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Autoria de Lu Dias Carvalho

Contemporâneo de paisagistas, Pietro Longhi poderia ser chamado mestre da paisagem humana. Seguiu a topografia dos costumes sociais, em lugar de descrever a psicologia. (Enciclopédia dos Museus)

O desenhista e pintor italiano Pietro Longhi (1702 – 1785) tornou-se famoso por seus retratos e cenas de gênero no estilo Rococó. Seu pai Alessandro Falca era ourives. Longhi iniciou seus estudos com o artista Antonio Balestra. Veio depois a estudar e trabalhar com Giuseppe Crespi, responsável por introduzi-lo no estudo da natureza e dos temas de gênero. Inicialmente sua criação estava ligada aos temas religiosos e aos mitológicos, mas, por influência de Antoine Watteau e de seus seguidores, enveredou-se pelas cenas de vida pública e privada, pintando, sobretudo, cenas da vida dos nobres da Veneza do século XVIII. Apesar da delicadeza de suas pinturas, essas traziam, muitas vezes, certa dose de humor. Seu filho, Alessandro Longhi, também se tornou um renomado pintor.

A composição Cabra-Cega, nome de um jogo, é simples, mas de colorido refinado e de grande sensibilidade, tanto na narrativa quanto na pintura. O artista apresenta um grupo de cinco pessoas numa sala, sendo duas mulheres, dois homens e um menino. Todos estão vestidos pomposamente, de acordo com a moda da época.  O homem de verde, sentado numa cadeira de madeira, parece se divertir com as tentativas do garoto, que traz nos olhos uma venda e um bastão nas mãos, para quebrar o pote de barro, que se encontra no chão, com o prêmio dentro. Uma das mulheres, porém, mostra-se distraída, com o rosto voltado para outra direção.

Atrás do grupo, que se mostra bastante íntimo, encontra-se uma grande mesa forrada com uma toalha cor-de-rosa. Sobre ela estão duas garrafas de vidro, taças e uma bandeja com biscoitos. Acima da mesa, sobre a parede de revestimento verde-escuro, vê-se parte de um quadro com paisagem. Atrás do garoto existe uma porta que leva a outro ambiente, que se encontra separado por uma cortina verde.

Ficha técnica
Ano: c.1785
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 49 x 61 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fonte de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O pintor francês Louis Le Nain (1593 – 1648), também conhecido por o Romano, ao chegar a Paris, vindo de Lyon, juntamente com dois irmãos, Antoine e Mathieu, abriu uma oficina de pintura em Paris. Anteriormente a isso, nada se sabe sobre sua formação artística, assim como é difícil, muitas vezes, saber qual foi a obra pintada por esse ou aquele irmão, pois os três costumavam trabalhar numa mesma tela. Mas não há dúvidas de que Louis foi o mais criativo dos três. Através do apelido recebido é provável que tenha ido a Roma. Fez parte da Academia Real de Pintura e Escultura, em Paris. Os irmãos deixaram uma pequena série de pinturas históricas, mas preferiram as cenas de vida no campo. Eles vieram de uma família rural.

A composição A Família de Camponeses, também conhecida como A Família de Camponeses num Interior, é tida como a obra-prima de Louis Le Nain. Nesta obra, em que estão presentes oito figuras humanas, um cachorrinho e um gato, predominam os tons de marrom, em suas gradações. Trata-se de uma de suas mais famosas cenas rústicas, também conhecida como pintura de gênero, que eram representações da vida cotidiana, especialidade a que o artista mais se dedicou e que se tornou muito popular no século XVII, principalmente nos Países Baixos, sendo Naim e seus irmãos os grandes representantes da França, no final desse mesmo século.

Numa ambiente escuro e humilde, com paredes sem qualquer tipo de ornamento e de chão batido, um camponês reúne-se com sua numerosa família em volta de uma mesa. Percebe-se que o jantar ainda não foi servido, pois o chefe da família parou de cortar o imenso pão que traz junto ao corpo, enquanto segura uma faca na mão direita. Naquela época, a comida dos camponeses limitava-se a uma sopa acompanhada de pão. Perto de um gatinho malhado, que parece posar para a pintura, no chão, está um caldeirão, provavelmente de barro, com uma concha de cabo de pau dentro, trazendo a tampa, de pé, recostada nele. Uma tosca frigideira e um cesto de vime, com um pano dentro, também jazem no chão.

A mesa está desarrumada, com uma parte coberta por uma toalha. Sobre ela se encontram uma tigela maior, provavelmente para colocar o pão, uma vasilha menor, para sal ou molho, e um castiçal sem vela. O velho camponês e sua filha (ou nora), provavelmente a mãe das crianças, encontra-se sentados à mesa. Mais distante, e sentada sobre uma cadeira, está sua esposa, uma senhora idosa que aparenta muita dignidade. Ela traz uma jarra de vinho apoiada no colo e um copo de vidro na mão esquerda, cuja base sustenta-se na jarra. O copo está quase cheio. Os três adultos e a criança menor, sentada no chão, estão voltados para o observador. Uma menina é vista atrás daquela que presumimos ser sua mãe.  Um garotinho, de pé de e de costas para o velho camponês, toca algo numa flauta de pastor. Um cãozinho, na base esquerda da tela, mostra-se atento, à espera dos restos da refeição. Próximo a ele está o que parece ser um cajado, que deixa sua sombra no chão.

Ao fundo, à esquerda, crepita no chão o fogo que serve para cozinhar, aquecer e iluminar o ambiente com sua luz bruxuleante, delineando a silhueta dos personagens mais próximos. Ali são vistos um caldeirão, lenha e outros objetos. Dois personagens são vistos lá dentro: uma jovem com a cabeça coberta, próxima à parede, e um garoto, voltado para o fogo que alumia parte do ambiente. Através das roupas grosseiras e rasgadas dos personagens, dos pés descalços das crianças e dos precários objetos, ali contidos,  é possível concluir que a família é muito pobre. (Os camponeses, até meados do século XX, andavam descalços). A pintura repassa a imagem de uma família unida, apesar da pobreza.

Ficha técnica
Ano: c. 1642
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 113 x 159 cm
Localização: Museu do Louvre, Paris, França

Fontes de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann
http://www.wga.hu/html_m/l/le_nain/p_family.html
http://www.louvre.fr/oeuvre-notices/famille-de-paysans-dans-un-interieur

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O maravilhoso retrato denominado O Alfaiate é uma obra do pintor italiano Giovanni Battista Moroni (c. 1530-1578). Presume-se que sua formação tenha se dado com o mestre Alessandro Moretto. Suas pinturas remetem às obras de Lorenzo Lotto e Ticiano. Embora Moroni tenha criado inúmeros retábulos, sua fama deveu-se, sobretudo, aos impressionantes retratos pintados por ele, cujas características principais eram a sensibilidade e a simplicidade, como as vistas nesta composição.

A obra em questão é tida como o mais famoso dos retratos do artista, não apenas por sua impressionante qualidade, como pelo modo como ele expôs o tema, ao pintar este jovem elegante, mas também meio triste. Se eliminada a tesoura de sua mão, dele não seria reconhecida a profissão de alfaiate.

O rapaz encontra-se de pé, diante de uma mesa de madeira, segurando a ponta de um tecido preto com a mão esquerda, e a tesoura com a direita. Existe um forte contraste entre suas vestes e o tecido escuro, marcado com linhas brancas de giz, que irá cortar. Sua cabeça está iluminada por uma luz que vem de cima, à esquerda. Seus olhos grandes chamam a atenção para ela. O alfaiate olha diretamente para o observador, como se estivesse a sondá-lo.

Ficha técnica
Ano: c. 1570
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 96,5 x 73,5 cm
Localização: Galeria Nacional, Londres, Grã-Bretanha

Fontes de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann
https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/giovanni-battista-moroni-the-tailor-il-tagliapanni

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