Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição denominada A Descida da Cruz, cena clássica da arte cristã, é uma obra religiosa atribuída a um pintor anônimo e talentoso da oficina do pintor holandês Rembrandt Harmenszoon van Rijn. É provável que o pintor tenha sido Constantijn van Renesse. Embora o mestre tenha, sem dúvida, orientado na criação desta obra, não foram encontradas, pelos estudiosos de arte, evidências de suas próprias pinceladas.

A cena apresenta o corpo sem vida de Cristo sendo descido da Cruz para a preparação de seu sepultamento. Um grupo de pessoas, dentre elas sua Mãe Maria, José de Arimateia, Nicodemos e apóstolos, ali estão presentes. José de Arimateia, com sua vestimenta vermelha e uma expressão de grande sofrimento, recebe cuidadosamente nos braços o corpo do Mestre, como se o apresentasse aos presentes, silenciosos e sofridos. Atrás dele, um homem na escada, portando uma tocha de luz, alumia a descida. Sua mão esquerda diante do lume impede que este se apague. A luz que do archote emana, recai sobre José de Arimateia segurando o corpo de Jesus e sobre a Virgem Maria, à esquerda.

A palidez vista no rosto de Maria parece refletir o branco mortal do corpo sem vida de seu filho Jesus. Ela desmaia nos braços de uma mulher. A cruz, muito alta, forma um rígido ângulo reto com a massa de figuras, embaixo. Duas escadas escoram-se no madeiro, uma à esquerda e outro à direita, para possibilitar aos homens a retirada do corpo crucificado. Embaixo, dois homens trazem os braços abertos para receberem o corpo, enquanto uma mulher, próxima, expressa uma profunda dor. A cena acontece durante a noite.

Ficha técnica
Ano: c. 1653
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 143 x 111 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição denominada A Tentação de Santo Antão é uma obra do pintor Joachim Patenier (c.1485 – 1524), também conhecido como Joachim Patinir, e de Quentin Metsys (1466 – 1530). É conhecida a cooperação de Patenier também com outros pintores. Ele é tido como o pioneiro na pintura de paisagens na arte o ocidental.

A pintura apresenta uma ampla paisagem, em que podem ser divisados três planos:

     1.  Primeiro plano – principais figuras da tela (pintadas por Metsys).

O santo encontra-se sentado no chão, descalço, com o corpo de perfil e o rosto voltado para o observador. À sua direita encontra-se seu rosário (simbolizando sua fé) e uma concha (símbolo de Vênus), quando três jovens mulheres tentam seduzi-lo. Uma delas lhe oferta uma maçã (símbolo do pecado carnal e também do amor), outra lhe afaga os cabelos e a terceira bate palmas. Um macaco, às costas do santo, puxa-o através de suas vestes. Uma monstruosa e velha mulher, com os seios a saltar-lhe do decote, acompanha as jovens, parecendo extremamente libidinosa. O santo, apoiado na mão direita, e com a esquerda em postura de repulsa, tenta fugir.  Ele volta seu rosto para o observador, como se pedisse ajuda.

   2.  Segundo plano – três outros episódios da tentação ao santo.

Uma cena à direita mostra Santo Antão, quando este ia encher seu jarro com água. Duas jovens mulheres dentro do rio e uma terceira  de pé, no barco, tentam chamar sua atenção. Elas se encontram nuas e sedutoras. A que se encontra no barco levanta um copo, oferecendo-lhe bebida. O santo foge horrorizado, com a cabeça voltada para trás.

Uma segunda cena é vista no centro da tela, na entrada da cabana do santo, feita numa árvore. Ele aparece correndo dos demônios e também deitado no chão, sendo atacado pelas figuras satânicas que também queimam sua habitação.

Uma terceira cena mostra Santo Antão sentado sob a cobertura de uma capela, lendo seu livro de orações serenamente. Ao que parece, as tentações começam a partir deste ponto.

  3.  Terceiro plano – apresenta uma extensa paisagem ao fundo (pintada por Joachim Patinier).

A paisagem apresenta montanhas, rochas íngremes, águas azuis, céu cinza com nuvens carregadas, edificações, etc. No meio do céu são vistos monstros tenebrobrosos, lembrando a pintura criativa de Hieronymus Bosch.

Ficha técnica
Ano: 1520/1524
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 155 x 173,5 cm
Localização: Museu do Prado, Madri, Espanha

Fonte de pesquisa:-
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
https://fr.wikipedia.org/wiki/Tentation_de_saint_Antoine_(Joachim_Patinier)

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A pintura denominada São Jerônimo é uma obra do pintor, desenhista e ilustrador italiano Lorenzo Lotto (c.1480 -1556). O artista serviu de ponte de transição entre os velhos mestres de Veneza e a arte do Barroco tardio, no norte da Itália. Dentre os pintores que exerceram influência em sua obra estão Giovanni Bellini, Antonello da Messina, Giorgione, Ticiano e Rafael. Ele pintou altares, obras religiosas e retratos. O tema desta obra, que chegou a ser atribuída a Ticiano, apesar dos muitos elementos semânticos e estilísticos que levam a Lotto, foi usado por vários artistas.

A cena mostra São Jerônimo bastante envelhecido, numa comovente posição, adorando o crucifixo de Cristo, no chão, à sua frente, no deserto. Ele se encontra nu, com uma longa barba branca, símbolo da sua sabedoria. Suas unhas estão grandes e sujas e suas veias à flor da pele rugosa. Encontra-se sentado sobre sua vestimenta vermelha, sendo que uma pequena parte dela lhe cobre a região pubiana. Sobre ela, atrás dele, desliza uma serpente escura. Seu chapéu vermelho, um de seus atributos, encontra-se à sua direita, assim como o açoite e a pedra, objetos de sua mortificação. Próximos a seu livro, que simboliza o seu título de doutor da Igreja, estão um osso e um escorpião que caminha em direção a ele.

À esquerda do santo, um lagarto parece fitá-lo atentamente. E um crânio, à sua frente, ao lado da pedra onde se recosta o crucifixo, simboliza a morte para o mundo, distanciando-se dos prazeres mundanos e passageiros. Ao contrário da maioria das representações de São Jerônimo que o mostram se torturando fisicamente, aqui ele é apresentado com os braços abertos, numa imitação física e emocional de Cristo na cruz.

O santo encontra-se sentado em meio a duas grandes rochas, tendo uma delas uma saída ao fundo, e que leva a uma verdejante paisagem, onde é visto um pastor ao lado de suas ovelhas a pastar. À direita, duas serpentes rastejam por entre os rochedos. Um anjo com uma tabuleta no ombro direito é visto acima de São Jerônimo, na passagem entre as duas rochas (não consegui descobrir o que está escrito na tabuleta). Mais distante, na paisagem, vê-se a imagem de um leão, principal atributo do santo, próximo a uma estrada, olhando para seu amigo Jerônimo.

Ficha técnica
Ano: c. 1546
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 99 x 90 cm
Localização: Museu do Prado, Madri, Espanha

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
s://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/saint-jerome-in-penitence

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O pintor italiano Giovanni Battista Tiepolo (1696 – 1770) trabalhou com a ornamentação de igrejas e palácios da aristocracia de Veneza. Pintor renomado, cuja arte contribuiu para o engrandecimento da pintura italiana do século XVIII, fez trabalhos para as cortes francesa, inglesa, espanhola e russa. Seus filhos Domenico, Lorenzo e Giovanni também eram pintores. Esta composição do artista, intitulada Imaculada Conceição, faz parte de uma série de sete retábulos encomendada pelo rei espanhol Carlos III, e realizada em Madri por Tiepolo, para ornar a Igreja do Convento de São Pascoal.

A pintura apresenta a Virgem Maria, pairada no céu, usando uma túnica branca, um manto azul e um lenço amarelo que lhe cobre toda a cabeça, descendo sobre o peito. Em vez de um halo ela traz acima da cabeça uma coroa de 12 estrelas, e mais acima se encontra uma pomba branca, simbolizando o Espírito Santo. O movimento da Virgem é ascendente, como evidencia seu manto inflado como se fosse uma vela acionada pelo vento. Os querubins aparecem sobre uma nuvem dourada. Eles estão assim distribuídos em relação à Imaculada Conceição: quatro à esquerda, um deles segurando o manto; quatro à direita; dois acima e um à sua frente.

A Virgem encontra-se sobre um globo azul que representa a Terra, esmagando uma serpente, também presente na esfera terrestre, apresentando uma maçã na boca, numa referência ao Jardim do Éden e ao pecado original. Atrás de Maria vê-se a lua crescente (antigo símbolo da castidade). Os lírios brancos que o anjo carrega, simbolizam a sua inocência e pureza. O obelisco, à sua direita, também faz parte de sua iconografia, assim como a rosa cor-de-rosa vista na extrema esquerda. O ramo de palmeira simboliza a superioridade de Maria sobre o mal existente no mundo, enquanto o espelho, no qual se reflete o globo terrestre, diz respeito à sua pureza, sendo tida como o espelho das virtudes. A pintura traz toda a iconografia referente à Virgem.

Ficha técnica
Ano: c.1767/1769
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 279 x 152 cm
Localização: Museu do Prado, Madri, Espanha

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/adam-and-eve/e0ca4331-fbhttps://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/the-immaculate-conception/https://pt.wikipedia.org/wiki/Imaculada_Concei%C3%A7

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