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Autoria de Lu Dias Carvalho

Nesta nossa viagem pela História da Arte já passamos por diferentes épocas da história da humanidade.  Iniciamos pela Pré-História (Período Paleolítico/ Período Neolítico/ Idade dos Metais). Seguimos depois pela Antiguidade, quando nos defrontamos com a arte do Mundo Antigo (Egito/ Grécia/ Roma) e fechamos esse portal do tempo com a Arte Bizantina. Na Idade Média tivemos contato com dois importantes estilos: Românico e Gótico. Na Idade Moderna travamos contato com os seguintes estilos: Renascimento, Maneirismo, Barroco e Rococó. Adentramos na Idade Contemporânea — esta em que vivemos e que se iniciou no século XVIII, continuando até os nossos dias —, responsável por um grande leque de estilos que se abre maravilhosamente diante de nós. Iniciamos nossa viagem pelo estilo conhecido como Neoclassicismo e hoje vamos conhecer o Romantismo.

O Romantismo foi um estilo ligado às artes que teve início no final do século XVIII e atingiu sua plenitude no início do século XIX. Nasceu da visão dos filósofos alemães — Immanuel Kant, Karl Schlegel e George Hegel —, para os quais o mundo interior do artista era a essência da esfera romântica. Para tal visão contribuíram certas precondições filosóficas, políticas, sociais e artísticas, existentes à época, que puseram em primeiro plano a imaginação individual e a criatividade, sem que essas ficassem atreladas a quaisquer impedimentos. O movimento romântico carregava em si uma visão emotiva e intuitiva em oposição ao tratamento comedido e racional que se dava ao “clássico”.  

A reação ao racionalismo iluminista do século XVIII foi em parte responsável pelo surgimento do Romantismo. Os pensadores do Iluminismo haviam tentado encontrar uma ordem racional que fosse capaz de eliminar as superstições e os ideais religiosos que se espalhavam pelo mundo do pensamento inteligente, o que acabou não se concretizando, resultando numa grande desilusão, uma vez que o caos e as guerras continuavam existindo. Isso acabou ajudando a estimular o novo estilo.

Outro fator responsável pelo desenvolvimento do Romantismo foi a Revolução Industrial europeia que deu início a um período de caos social, despertando nas pessoas um sentimento de impotência diante das forças antinaturais da mecanização que se fazia cada vez mais presentes. O Romantismo acabou fazendo com que essa frustração desaguasse na relação especial do homem com a natureza intocada, selvagem e inculta, como expôs o teórico francês Jean-Jacques Rousseau e como externou o pintou J.M.W. Turner em sua tela denominada “Vapor numa Tempestade” que veremos mais à frente.

Os românticos objetivavam fazer reaparecer o lado espiritual e fantástico da Idade Média, fundamentalmente moderno, sob a alegação de que esse fora corrompido pela regressão pagã do Renascimento materialista. As ideias relativas ao Romantismo espalharam-se por toda a Europa, mas França, Alemanha, Suíça e Grã-Bretanha abraçaram-nas com paixão. A arte dos Estados Unidos — principalmente a pintura de paisagem — também sofreu grande influência deste estilo que, ao se interessar pela Idade Média, contribuiu em grande escala para o ressurgimento da arte pré-rafaelista por parte dos nazarenos alemães, retomando o interesse pelo gótico na arquitetura, principalmente na Inglaterra.  A escultura foi enriquecida com a representação de animais e foi menos afetada pelas diretrizes românticas — ao contrário da pintura que era tida à época como uma arte totalmente antirromântica.

O termo “romântico”, usado livremente para referir-se a uma visão saudosista do passado, ganhou intensidade com o renascimento vigoroso do estilo Gótico na arquitetura, sobretudo na Inglaterra. Porém, no final do século XVIII, um grupo de autores alemães passou a fazer uso de tal termo, dando-lhe um sentido diferente, ou seja, como o oposto do Classicismo, no que dizia respeito aos valores tradicionais. Enquanto o Classicismo valorizava a razão e a ordem, o Romantismo prezava o poder da imaginação, as emoções e o individualismo.

Na França havia uma disputa entre românticos e classicistas. Enquanto os primeiros — liderados por Eugène Delacroix — eram coloristas e suas obras muitas vezes pareciam inacabadas, os segundos — liderados por Jean-August-Dominique Ingres — viam no traço e no acabamento esmaltado os dois pontos mais importantes da arte. Por sua vez os nazarenos (grupo de pintores românticos alemães do início do século XIX que pretendiam reviver a honestidade e a espiritualidade na arte cristã, e cujo nome nasceu como zombaria em razão de sua afetação do modo de usar roupas e estilo de cabelo segundo o modo bíblico) na Alemanha, inspiravam-se no passado, mas não se atinham às normas acadêmicas impostas pelo Neoclassicismo — estilo anterior. Outro ponto em que clássicos e românticos diferiam era na criação de paisagens. Os primeiros trabalhavam a natureza de modo que essa se adequasse a suas composições ordenadas, enquanto os últimos retratavam-na selvagem e afoita.  

Os valores queridos aos românticos podiam ser vistos de diferentes maneiras: opção por mostrar o indivíduo opresso pelas forças da natureza; o individualismo ancorado no espírito de revolta; levantes populares contra o Estado dominante; e os movimentos nacionalistas. Eles trabalhavam com um grande leque de temas: horror, violência, loucura, sobrenatural, ideias exóticas, visionárias e místicas. Era comum que reproduzissem cenas históricas ou lendárias referentes à Idade Média. O movimento romântico apregoava a exacerbação das emoções, a agitação da psicologia humana e a força incontida da natureza, capaz de sobrepor à da própria humanidade, como mostra a pintura do artista francês Theodore Géricault, intitulada “A Jangada da Medusa” que também veremos mais à frente.

O Romantismo foi muito mais uma questão de ponto de vista, o que torna quase impossível analisá-lo em termos de conjunto de características. No entanto, podem ser citadas algumas tendências pictóricas predominantes, como a extrema linearidade dos alemães e a acentuada “pictorialidade” dos franceses. Alguns artistas também mostraram grande interesse pela cor, quer seja por seu potencial vibrante, quer seja pela criação de efeitos vibrantes. No que diz respeito à pintura histórica, essa deixou para trás sua supremacia moral vista no estilo Neoclássico, passando a fundir-se, muitas vezes, à pintura de gênero. Por sua vez a paisagem alcançou seu auge, sendo tida por muitos como a mais importante forma de arte do novo estilo. O Romantismo passou a dar lugar aos realistas nos anos 1840, quando esses passaram a retratar o presente com uma visão menos afeita à emotividade.

Ilustração: A Liberdade Guiando o Povo, 1830, Delacroix

Fontes de pesquisa
Tudo sobre arte/ Editora Sextante
Manual compacto de arte/ Editora Rideel
A história da arte/ E. H. Gombrich
História da arte/ Folio
Arte/ Publifolha

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O Neoclassicismo foi um estilo de arte que dominou o fim do século XVIII, indo até o início do século XIX. Ao contrário do que acontece com a maioria dos estilos de arte, o impulso inicial para o seu surgimento não veio de artistas, mas sim de pensadores (filósofos) — os portadores do “Iluminismo” na França. Nomes como Denis Didorot e Voltaire lideraram o movimento, ao fazer críticas ao relaxamento moral do estilo Rococó e, consequentemente, ao regime que o abrigava. Exigiam uma arte que fosse racional, moral e intelectualizada. Achavam que um reexame das artes da Antiguidade traria novos ares às normas criativas que vigoravam até então. Tais exigências podiam ser encontradas na cultura do mundo clássico.

1. A Europa Ocidental do final do século XVIII retomou a cultura clássica com o objetivo de:
   
   
   1. Buscar afinidade com os deuses da mitologia.
   2. Reviver o ideal de beleza em detrimento da realidade.
   3. Buscar inspirações na história, literatura e mitologia.
   4. Fazer vigorar as leis do Renascimento.
      
      
2. Ao retomar o estilo greco-romano, o Neoclassicismo objetivava:
   
   
   1. Adaptar os princípios clássicos à modernidade.
   2. Retornar ao estilo greco-romano, fazendo uso de técnicas apuradas.
   3. Cultuar a Teoria de Aristóteles e o ideal de democracia.
   4. Todas a alternativas estão corretas.
      
      
3. O termo “academicismo” surgido à época significava:
   
   
   1. Liberdade no ensino artístico nas academias de arte europeias.
   2. Adoção dos princípios da arte greco-romana apenas na pintura.
   3. Obediência estrita nas artes, seguindo os preceitos acadêmicos.
   4. Retorno aos princípios do Barroco e do Rococó.
      
      
4. São características da arte Neoclássica na arquitetura, exceto:
   
   
   1. O uso de formas regulares simétricas e geométricas.
   2. Edificações com cúpulas monumentais, pórticos com colunas.
   3. O uso de materiais nobres como mármore, granito e madeira.
   4. Busca de efeitos teatrais causados pelo uso de luz e sombra.
      
      
5. O Neoclassicismo deixou de lado a temática religiosa. Contribuíram par isso, exceto:
   
   
   1. A Revolução Francesa.
   2. A ruptura com o Absolutismo.
   3. A Segunda Guerra Mundial.
   4. A nova percepção de mundo surgida com o Iluminismo.
      
      
6. São afirmações corretas acerca da pintura neoclássica, menos:
   
   
   1. Não abandonou a estética barroca.
   2. Tornou-se clara e simples.
   3. Passou a retratar a vida cotidiana.
   4. Fez uso de cenas mitológicas e históricas.
      
      
7. Trata-se de um dos mais brilhantes pintores do estilo Neoclássico, considerado o “Pintor da Revolução Francesa”:
   
   
   1. Foucout
   2. Jaques-Louis David
   3. Jean-Auguste-Dominique Ingres
   4. John Flaxman
      
      
8. A pintura mais famosa do pintor acima, tida como a primeira obra-prima do Neoclassicismo, chama-se:
   
   
   1. O Juramento dos Horácios
   2. A Morte de Marat
   3. A Apoteose de Virgílio
   4. A Morte de Sócrates
      
      
9. A escultura neoclássica tinha como características, exceto:
   
   
   1. Predominância de formas mais naturais.
   2. Abandono quase completo da policromia.
   3. Contorcionismo e dramaticidade como nas esculturas barrocas.
   4. Princípios de ordem, clareza, austeridade e equilíbrio.
      
      
10. A edificação neoclássica (ilustração acima) que atualmente serve como cemitério de homens ilustres como Voltaire e Rousseau chama-se:
    
    
    1. Partenon
    2. Panteão Romano.
    3. Duomo
    4. Panteão de Paris.

Gabarito
1.c / 2.d / 3.c / 4.d / 5.c / 6.a / 7.b / 8.a / 9.c / 10.d

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                                                   (Clique na imagem para ampliá-la.)  

O erotismo deste quadro é de um tipo particularmente complexo. Em primeiro lugar é uma variante do tema do mercado de escravas e do harém. Essas mulheres são animais arrebanhados e preparados para o prazer do macho, a quem de modo algum podem recusar satisfação. Em segundo lugar, o quadro é fortemente voyeurístico. Nós estamos olhando uma cena normalmente proibida ao olhar masculino. Em terceiro lugar, há um aspecto de afetação homossexual em algumas das poses, principalmente no grupo do primeiro plano em que a mulher da direita toca os seios de sua companheira ao lado. (Lucie-Smith)

O Banho Turco é uma das pinturas mais conhecidas de Jean-Auguste Dominique Ingres, mais conhecido simplesmente por Ingres que, embora se considerasse um neoclássico, era também chegado aos temas exóticos. À época o orientalismo estava na moda na França em razão das guerras napoleônicas no Oriente. Esta composição mostra a vida das mulheres que vivem apenas para a beleza e o prazer masculino num harém oriental. Pode ser considerada a mais bela das obras-primas do artista. Quando fez este quadro, Ingres estava com 82 anos de idade, embora mantivesse aceso o fogo de um homem de 30 anos, como gostava de dizer. Aqui ele retoma um tema do início de sua carreira, banhistas e odaliscas.

Ingres jamais presenciou uma cena semelhante, pois nunca visitou o Oriente. Também não usou modelos vivos para pintar O Banho Turco, tela extremamente sensual, mas aproveitou uma série de croquis e desenhos realizados, quando pintava outros nus, ao longo de sua carreira. Estão na cena cerca de duas dúzias de figuras femininas, nas mais diferentes poses, sobre suntuosos tapetes e almofadas coloridas. O pintor adorava retratar mulheres nuas, sendo dito que ele gostava do erotismo de voyeur, embora se mostrasse moralista. Observe o leitor que a figura central é a mesma usada em A Banhista de Valpinçon, assim como A Grande Odalisca, ambas as composições presentes aqui no site (busque em pesquisar).

Segundo alguns estudiosos de Ingres, para pintar este quadro em que aplicou o estilo de pintura redonda, também conhecido como “tondo”, ele se baseou em descrições sobre os banhos no harém do sultão Maomé II e nas Cartas do Oriente, de Lady Montagu, aristocrata e escritora inglesa. Ela assim se expressou em uma de suas cartas: “Havia 200 mulheres… Os sofás estavam cobertos de almofadas e ricos tapetes nos quais estavam sentadas as senhoras, completamente nuas… E, no entanto, não havia o menor sorriso libertino ou gestos licenciosos entre elas”. Ingres não via nas mulheres a lascívia, mas beleza e inocência. O formato redondo evoca o ideal renascentista.

A tela de Ingres em que cada figura foi detalhadamente estudada, embora mostre mulheres nuas, não causou nenhuma comoção, como foi o caso de Olímpia, de Edouard Manet (iremos estudar mais à frente) que seria exposta no ano seguinte. Contudo, muitos críticos fazem uma análise mais forte desta composição, alegando que há nela dois aspectos marcantes: voyeurismo e lesbianismo.

Obs: Segundo alguns historiadores, é provável que esta obra tenha pertencido ao Príncipe Napoleão, mas sua esposa achou-a imoral, tendo colocado outra em seu lugar. Ingres acabou recuperando a obra e mudou seu formato para a forma circular, como se encontra hoje. Além disso, também fez transformações nas figuras que se encontram nas extremidades.

Ficha técnica
Ano: 1863
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 108 cm de diâmetro
Localização: Louvre, Paris, França

Fontes de pesquisa:
1000 obras-primas da pintura europeia/ Editora Könemann
Romantismo/ Editora Taschen
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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