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Autoria de Lu Dias Carvalho

O Rococó teve como origem a França, no século XVIII, onde surgiu como um estilo meramente decorativo e um desdobramento do Barroco. O termo é tido como uma combinação bem-humorada da palavra “rocaille” (palavra francesa que pode ser traduzida como “concha”) e “barroco”. Segundo alguns estudiosos do assunto, foi atribuído a um aluno do pintor Jacques-Louis David, logo após a Revolução Francesa, no intuito de zombar do rebuscamento do estilo burguês. Artistas da época achavam que tal estilo não passava de uma diminuição cômica do Barroco, objetivando apenas expressar sentimentos aprazíveis. Esse sentido pejorativo prosseguiu até metade do século XIX, perdendo toda a conotação negativa daí para a frente. O Rococó — estilo decorativo surgido na França no reinado de Luís XV — foi o último estilo da Idade Moderna.

Dentre as principais características da arte do Rococó podem ser citadas: o nivelamento e a falta de tridimensionalidade na decoração; o excesso de elementos curvos de rocaille, enroscando-se em anéis assimétricos de curvatura oposta; desenhos assimétricos; e a representação da vida profana e da futilidade da aristocracia que buscava na arte apenas o prazer. Além disso, muitas de suas formas foram influenciadas pelas características arquitetônicas do Barroco francês, porém niveladas e de proporções menores, sem a monumentalidade desse.

O período de dominância do Rococó foi responsável pelo aparecimento de uma grande atividade no campo da decoração, com a predominância de objetos pequenos, feitos de prata ou de porcelana. É dessa fase o conhecido “estilo Luís XV”, datado de 1730 a 1760, visto em mobiliários e decorações durante o reinado do monarca que lhe deu tal nome. As cenas pastorais também se encontravam presentes. Nelas as figuras aristocráticas cediam lugar a pastoras e pastores em jogos de sedução. Nos temas narrativos, os putti (anjos ou cupidos) reforçavam a história. Nas artes uma profusão de arabescos, motivos de conchas, linhas curvas e desenhos assimétricos davam destaque à decoração.

O Rococó foi de certa forma uma reação ao estilo Barroco. Dominou a arte europeia durante a maior parte do século XVIII, dando destaque à elegância, à futilidade e à beleza decorativa. Contudo, não se desenvolveu da mesma maneira nos países europeus, para onde foi levado por artistas expatriados e também através de gravuras. Na Inglaterra esteve mais ligado ao desenho mobiliário. No sul da Alemanha tornou-se um aperfeiçoamento do estilo Barroco e na Itália foi um avanço decorativo do Barroco italiano. A partir da década de 1770 foi, aos poucos, cedendo lugar ao Neoclassicismo.

Muitos temas encontrados na arte barroca estiveram presentes no Rococó, a exemplo de temas simbólicos e mitológicos, mas que não mais detinham um conteúdo de seriedade. Muitas das vezes não passavam de pretexto para as apresentações eróticas do nu feminino. A temática sobre o amor era, sem dúvida, a mais popularizada. O fête galante — tema que aludia a jovens casais ricos e elegantes, passeando alegremente por parques idílicos — teve em Jean-Antoine Watteau seu pioneiro, sendo a composição intitulada O Embarque para Citera, concluída em 1717, sua obra-prima.

O estilo Rococó teve grande influência sobre a arquitetura, a pintura e a decoração de interiores. Era ao mesmo tempo uma reação ao Barroco e um aprimoramento deste. A diferença fundamental estava na rejeição ao excesso de pompa e na grandiosidade apresentadas pelo estilo anterior. A arte do Rococó pecava, sobretudo, pela ausência de um conteúdo sério, uma vez que as obras carregavam um estilo excessivamente decorativo. Dentre os grandes nomes desta arte estão Jean-Antoine Watteau, François Boucher, Jean-Honoré Fragonard e Canaletto pintando cenas de Veneza. Na escultura o estilo Rococó eliminou o vigor das linhas retorcidas do Barroco, tendo como principal nome o escultor francês Jean-Antoine Houdon.

Ilustração: 1. O Baloiço, 1767, Jean- Honoré-Fragonard

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O pintor inglês Joshua Reynolds (1723-1740) era filho do reverendo Samuel Reynolds que almejava que ele fosse médico, mas o garoto, já aos oito anos de idade, mostrava sua forte propensão pela arte, reproduzindo pinturas e gravuras. Prometeu ao pai que seria um pintor de talento. Foi para Londres aos 17 anos de idade, onde estudou com Thomas Hudson, um retratista conservador. Tomou conhecimento dos retratos do escocês Ramsay que se atinha à variação cromática das superfícies e gostava de mudar sempre a posição dos retratados. Reynolds sempre instruía seus colaboradores (a pintura inglesa do século XVIII trabalhava com ajudantes) que ficavam com as paisagens e panejamentos, enquanto ele fazia os desenhos, pintava rostos e mãos da figura e retocava o que fosse necessário.  E foi esse tipo de colaboração que lhe permitiu pintar mais de uma centena e meia de retratos por ano. Estudou a obra de Michelangelo e Rafael e conheceu o trabalho de Guido Reni, Ticiano, Tintoretto e Veronese. Em Londres passou a produzir quadros para a elite. Tinha predileção pelos ambientes requintados. Era sempre frequente nos meios literários e culturais. Contudo, sua vida privada era impenetrável. Foi um pintor paparicado pelos nobres e poderosos. Hoje estudamos uma de suas obras intitulada Reynolds – SRA. ELIZABETH DELMÉ E…

1. A composição Sra. Elizabeth Delmé e seus Filhos é uma obra do pintor e retratista inglês Joshua Reynolds, um dos mais importantes e produtivos retratistas do século:
   
   
   1. XVI
   2. XVII
   3. XVIII
   4. XIX
      
      
2. Em sua obra, o artista preocupava-se sobretudo com:
   
   
   1. a técnica
   2. o desenho
   3. a coloração
   4. a luz
      
      
3. O artista, nesta obra gigantesca, retratou membros de uma família aristocrática inglesa:
   
   
   1. em segundo plano e ao ar livre
   2. em primeiro plano e ao ar livre      
   3. embaixo de uma palmeira imperial
   4. embaixo de um caramanchão
      
      
4. Como pano de fundo, Reynolds criou uma pitoresca paisagem, com cores ricas e quentes, em que uma luz suave espalha-se pelos caminhos do bosque e reflete-se na vegetação. Em relação à luz no grupo de pessoas podemos afirmar que:
   
   
   1. Não se encontra iluminado.
   2. Apenas a Sra. Elizabeth Delmé está iluminada.
   3. Só as crianças estão iluminadas.
   4. Todo o grupo encontra-se iluminado.  
      
      
5. Elizabeth Delmé está sentada, tendo à sua esquerda os filhos John e Isabella Elizabeth, ambos de pé. O trio com suas bochechas rosadas forma uma composição:
   
   
   1. piramidal  
   2. oval
   3. quadrangular
   4. retangular
      
      
6. O garotinho está recostado na mãe e a irmãzinha encostada nele. A senhora Delmé envolve ternamente os dois filhos com seu braço esquerdo e também segura a mão do garoto. Ela traz os olhos fixos:
   
   
   1. na paisagem
   2. nas crianças
   3. no observador  
   4. no cãozinho
      
      
7. O artista apresenta as crianças:
   
   
   1. com formalidade
   2. sem nenhuma formalidade
   3. em pose aristocrática
   4. excessivamente eretas
      
      
8. Esta pintura lembra as madonas renascentistas do pintor italiano Rafael Sanzio.
   
   
   1. Michelangelo
   2. Botticelli
   3. Caravaggio
   4. Rafael Sanzio
      
      
9. Um ponto de grande beleza, idealizada pelo artista, diz respeito:
   
   
   1. às dobras do manto de cetim
   2. ao laço do vestido da menina
   3. ao pelo do cãozinho
   4. à vestimenta do menino.
      
      
10. Acerca da figura de Lady Delmé não se pode afirmar que:
    
    
    1. Possui um rosto longo e elegante.
    2. Os olhos mostram-se pesados.
    3. Os cabelos baixos caem-lhe pelas costas.
    4. Usa um vestido branco e uma capa de cetim.
       
       
11. A pintura em questão pertence ao gênero:
    
    
    1. da natureza-morta
    2. do retrato  
    3. da pintura de gênero
    4. da paisagem
       
       
12. Sobre o artista Joshua Reynolds não se pode afirmar que:
    
    
    1. Fazia os desenhos, pintava rostos e mãos da figura e retocava o que fosse necessário.
    2. A ajuda dos colaboradores permitiram-lhe pintar mais de uma centena e meia de retratos por ano.
    3. Tinha predileção pelos ambientes requintados, e estava sempre presente nos meios literários e culturais.
    4. Embora vivesse em meio à elite, o artista preferia pintar seus quadros junto às pessoas simples das vilas inglesas.  

Gabarito
1.c / 2.a / 3.b / 4.d / 5.a / 6.c / 7.b / 8.d / 9.a / 10.c / 11.b / 12.d

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Autoria de Lu Dias Carvalho

   
           (Cliquem nas imagens para ampliá-las.)

 O pintor e gravador inglês William Hogarth (1697-1764), chateado com a situação de ser recusado em seu país, compreendeu que, para atrair os puritanos ingleses, a arte deveria trazer uma finalidade clara. Não achava justo que ele, assim como muitos de seus conterrâneos, tão bons quanto os estrangeiros que tinham as suas obras encomendadas por preços exorbitantes pelos ricos ingleses, fossem preteridos. Baseando-se em tal premissa, passou a criar quadros que mostrassem as recompensas da virtude e os castigos advindos do pecado, para atrair seus compatriotas moralistas. A sua conclusão era a de que as pessoas criadas na tradição puritana estavam sempre preocupadas em saber qual era a utilidade de uma pintura, e seria esse a série de quadros que deveria criar para chamar-lhes a atenção.

Uma de suas séries, “As Quatro Fases da Crueldade” apresenta a vida de um libertino. Inicia apresentando a sua ociosidade e a devassidão até chegar ao crime e à morte. A série de quadros levaria o observador a acompanhar os passos da história e tomar para si seus ensinamentos. Segundo Hogarth, seria como a arte de um dramaturgo e de um diretor teatral. Todos os seus personagens ali se apresentam por um objetivo que é esclarecida através de gestos e do uso de atributos cênicos. Esse tipo de arte, contudo, não era tão novo como pensava o artista. Já o vimos na Idade Medieval, quando imagens eram usadas para transmitir lições cristãs. Mas, ao contrário dos artistas medievais, Hogarth era um artista estudioso na busca por efeitos pictóricos, pintando suas sequências de ensinamentos (sermões) com precisão.

O quadro acima, intitulado Vida de um Libertino: o Libertino em Bedlam, apresenta o personagem já no final de seus dias, no hospício de Bedlam. Ele se mostra desvairado em meio a outros pacientes com variados tipos de loucura:

1. Na primeira cela está o religioso fanático, o que podemos deduzir através da cruz desenhada na parede e de seu gesto piedosamente exagerado. Ele se contorce em seu catre de palha alheio à realidade do mundo.
2. Na cela seguinte, mais ao centro, está o megalomaníaco usando uma coroa real e segurando um cetro.
3. Um insano rabisca na parede um quadro, pensando representar o mundo.
4. Um cego é visto empunhando um telescópio de papel.
5. Um anão ocupa o centro da composição como se estivesse a zombar dos dramas que ali se sucedem.
6. Um trio esquisito, formado por um sorridente violinista, um cantor estranho com um livro sobre a cabeça e a figura de um homem apático e de olhar perdido, reúne-se em torno da escada.

Em primeiro plano está o libertino agonizante no chão, pálido, seminu, pranteado apenas pela criada que ele havia abandonado outrora. O homem de pé próximo a ele pode ser um parente. O seu braço esquerdo e perna direita estão amarrados por uma corrente. Um homem à sua direita retira-as, pois agora, enfraquecido, não mais necessita de tal aparato. Um grotesco anão zomba de tudo à volta. Duas refinadas visitantes ali presentes são antigas conhecidas do libertino, quando ele se encontrava em seus dias de grande opulência. Uma delas segreda algo no ouvido da outra.

O artista compôs o grupo com a mesma precisão das pinturas italianas de tradição clássica. Apesar de não ter se transformado no pintor que almejava, escolhido por seus compatriotas, Hogarth, ganhou dinheiro e fama com suas séries pictóricas, uma vez que angariou um público muito receptivo a elas, principalmente no que diz respeito às reproduções em gravuras (ver segunda ilustração), enquanto os nobres continuavam a dar suas encomendas aos famosos artistas estrangeiros.

Ficha técnica
Ano: 1735
Dimensões: 62,5 cm x 75 cm
Técnica: óleo sobre tela
Localização: Sir John Soane’s Museum, Londres, Grã-Bretanha

Fonte de pesquisa
A História da Arte / E. H. Gombrich

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