Autoria de Lu Dias Carvalho

O quadro Assunção foi encomendado a El Greco para ornamentar a Capela Oballe, na Igreja de São Vicente, e se trata de uma das últimas obras do pintor. Ao receber a encomenda, o artista exigiu que fosse verticalmente maior, a fim de que pudesse alongar suas figuras, características peculiares ao seu estilo.

 Na parte inferior da composição, está a cidade de Toledo, numa forma espectral, à luz da lua, cuja metade encontra-se encoberta pelo primeiro anjo, cujos pés parece tocar um monte de rosas e açucenas. Esse enorme anjo, com seu manto amarelo dourado e com suas imensas asas abertas, de costa para o observador, parece empurrar para cima a figura majestosa de Maria e seu séquito de anjos, passando a impressão de que tudo se encontra em movimento ascendente.

 Acima da Virgem, que ocupa o centro da tela, está o Espírito Santo, em forma de pomba, enviando-lhe raios de luz. À direita e à esquerda de Maria, anjos instrumentistas recebem-na em sua morada celestial. A pomba está cercada por inúmeros querubins, dos quais se destacam apenas a cabeça e as asinhas.

 A Virgem, que tem as duas mãos cruzadas no peito, mostra o seu distanciamento da vida terrena, permanecendo totalmente em êxtase, com os olhos levantados para o alto, como se estivesse a observar o Espírito Santo acima dela.

 Para muitos críticos de arte, El Greco, nesta composição, coloca-se muito distante da realidade, tal e o exagero visto nas torções e nos alongamentos das figuras.

 Ficha técnica
Ano:1607-1613
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 347 x 174 cm
Localização: Museu de Santa Cruz….

 Fonte de pesquisa
El Greco/ Editora Girassol

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O pintor holandês Hieronymus Bosch era um artista profundamente preocupado com a maldade humana, como comprovam suas obras. Levava consigo uma visão pessimista do ser humano, que, segundo ele, já vivia em pecado desde a expulsão de Adão e Eva do Paraíso, estando a maioria já condenada aos horrores do Inferno. Em sua pintura O Charlatão, também conhecida como O Ilusionista ou O Prestidigitador, feita em sua juventude, o artista traz como tema as ardilezas humanas. Ele estava com 25 anos à época, e talvez por isso, ela seja bem menos aterradora do que as que viriam. Foram encontradas cinco versões desta pintura e também uma gravura, sendo a vista acima a mais aceita como original. Nesta obra, Bosch já dá mostras de sua visão perspicaz e crítica, ao demonstrar como as pessoas podem ser crédulas no trato com os vigaristas, e como sempre há quem queira passar o próximo para trás.

Um espertalhão armou sua banca próxima a um velho muro. As pessoas observam-no embasbacadas. Estão presentes: uma mesa central, e sobre ela uma varinha mágica, copos, bolas e uma rã. De um lado está o enganador e do outro se encontram nove adultos e uma criança. O grupo está separado da parte externa do local pelo muro alto.

A enorme figura do velho, que se encontra curvada sobre a mesa, parece ter a impressão de que está a expelir rãs pela boca, tamanha é a sua perplexidade, assim como confirma o olhar e a postura curiosa do garotinho. Somente um jovem, que pousa a mão no ombro da mulher, parece indiferente, enquanto sua acompanhante segura seu colar, possivelmente com medo de ser roubada. Por sua vez, o homem que se encontra à sua direita, fingindo olhar para cima, está prestes a cortar a bolsa, que se encontra pendurada na cintura do velho. Poderia ser um cúmplice do embusteiro.

Dentre as figuras que se encontram na composição, apenas o charlatão possui um chapéu preto, modelo que era usado anteriormente pelos nobres e posteriormente pela burguesia cheia de dinheiro. O ilusionista usa-o com o intuito de aparentar respeitabilidade. À sua frente está seu cachorrinho, e encostado à mesa, e de frente para o observador, encontra-se um aro, o que nos leva a supor que o animal salta através dele.

O espertalhão traz na mão direita uma bolinha e na esquerda uma cesta. Dentro dessa é possível ver a cabeça de um animal, que tanto pode ser um macaco quanto uma coruja, esta última presente em muitas obras do pintor. Por sua vez, à época, o macaco simbolizava a esperteza, a inveja e a malícia.

Como o leitor poderá perceber, não é de hoje que se fazia o truque de passar bolas (pedras, moedas…) de um copo para outro, sem que o público notasse. E, apesar disso, muita gente ainda continua sendo enganada.

Ficha técnica
Ano: c. 1502
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 53 x 65 cm
Localização: Museu Municipal, Saint-Germain-en-Laye, França

Fontes de pesquisa
Los secretos de las obras de arte/ Taschen
Bosch/ Abril Coleções

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Quando ele abriu o quinto selo, vi, debaixo do altar, as almas daqueles que tinham sido mortos por causa da Palavra de Deus e por causa do testemunho que sustentavam. Clamaram em grande voz, dizendo: Até quando, ó Soberano Senhor, santo e verdadeiro, não julgas, nem vingas o nosso sangue dos que habitam sobre a terra? Então, a cada um deles foi dada uma vestidura branca, e lhes disseram que repousassem ainda por pouco tempo, até que também se completasse o número dos seus conservos e seus irmãos que iam ser mortos como igualmente eles foram. (Apocalipse 6.9-11)

A composição O Quinto Selo do Apocalipse é uma das obras mais admiráveis do pintor El Greco. Trata-se de uma das mais excêntricas telas do artista. A composição diz respeito à visão apocalíptica de São João que se encontra representado na pintura. Retrata o momento em que o santo é instado pelo Cordeiro a ver a abertura dos sete selos.

São João em êxtase visionário encontra-se em primeiro plano e sua figura, ajoelhada sobre seu manto rosado estendido no chão, sai da parte inferior da tela para a superior. Ele traz os braços erguidos para o céu, num gesto profético. Usa uma veste azulada com reflexos brancos. Sua figura encontra-se rígida, numa visível forma de “X”.

As almas dos mártires, com seus gestos arrebatados, encontram-se em segundo plano. Elas se levantam de seu túmulo,  aguardando receber a oferta celestial que são os mantos brancos. Parte delas está à frente de um pano verde, à direita, e a outra, à esquerda, à frente de um pano amarelo.

Ao todo são sete almas, todas nuas. Três das figuras que representam as almas masculinas estão ajoelhadas, sendo que duas se encontram de pé. As duas figuras que representam as almas femininas estão de pé, no centro da composição. As almas masculinas levantam os braços para os céus, pedindo a remissão de seus pecados.

As figuras alongadas do artista estão acompanhadas de pequenos anjos que seguram os mantos brancos, símbolo da pureza, com o qual cobrirão as almas em sua passagem pelas as nuvens em direção ao plano superior.

A respeito da pintura opina o Prof. E. H. Gombrich: “Por certo nenhum desenho perfeito e preciso poderia jamais expressar com força tão convincente e sobrenatural essa terrível visão do Juízo Final, quando os próprios santos clamam pela destruição do mundo”.

Ficha técnica
Ano:1608-1614
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 225x 193 cm
Localização: Metropolitan Museum of Art, Nova York, EUA

Fontes de pesquisa
El Greco/ Editora Girassol
A História da Arte/ E.H. Gombrich

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