Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Comediantes Italianos é uma obra do pintor e desenhista francês Jean-Antoine Watteau, que foi o primeiro e possivelmente o mais famoso dos pintores rococós. Os temas teatrais encontram-se presentes em muitos de seus trabalhos, pois o artista era muito interessado pelas obras literárias. Foi pintor de cenários de uma companhia de atores italianos em Paris. E esta é uma das telas mais famosas do criativo artista, pintada pouco antes de sua morte aos trinta e sete anos.

A trupe de quinze atores italianos é formada por homens, mulheres e crianças, organizados em dois degraus, possivelmente do teatro onde atuavam. Todos os personagens vestem trajes típicos do teatro de comédia. A presença de Pierrot, de pé, no centro da tela, a cortina vermelha puxada à esquerda e a postura de um dos atores com a mão direita apontando para o personagem originário da comédia italiana, leva o observador a pensar que o espetáculo esteja se iniciando ou sendo finalizado. As flores no chão  podem significar o agrado do público.

O Pierrot, o palhaço sentimental e ingênuo do teatro, sempre recusado pela heroína, é a figura principal na tela, destacando-se do grupo, principalmente pela cor branca cintilante de sua fantasia de cetim, que se contrapõe às dos demais. Traz os braços para baixo, presos juntos ao corpo. Sua fisionomia encerra certa tristeza. A mulher de pé a seu lado é possivelmente seu par nas histórias de amor. Outros atores do teatro cômico também se encontram na composição.

Ficha técnica
Ano: c.1720
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 64 x 76 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
https://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/art-object-page.32687.html

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A tela intitulada O Banquete dos Deuses é uma das poucas obras mitológicas do pintor renascentista italiano Giovanni Bellini. É tida como o seu último grande trabalho, uma vez que o artista já tinha mais de 80 anos quando a executou, dois anos antes de morrer. Esta pintura tinha por objetivo adornar um dos aposentos de alabastro do castelo do duque Alfonso d’Este, em Ferrara. O duque em questão, anos mais tarde, recomendou duas mudanças nesta pintura.

A primeira foi feita pelo pintor italiano Dosso Dossi, responsável por uma alteração na paisagem, à esquerda, pela introdução de um faisão sobre o galho de uma árvore e a folhagem verde e cor de ouro, acima da ave, à direita. Ticiano, que fora aluno de Bellini, foi responsável pela segunda modificação. Refez a paisagem de Dosso, como agora a vemos, contudo, deixou o faisão (que também pode ter sido pintado pelo próprio duque) intacto. É possível que tenha feito tais mudanças para que a obra ficasse harmônica com sua pintura “Bacanal”, uma vez que ambas adornavam o mesmo ambiente.

Nem Dosso nem Ticiano mexeram nas figuras e nos elementos da obra de Belleni, permanecendo tais como foram pintadas pelo já idoso artista. Em razão do desbotamento, causado pelo tempo, foram restauradas as tonalidades originais e a intensidade das cores, o que deu à obra maior sensação de amplitude e profundidade.

A cena retratada, retirada de “Fastos” do poeta Ovídio, apresenta um grupo de deuses numa comemoração feita pelo deus Baco, ajoelhado sobre uma perna, próximo a um barril, enchendo uma jarra com vinho. Dentre eles estão Apolo (sentado à esquerda, bebendo vinho), Netuno (atrás da fruteira, abaixo de Pan, usando um manto vermelho), Mercúrio (com um elmo na cabeça e seu caduceu na mão) e Júpiter (com uma coroa de louros e um cálice sendo levado à boca) com a participação de ninfas e sátiros que os servem. O grupo encontra-se comendo e bebendo num ambiente pastoral, debaixo de densas árvores, num alegre festejo.

Na parte direita da composição está Príapo, deus grego da fertilidade, filho de Dionísio e Afrodite, tentando levantar a saia da ninfa Lotis. Mas, segundo a história de Ovídio, ele se viu frustrado em seu intento, pois a ninfa, que dormia sob o efeito do álcool, e por quem ele se apaixonara, acordou com o barulho feito pelo asno de Sileno (vestido de vermelho e com a mão sobre o animal), para o divertimento dos presentes. Como castigo, o pobre asno foi sacrificado ao deus do Helesponto. E Lotis, ao fugir, foi transformada num arbusto.

Chama a atenção a figura de uma ninfa, no centro da composição, com uma tigela de cerâmica branca e azul na mão. Trata-se da primeira descrição, até então conhecida, de porcelana chinesa na pintura europeia.

Ficha técnica
Ano: c.1514/1529
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 170 x 188 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
https://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/art-object-page.1138.html

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 Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição denominada Cristo no Mar da Galileia é uma obra religiosa do pintor italiano Jacopo Robusti, conhecido como Jacopo Tintoretto, e tido como o mais importante artista do maneirismo veneziano. A temática desta pintura que retrata uma passagem da vida de Cristo está contida nos escritos dos evangelistas Mateus, Marcos e João, com pequenas variações.

O pintor ilustra o momento mais tenso da passagem bíblica, quando os apóstolos, a mando de Cristo, dirigem-se para a outra margem do Mar da Galileia, sendo surpreendidos por uma violenta tempestade que deixa todos aturdidos. Segundo Mateus em seus escritos Pedro desafia o Mestre para que prove seu poder divino, andando sobre as águas. Jesus, então, aparece ao grupo em perigo, andando sobre as ondas turbulentas do mar revolto.

A cena mostra a natureza em grande fúria. O vento furioso agita as ondas que envolvem o barco e infla a vela, dobrando o mastro. No céu nuvens pesadas e baixas mostram-se ameaçadoras, como se fossem colidir com as ondas. Na terra as árvores dobram suas folhas. No barco são visto sete apóstolos tentando conter o frágil barco diante da tormenta.

Cristo de pé sobre as ondas bravias estende seu braço direito com o dedo indicador estendido em direção ao barco em perigo. Pedro, com a perna direita tocando a água, traz os olhos voltados para o Mestre, sendo aparentemente o primeiro a visualizá-lo, criando uma conexão entre o centro da composição, onde se encontra o barco, e a margem, onde está Jesus, em primeiro plano.

Em razão da violenta tensão expressa na pintura, alguns estudiosos de arte chegaram a atribuir o feitio desta obra ao pintor espanhol El Greco, tido como herdeiro de Tintoretto tanto no espírito quanto no estilo. Contudo, tal tese não se sustentou quando estudos mais elaborados foram feitos. A cor do mar e do céu numa mistura de verde e azul é típica do mestre italiano Jacopo Tintoretto.

Ficha técnica
Ano: c.1560
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 117 x 169 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
https://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/art-object-page.41637.html

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O pintor francês Claude Lorrain (1600 – 1682), cujo nome legítimo era Claude Gellée, tornou-se conhecido como “Le Lorrain”, nome relacionado com a região em que nascera. Ao mudar-se para Roma, o artista teve como mestre o pintor de arquitetura Agostino Tassi, vindo posteriormente a estudar com Gottfried Sals, pintor de arquitetura e paisagens, quando se encontrava em Nápoles.  Acabou se tornando um dos famosos paisagistas de Roma, tendo se inspirado, inicialmente, nas paisagens idealizadas de Annibale Carraci e na dos pintores holandeses que residiam naquela cidade. Embora seu estilo fosse lírico e romântico, acabou se aproximando de Nicolas Poussin, mais tarde.

A composição Pastoral, também conhecida por O Pastor, põe em evidência a capacidade que Claude Lorrain tinha para captar o sentido passageiro da hora fugaz, ao usar tênues matizes de luz. Esta obra, que se trata de uma paisagem nos arredores de Roma, cheia de encanto idílico, é considerada tão bela quanto uma sinfonia musical. A cena acontece no meio da tarde, quando a luz do sol cai sobre a paisagem, como se fosse uma névoa dourada.

Um pastor encontra-se à esquerda, sentado sobre a relva, munido de seu cajado, descansando debaixo de algumas árvores, enquanto observa seu rebanho a pastar, espalhado à sua frente. À direita, logo atrás de uma árvore com folhas rosadas, passa uma estrada, e por ela é possível divisar duas pessoas que por ali caminham. Ainda à direita, bem mais ao fundo, são vistos vultos de edificações de uma cidade. Um rio serpenteia em meio à paisagem idílica. Serras douradas são vistas ao longe. O céu parece feito de ouro, num tom mais claro.

Ficha técnica
Ano: c.1626
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 134,4 x 98 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fonte de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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