Renoir – BANHISTA ARRUMANDO OS CABELOS

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A belíssima composição intitulada Banhista Arrumando os Cabelos é uma obra do pintor impressionista francês Pierre Auguste Renoir que pintou inúmeros retratos. Nos últimos anos de sua vida, ele desenvolveu uma predileção pelos nus, tornando-os o centro de seu interesse. Os cenários tornaram-se reduzidos e a forma feminina ganhou suntuosidade em suas telas, sempre banhadas por grande luminosidade, normalmente controlada e disseminada. À medida que a figura feminina ia dominando o espaço de seus trabalhos, esse ia se tornando cada vez mais abstrato.

A pintura apresenta uma sensual e jovem mulher ao ar livre, no que parece ser a margem de um rio. Ela se encontra nua, de pé com a cabeça baixa. Tem faces rosadas e boca vermelha. Seus seios são rijos. A púbis não apresenta pelos. Um tecido branco está a escorrer-lhe pelas pernas. Sua atenção está voltada para seus cabelos acobreados, pois traz ambas as mãos a ajeitá-los, o que nos leva a crer que tenha acabado de tomar seu banho. Ela está envolta por tecidos de diferentes cores, além do verde exuberante da natureza que acrescenta uma coloração especial à obra magnífica do pintor.

Ficha técnica
Ano: c. 1876
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 92 x 74 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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Cézanne – O CASTELO PRETO

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição intitulada O Castelo Preto é uma obra do pintor pós-impressionista francês Paul Cézanne. Seu trabalho foi muito importante para a transição da pintura do século XIX para a do século XX. Este tipo de pintura foi motivo de vários outros trabalhos do artista, através dos quais ele fazia experiências, trabalhando com várias possibilidades. Muitas vezes se colocava perto da cena, enquanto noutras se distanciava. Trata-se de um dos mais dramáticos e densos trabalhos do pintor.

Em sua composição, o artista mostra vários episódios que, embora diferenciados, articulam-se num espaço que se dilata e encolhe. A paisagem apresenta uma luxuriante e magnífica floresta que cobre o chão e toma conta do céu azulado com sua complexa folhagem. No canto inferior esquerdo, em primeiro plano, avista-se uma antiga cisterna de pedra. Neste mesmo lado, um pouco mais adiante, divisa-se uma estrada de terra que segue cortando por entre árvores e galhos.

Os densos ramos da folhagem direcionam o olhar do observador para a parte baixa da pintura, à direita, e ligam o primeiro plano com o rochedo, onde se ergue o castelo. Para equilibrar a parte direita da composição, Cézanne criou linhas (galhos) destacadas que encobrem parte do céu. Em sua obra predominam os tons azuis fortes e os pálidos, esverdeados e alaranjados.

O leitor deve estar se perguntando o porquê de esta obra ser chamada de “O Castelo Preto”, quando não se vê um castelo de tal cor. Acontece que o artista, durante grande parte de sua carreira, usava as paisagens em torno do lendário Château-Noir (Castelo Preto – em francês), uma mansão edificada, no século XVIII, por um industrial fabricante de tintas que a decorou com tal produto. Os habitantes locais passaram a associar o castelo com a magia negra, recebendo a mansão o nome de “Black Castle” (Castelo Preto – em inglês), título este dado à pintura.

Ficha técnica
Ano: c.1904
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 74 x 97 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
http://artmuseum.princeton.edu/cezanne-modern/cézanne/cistern-park-château-noir

Views: 3

Mestre de Heiligenkreuz – A MORTE DE SANTA CLARA

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição intitulada A Morte de Santa Clara faz parte de um díptico, tendo sido atribuída ao Mestre de Heilingenkreuz que recebeu este nome em razão de suas pinturas “Anunciação” e o “Casamento de Santa Catarina”, hoje no Museu de História da Arte, em Viena, originalmente encontradas no mosteiro de Heiligenkreuz, no norte da Áustria. A produção do artista foi muito pequena. Ele também foi identificado como sendo o Mestre do Paramento de Norbonne ou como um miniaturista ou ainda como um pintor francês, etc. O trabalho do Mestre de Heiligenkreuz ilustra o aspecto cosmopolita do estilo Internacional, que floresceu em 1400.

A cena apresenta Santa Clara morta, envolta por onze personagens, sendo quatro delas freiras de sua mesma congregação e sete santas, como mostram suas grandes auréolas douradas e atributos. Todas rezam pela falecida. Uma freira arruma seu corpo  na cama que traz a cabeceira debaixo de um dossel vermelho, preso ao teto invisível por duas corda, colocando seus  braços e suas mãos cruzados sobre o peito. Uma das santas segura-lhe o rosto. Assim como as demais personagens, os dedos de Santa Clara são compridos e finos.

O Mestre Jesus aparece no alto da composição, com uma criança no braço esquerdo, dentro de um círculo azul representando o céu formado por anjos em postura de oração. A criança simboliza a alma de Santa Clara que alça voo ao céu, sendo recebida por Jesus. Seis anjos em meio a nuvens, inseridos no fundo dourado do painel, à esquerda, seguram bandeiras e instrumentos musicais. E à direita, três anjos parecem ter descido da parede para ficarem sobre o dossel. Dentro do sobrecéu, dois outros anjos, segurando turíbulos em movimento, observam a cena abaixo. Duas freiras, sentadas, leem seus livros de oração.

O pintor incorporou à cena que acontece ao ar livre, num local gramado, os motivos decorativos, transformando-os em parte da mesma, como podemos observar através dos anjos retratados na parede dourada, totalmente abstratos, como se fizessem parte do mundo real. Os anjos com os incensórios também possuem a mesma tridimensionalidade das santas e freiras. Elementos terrenos e divinos incorporam-se neste maravilhoso painel.

Ficha técnica
Ano: 1410
Técnica: painel
Dimensões: 66,5 x 54 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
http://www.wga.hu/html_m/m/master/heiligen/heilige1.html
https://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/art-object-page.41698.html

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Monet – MULHER SENTADA SOB OS SALGUEIROS

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição denominada Mulher Sentada sob os Salgueiros é uma obra do pintor impressionista francês Claude-Monet. Ao criar este quadro, seu estilo já se encontrava totalmente amadurecido, como mostram os efeitos alcançados em sua obra. O artista não se preocupa com as formas, mas tão somente em capturar o ressoar passageiro da luz sobre a mulher e tudo em volta, mostrando a transitoriedade de um mundo em que tudo não passa de instantes.

A cena apresenta uma mulher sentada na relva, debaixo de dois grandes salgueiros, que parecem se arredar para dar espaço, ao fundo, a algumas edificações. Ela veste um vestido branco comprido que lhe cobre os pés. Traz na cabeça um chapéu e no colo um livro que parece ler atentamente. Não é possível observá-la direito, pois a luz que cai sobre ela torna seus traços diluídos. O mesmo acontece com a natureza e as edificações.

Esta pintura remete-nos à musica de Lulu Santos, intitulada “Como uma Onda”:

Nada do que foi será/ De novo do jeito que já foi um dia/ Tudo passa/ Tudo sempre passará… Tudo que se vê não é/ Igual ao que a gente/ Viu há um segundo/ Tudo muda o tempo todo/ No mundo…

Ficha técnica
Ano: 1880
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 81 x 60 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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Gêmeos Siameses – ENG E CHANG BUNKER

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A formação embrionária de gêmeos acontece em dois casos. O mais comum, e que corresponde a dois terços dos casos de gestação gemelar, ou seja, surge da fertilização independente de dois óvulos diferentes, não havendo qualquer possibilidade, portanto, de os bebês nascerem unidos.  O segundo caso é aquele em que um óvulo é fertilizado por dois espermatozoides, sendo esse o mais propício à malformação dos bebês, resultando, muitas vezes, em gêmeos coligados, popularmente conhecidos como “siameses”. O problema acontece quando a separação do embrião em dois não ocorre dentro de um período de 12 semanas, e as células passam a formar partes do corpo ou órgãos em comum.

 Os gêmeos siameses são idênticos. Muitos perguntam sobre a origem do termo “siameses”, denominação que também remete a uma raça de belos felinos. Este termo tem, sim, a ver com os gatinhos, pois a primeira ocorrência de gêmeos siameses foi registrada no Sião, Tailândia, em 1811, onde também surgiram tais felinos. Os gêmeos siameses, unidos por alguma região do corpo, também são conhecidos como gêmeos xifópagos ou gêmeos conjugados. Embora raríssimos, já fora registrados casos de siameses triplos.

Os irmãos siameses Eng e Chang Bunker nasceram no início do século XIX, na atual Tailândia. Em razão de o pai ter sido um pescador chinês tailandês e a mãe metade chinesa e metade malaio,  sendo as características chinesas mais marcantes, os filhos xifópagos famosos ficaram conhecidos como os “gêmeos chineses”. A união de seus corpos deu-se pelo esterno, através de um pedaço de cartilagem, tendo eles os fígados incorporados um no outro. Os gêmeos foram exibidos como curiosidade em turnês pelo mundo, ganhando muito dinheiro.

Eng e Chang, ao conhecerem os Estados Unidos, ali resolveram ficar, vindo depois a naturalizarem-se como cidadãos americanos. Compraram uma fazenda na Carolina do Norte e casaram-se. Eng casou-se com Sarah Anne e Chang com Adelaide Yates, irmã da esposa do irmão. Para acomodar os dois casais foi construída uma enorme cama. A grande prole mostra que tudo funcionou a contento, pois Chang e Adelaide tiveram 10 filhos, enquanto Eng e Sarah tiveram 11. Muitos, maldosamente, duvidavam que os filhos fossem deles. As duas famílias, já com muitos filhos, optaram por morar em casas separadas. E assim cada semana era dedicada a uma das esposas, tendo um dos gêmeos que ficar na espera. Apesar da fama e da riqueza, os gêmeos e suas famílias sofriam muitas formas de preconceito, inclusive pelo fato de terem se casado, pois muitos viam-nos como “monstros”.

Nos anos finais de vida, Chang, além de ter sofrido um acidente vascular cerebral, no lado mais próximo a seu irmão, o que afetou sua saúde, ainda passou a beber muito. Como não tivessem um sistema circulatório em comum, a bebida do irmão não afetou Eng, que passou a ajudar a carregar a perna sem movimento do irmão, enquanto esse se apoiava numa muleta. Chang veio a ter um caso grave de bronquite, e faleceu enquanto os dois dormiam. Ao despertar, e ver seu irmão morto, Eng, em desespero, sabia que iria morrer também. O médico chamado para fazer a separação de emergência chegou tarde, morrendo Eng cerca de três horas depois do irmão. Mas um exame post-mortem revelou que se tivesse sido feita a separação, Eng teria morrido do mesmo jeito, pois além de compartilhar o mesmo fígado com Chang, o ligamento de conexão entre ambos era bem mais complexo do que os médicos imaginavam.

Nota: foto de Chang (à esquerda) e Eng (à direita), tendo ao lado suas respectivas esposas/ Imagens Getty

Fontes de pesquisa
Freaks – Aberrações Humanas/ Editora Livros e Livros
https://en.wikipedia.org/wiki/Chang_and_Eng_Bunker
http://www.dailymail.co.uk/news/article-2825888/How-original-Siamese-twins-21-children-two

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Chardin – MOÇA DESCASCANDO NABOS

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O francês Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1799) é tido como um dos mais importantes pintores de naturezas-mortas da arte europeia, sendo suas obras muito estudadas pelos artistas do gênero posteriores a ele. As suas naturezas-mortas, assim como sua pintura de gênero, são elementos importantes da arte francesa. Seu estilo era próprio, simples e elegante. Continua a ser um dos grandes mestres do século 18 e um dos melhores pintores de cotidiano de todos os tempos.

A composição intitulada Moça Descascando Nabos e também conhecida como A Criada é uma obra do artista. Uma jovem mulher encontra-se na cozinha, sentada sobre uma cadeira de madeira torneada. Ela tanto pode ser a dona da casa como uma criada. Cumpre a obrigação diária de descascar vegetais. Usa uma saia vermelha longa, um casaco de frio e um xale. Ao colo traz um avental esbranquiçado e na cabeça uma touca da mesma cor. Na mão direita segura uma faca e na esquerda um nabo, ambos descansando em seu colo.

No chão da cozinha, à  esquerda da jovem, veem-se uma abóbora, duas batatas e quatro nabos. Numa vasilha de barro com água, à sua frente, ela joga os vegetais descascados. Num cepo, usado para cortar alimentos duros, está fincada uma machadinha, podendo ser visto uma mancha de sangue. Encostado nele está uma frigideira e, logo atrás, um caldeirão.

O ambiente é rústico e descuidado, sem nenhum tipo de ostentação, com uma parede escura ao fundo e o chão de cor parecida, destacando ainda mais a moça em sua vida doméstica. Ela se mostra pensativa ou cansada, com o olhar fugidio, aparentando não levar uma vida fácil, sem contudo demonstrar alegria ou tristeza. Os tons da pintura são combinados e abrandados, sendo a personagem mais clara, porém cheia de matizes.

Ficha técnica
Ano: c. 1740
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 46 x 37 cm
Localização: Pinacoteca de Munique, Alemanha

 Fontes de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann

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