Dom Quixote, o homem com delírios de grandeza, e Sancho Pança, seu ajudante simples, mas leal. Raramente acrescentava outros personagens em seus desenhos.

Daumier começou pintando cenas com Dom Quixote e Sancho Pança viajando e, com o tempo, foi abandonando as referências específicas ao livro e transformou-se em Dom Quixote e Sancho Pança caminhando sozinhos em uma estrada aberta. Ao final, passou a criar apenas a figura de Dom Quixote, fato que, na visão dos historiadores, não significa a eliminação de Sancho Pança, mas a fusão dos dois personagens em apenas um, o que lhe possibilitou expressar as duas facetas de sua personalidade: o cartunista sarcástico e o pintor sensível. Seu crescente problema de visão fez com que as imagens fossem se tornando cada vez menos detalhadas.

Durante sua vida Honoré Daumier quase não recebeu críticas por suas pinturas, tendo sua arte ganhado pouca atenção. Embora tentasse viver como escultor e pintor, jamais conseguiu seu intento, tendo sempre que recorrer à litografia para sobreviver. Morreu na miserabilidade e quase cego aos 71 anos de idade, numa casa que lhe fora dada por Jean-Baptiste Camille Corot, pintor realista francês. Segundo os estudiosos do artista e sua obra, ele era também marginalizado, por isso via na triste figura do cavaleiro andante (Dom Quixote) sua própria pessoa. Além disso, sua arte estava muito além de seu tempo, impossível de ser compreendida. Ele só foi reconhecido e apreciado, tanto pelo domínio de sua técnica quanto pela profundidade de visão,  após a sua morte.

Fontes de pesquisa
Obras-primas da arte ocidental/ Taschen
https://www-artble-com.translate.goog/artists/honore_daumier/paintings/don_quixote?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=pt&_x_tr_hl=pt-BR&_x_tr_pto=nui,sc

Hans Holbein, o Moço – RETRATO DE GEORG GISZE

Autoria de LuDiasBH

A composição denominada Retrato do Comerciante Georg Gisze é uma obra-prima do pintor renascentista alemão Hans Holbein, o Moço (c.1497-1543), que se especializou em retratos. Aprendeu sua arte com o pai, Hans Holbein, o Velho, sendo posteriormente aceito na Guilda dos Pintores em Basileia. Embora tenha também pintado murais, retábulos e iluminuras, tinha predileção pelo retratismo, sendo exímio nos pormenores de sua obra. O artista é tido como um dos maiores expoentes do retratismo de seu tempo. Com esta composição, um dos mais belos retratos da pintura alemã, ele mostra o ápice de seu desenvolvimento artístico, ao apresentar diferentes texturas,  metal e tecido e as variantes do reflexo de luz no vidro.

Na composição acima o pintor retrata o comerciante George Gisze em seu escritório na cidade de Londres. O retratado encontra-se próximo à sua escrivaninha, abrindo uma carta. É possível ler a escrita externa: “Dem erszamen Jergen Giszte tu Lunden em Engeland Mynem broder to handen” (Para entregar ao meu irmão, o respeitável Jergen Gisze, em Londres, Inglaterra). O retrato de Gisze foi feito quando ele tinha 34 anos, como pode ser verificado através do papel na parede posterior: “Anno aetatis suae XXXIII”.  O pintor, por sua vez, tinha mais ou menos a mesma idade.

Gisze é retratado no canto da sala, praticamente imprensado, de modo que seu cotovelo esquerdo parece bater na divisória ao lado. Ele veste uma camisa branca, tendo por cima um gibão de seda avermelhado e acima desse uma jaqueta preta, aberta acima dos cotovelos. Traz no dedo indicador da mão esquerda um anel, sendo que dois outros estão dependurados na prateleira de cima. O artista deixa em destaque os dois braços, a fim de conferir amplitude e volume ao comerciante que projeta sua sombra na parede posterior. Vê-se aí um contraste entre as delimitações do espaço físico e o volume das roupas bufantes do moço.

No cinto de Gisze vê-se um molho de chaves e também sob a prateleira direita. Um belo tecido oriental reveste a mesa, como se houvesse a intenção de mostrar pompa. Também decoram a escrivaninha um vaso de flores e um distribuidor esférico de barbante ricamente adornado. Ali também se encontra um relógio de caixa, apresentando um único ponteiro no mostrador superior, isso porque os pequenos relógios de bolso e de mesa à época eram acionados por molas de aço, não sendo muito precisos. As pessoas orientavam-se pelas badaladas dos relógios de igrejas e das prefeituras, que trabalhavam movidos por pesos.

Holbein deixa muitas correspondências à vista na composição. Acontece que naquela época, a correspondência comercial era guardada em cestos e pastas, mas aquelas que o destinatário precisava ter em mãos eram colocadas entre as ripas da parede feita de tábuas, como vemos na pintura. O vaso e as flores são os únicos elementos do retrato que não têm relação com a profissão de comerciante, numa demonstração da capacidade do pintor. Também compõem o cenário um anel de sinete, um carimbo manual, ao lado do relógio de pêndulo, estampado em cera ou lacre. Na prateleira à esquerda vê-se dependurado outro selo, mais ricamente adornado.

Sobre a mesa estão penas, uma caixa com moedas e barras de cera para lacrar. Ao lado está um recipiente com pequeninos orifícios para despejar areia fina sobre os documentos trabalhados, fazendo as vezes de um mata-borrão. Ali também estão tesouras, objetos utilizados nos contratos, pois o texto era escrito duas vezes na mesma folha de papel, embaixo e em cima, depois cortado, de modo que cada uma das partes ficasse com uma cópia.

Obs.: Exames radioscópicos da tela mostraram que Holbein objetivava pintar a cabeça de Gisze de frente e que mais tarde a virou de lado, embora suas pupilas continuem olhando para a frente, encarando o observador.

Ficha técnica
Ano: 1532
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 96 cm x 86 cm
Localização: Gemäldegalerie, SMPK, Berlim, Alemanha

Fontes de pesquisa
Los secretos de las obras de arte/ Editora Taschen
1000 obras-primas da pintura europeia/ Editora Konemann