Mestres da Pintura – JUAN VALDÉS LEAL
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Autoria de LuDiasBH

O pintor e gravador barroco espanhol Juan de Valdés Leal (1622 – 1690) era filho do ourives português Fernando de Nisa e da sevilhana Antonia de Valdés Leal. Não existem informações sobre sua formação artística. Presume-se que tenha sido aluno de Antonio del Castillo Saavedra em Córdoba, onde se casou com Isabel Martínez de Morales, supostamente uma pintora de óleo, pertencente a uma ilustre família do lugar. Possuía uma oficina em sua casa, ali realizando seus primeiros trabalhos. Com o surgimento da epidemia de cólera em 1649, o artista deixou Córdoba, mudando-se com sua família para Sevilha onde angariou uma boa clientela, ainda assim, sua precária economia acompanhou-o pelo resto da vida.

Em 1654 ele foi encontrado novamente em Córdoba, onde em 26 de dezembro nomeou sua primeira filha Luisa Rafaela, a quem educou em pintura e gravura. Sua segunda filha, Eugenia María, nasceu em Sevilha. Pelo recenseamento de 1665 é também conhecido o nome de um oficial, Manuel de Toledo, de dezoito anos, residente com o artista. Seu filho Lucas nasceu em 1661, ano em que foi novamente nomeado examinador da guilda dos pintores e ao mesmo tempo ocupou o cargo de administrador da Irmandade de São Lucas. Juan de Valdés Leal foi eleito presidente da Academia por quatro anos.

O seu primeiro trabalho documentado em Sevilha foi em 1652. Refere-se a um grupo de pinturas feitas para o convento de Santa Clara em Carmona, entre as quais se destaca o “Retiro dos Sarracenos”. Também esteve em Madri, mas optou por ficar permanentemente em Sevilha. Fez uma série de seis obras para o mosteiro de San Jerônimo sobre a vida do santo, entre as quais estão “As tentações de São Jerônimo” e “A Flagelação de São Jerônimo” em que deixa patente a plenitude de seu estilo pessoal.

O artista possuía um estilo barroco tendendo para o tenebroso. Em seu estilo dramático, ele valorizava mais a expressão do que a beleza. Sua arte possuía um desenho forte, uma cor brilhante, uma sensação de movimento e uma iluminação dramática. Outra faceta importante do artista é a de gravador. É tido, ao lado de Murillo, como um dos mais renomados representantes da pintura barroca na Espanha.

Fontes de pesquisa
Pintura na Espanha/ Cosac e Naify Edições
https://www.arteespana.com/juandevaldesleal.htm

Murillo – A VELHA COM O MENINO
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Autoria de LuDiasBH 

O pintor espanhol Bartolomé Esteban Murillo (1618 -1682) nasceu na cidade de Sevilha, uma das mais importantes cidades da Andaluzia. Seus pais eram muito pobres, mas ainda assim queriam que o filho tivesse uma vida melhor do que a deles, embora o país passasse por uma decadência política e econômica, contrastando com sua grandeza artística e cultural. Antes que o garoto completasse 11 anos, seus genitores faleceram, ficando o pequeno aos cuidados de um tio que, ao notar sua queda pelo desenho, levou-o ao estúdio do pintor Juan del Castillo, com quem ele estudou e trabalhou durante 10 anos, até que esse se mudou para Cádiz. O futuro pintor, cuja arte foi moldada em pintores e influências estrangeiras, viria a participar do clima cultural e conservador de Sevilha, imbuído de profundas raízes populares.

A composição intitulada A Velha com o Menino — também conhecida como Anciã Procura por Piolhos no Cabelo de um Menino — é uma obra de gênero do artista barroco. São cerca de 20 pinturas neste estilo, normalmente mostrando a pobreza dos personagens — geralmente meninos e meninas maltrapilhos. Existem provas de que Murillo teve contato com a pintura de gênero da arte do Norte,  estilo incomum na pintura espanhola. A pintura em questão diz respeito ao tema holandês que se refere à virtude do asseio.

A cena acontece num ambiente pobre, onde uma anciã traz um garotinho junto às suas pernas, enquanto cata os piolhos de sua cabeça. O garoto traz na mão esquerda um pedaço de pão e na boca um naco do alimento. Ele brinca com um cãozinho que posta as duas patinhas dianteiras em sua coxa direita e olha para ele, possivelmente esperando ganhar um pedação de seu pão. No local há uma mesa e um banquinho de madeira e dois vasos de cerâmica. Uma janela aberta mostra o exterior, onde é visto um céu azul com nuvens brancas.

Ficha técnica
Ano: c. 1670
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 147 x 113 cm
Localização: Alte Pinakothek, Munique, Alemanha

Fontes de pesquisa
Pintura na Espanha/ Cosac e Naify Edições

Teste – O RENASCIMENTO
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O período ocorrido entre 1300 e 1600 depois de Cristo foi de grandes transformações na história da humanidade. As mudanças aconteceram em todos os campos: religioso, político, econômico, social e cultural, sinalizando o fim do feudalismo e o início do capitalismo. Nesse período ressurgiu o interesse pelo passado clássico, passando os artistas a não mais obedecer as regras severas das instituições acadêmicas que menosprezavam qualquer criatividade fora de seus códigos. O Renascimento teve como berço a Itália, espalhando-se posteriormente pelo resto da Europa. Nessa época os governantes disputavam entre si a contratação dos mais renomados artistas que, ao invés de artesãos, como eram tidos na Idade Média, passaram a ser cotados por seu talento individual. Os papas italianos também tiveram grande importância para a arte, ao contratar os mais criativos artistas da época tanto na pintura quanto na arquitetura.

Testando seus conhecimentos

  1. A Itália é tida como o berço do Renascimento. Suas principais cidades responsáveis pelas transformações na arte foram:

    1. Veneza, Florença e Milão;
    2. Milão, Roma e Florença;
    3. Nápoles, Roma e Veneza;
    4. Florença, Veneza e Roma.

  2. As bases culturais do Renascimento são responsáveis por ter criado as raízes do Humanismo que pode ser definido como um movimento:

    1. de desvalorização do artista, obrigado a obedecer aos códigos acadêmicos;
    2. que renegava a herança greco-romana, sempre em busca do novo;
    3. de valorização da figura humana que se encontrava no centro da arte clássica;
    4. cuja visão social, religiosa e política só via respostas nas autoridades religiosas.

  3. No Renascimento a anatomia do corpo humano passou ser estudada ao vivo pelos artistas, primeiro secretamente e depois nos teatros anatômicos. O artista pioneiro nessa ciência foi:

    1. Leonardo da Vinci;
    2. Rafael Sanzio;
    3. Salvador Dalí;
    4. Filippo Brunelleschi.

  4. O pintor, escultor e arquiteto _________ foi o principal nome da arquitetura renascentista:

    1. Michelangelo Buonarroti;
    2. Donatello;
    3. Filippo Brunelleschi;
    4. Andrea Mantegna.

  5. A escultura no Renascimento não mais objetivava ficar presa a uma parede ou coluna, devendo representar o homem realisticamente e, portanto, ser vista de todos os lados. Michelangelo Buonarroti foi um dos mais famosos escultores. Dentre suas magníficas obras encontram-se:

    1. Moisés, Pietá e São Jorge;
    2. Davi, Pietá e Moisés;
    3. Moisés, Davi e Vênus;
    4. Davi, Vênus e Pietá.

  6. São características da pintura renascentista, exceto:

    1. o uso da perspectiva seguindo os princípios matemáticos e geométricos;
    2. o realismo que coloca em destaque a figura humana;
    3. o incentivo aos artistas para que tivessem o mesmo estilo;
    4. a ilusão de volume obtida através da técnica claro-escuro.

  7. São obras de Leonardo da Vinci ______________ expostas no Museu do Louvre em Paris/França, colocadas entre as pinturas mais famosas do mundo:

    1. Escola de Atenas e Assunção;
    2. Mona Lisa e A Última Ceia;
    3. Nascimento de Vênus e Leda Atômica;
    4. Guernica e A Tempestade.

  8. O uso da _______________ pelos pintores renascentistas foi de grande importância, pois os libertou da rápida secagem da têmpera do ovo:

    1.  tinta a óleo;
    2.  sfumato;
    3. aquarela;
    4. xilogravura.

  9. Os nomes citados abaixo são de artistas do Renascimento italiano, exceto:

    1. Rafael Sanzio, Ticiano e Michelangelo;
    2. Masaccio, Fra Angelico e Leonardo da Vinci;
    3. Filippo Lippi, Sandro Botticelli e Michelangelo;
    4. Salvador Dalí, Renoir e Van Gogh.

  10. Os nomes citados abaixo são de artistas do Renascimento norte-europeu, exceto:

    1. Hieronymus Bosch, Pieter Bruegel ( o Velho) e Stefan Lochner;
    2. Pablo Picasso, Candido Portinari e Edgar Degas.
    3. Jan Van Eyck, Albrech Dürer e Robert Campin;
    4. Petrus Christus, Jean Fouquet e Lucas Van Leyden;

 Avaliando seus conhecimentos:

(Respostas corretas: 1.d/ 2.c/ 3.a/ 4.c/ 5.b/ 6.c/ 7.b/ 8.a/ 9.d/ 10.b)

Excelente: entre 09 e 10 pontos
Bom: entre 07 e 05 pontos
Fraco: entre 04 e zero pontos

Murillo – A IMACULADA CONCEIÇÃO DE EL ESCORIAL
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Autoria de LuDiasBH

O pintor espanhol Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682) nasceu na cidade de Sevilha, uma das mais importantes cidades da Andaluzia. Seus pais eram muito pobres, mas ainda assim queriam que o filho tivesse uma vida melhor do que a deles, embora o país passasse por uma decadência política e econômica, contrastando com sua grandeza artística e cultural. Antes que o garoto completasse 11 anos seus genitores faleceram, ficando o pequeno aos cuidados de um tio que, ao notar sua queda pelo desenho, levou-o ao estúdio do pintor Juan del Castillo, com quem ele estudou e trabalhou durante 10 anos, até que esse se mudou para Cádiz. O futuro pintor, cuja arte foi moldada em pintores e influências estrangeiras, viria a participar do clima cultural e conservador de Sevilha, imbuído de profundas raízes populares.

A composição religiosa intitulada A Imaculada Conceição de El Escolrial — obra do artista barroco — é uma personificação da Virgem Maria como Imaculada Conceição. Diz respeito a um tema que era muito procurado pelos fieis de Sevilha/Espanha, onde a adoração da Virgem era profunda. Murillo fez inúmeras representações artísticas sobre ela, sendo esta uma das mais belas e mais de acordo com o espírito da época, ou seja, reduzida ao essencial. O artista abre mão dos elementos descritivos e simbólicos comumente encontrados em versões anteriores, quando a Virgem era acompanhada de excessivos símbolos marianos com o objetivo de expressar sua pureza. Nesta pintura estão presentes apenas o quarto crescente e os anjos. Anteriormente esta composição foi erroneamente identificada como a “Imaculada Conceição da Granja”

Uma jovem e adorável Virgem ocupa o centro da tela, subindo em direção ao céu. Ela veste um vestido branco e um manto azul. Traz as mãos entrelaçadas em pose de oração e os olhos erguidos para o alto. A seus pés está uma lua crescente e quatro querubins que levam rosas, lírios e uma folha de palmeira — referências à sua pureza e martírio. Sua impressionante beleza física expressa também a sua pureza.

O pintor emprega na composição um claro-escuro esfumaçado e uma luz suave e dourada. A Virgem é banhada por uma nebulosa de luz celestial dourada que empresta à pintura um calor e doçura incomuns. Alguns putti estão presentes na parte superior e na inferior da pintura. Os querubins que se encontram na parte superior parecem diluir-se em meio à densa nuvem e à luz resplandecente, o que foi atribuído à noção de ausência de peso objetivada por Murillo que se tornou uma grande influência para muitos artistas subsequentes na maneira de retratar a Virgem.

O artista espanhol conseguiu em sua pintura, alcançar dois importantes objetivos: representar a Imaculada Conceição de acordo com as expectativas da sociedade barroca da época e também criar uma imagem belíssima da Virgem, fazendo dela um símbolo de grande importância para o cristianismo. É bom lembrar que, quando o artista começou a pintar suas telas deslumbrantes com a imagem da Imaculada Conceição, seu culto já vinha ganhando um imenso vigor na Espanha há cerca de um século e meio, sendo que a identidade coletiva espanhola defendia que seus pais São Joaquim e Santa Ana conceberam-na sem o contato físico necessário para gerar outros mortais. Tratava-se de um tema genuinamente local, sendo a Espanha sua principal defensora.

Murillo foi o pintor responsável por criar uma representação da Imaculada Conceição capaz de expressar toda a força do fervor popular, tornando-se universalmente aclamado por sua habilidade. Produziu cerca de 20 versões do tema durante a sua vida, sendo esta pintura uma das mais marcantes e emocionantes.

Ficha técnica
Ano: c. 1665/70
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 206 x 144 cm
Localização: Museu do Prado, Madri, Espanha

Fontes de pesquisa
Pintura na Espanha/ Cosac e Naify Edições
https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/the-immaculate-conception-of-el-escorial/10a7a263-cec9-4bbc-8385-6c8c1893b4dd
https://en.m.wikipedia.org/wiki/The_Immaculate_Conception_of_El_Escorial
https://www.artble.com/artists/bartolome_esteban_murillo/paintings/immaculate_conception_of_el_escorial

ADMIRAÇÃO VERSUS INVEJA
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Autoria de Danilo Vilela Prado

A admiração é uma virtude que deve ser cultivada, porque significa respeito, simpatia e encantamento com pessoas que sempre servem de espelho e exemplo para nós. Admirar significa entrelaçar a nossa existência com a irradiação positiva de outras pessoas. Nascemos admirando nossos pais, ainda que inconscientemente. Ou seja, a admiração é um sentimento inato. O sorriso espontâneo dos bebês revela encantamento não só com o mundo, mas com as pessoas próximas. Essa é a forma mais pura de admiração, que, infelizmente, pode se reduzir à medida que crescemos.

Quem admira, ama, cuida, procura seguir o mesmo caminho da pessoa que é admirada. Quantos de nós tivemos, ainda na infância, admiração por um professor, que muitas vezes mudou para melhor a nossa vida. A admiração faz brotar o sorriso, acelera o coração, dá prazer, estimula o ato de imitar e amar. Toda vez, que imitamos alguém que tem bons propósitos, contribuímos para a obra do Criador e tornamos esta Terra melhor e mais agradável. A admiração era algo ensinado em épocas passadas. As pessoas mais velhas, parentes ou não, estimulavam os mais novos a seguir os passos da virtude, que significa o respeito pelas conquistas próprias e pelas dos outros. Quem obtinha sucesso, encontrava seguidores que não queriam destruir ou menosprezar a conquista, mas desejavam aprender, com admiração, os passos trilhados pela pessoa bem sucedida.

Cada um tem aquilo que merece segundo os próprios méritos. Não faz mal, portanto, se a pessoa ao lado consegue mais do que nós. Se assim aconteceu foi porque essa pessoa, geralmente, se esforçou mais, pois a sorte nem sempre favorece. Não me refiro aos que conseguem algo através de meios ilícitos. Devemos admirar o esforço das reais conquistas alheias. Assim, admiramos as qualidades e as usamos como molas para também crescer. Mas de algum tempo para cá, a impressão que se tem é que, com as tecnologias de informação disseminadas e a profusão de vídeos, o ato natural da admiração foi transmutado para a inveja.

A inveja é um dos piores sentimentos que o ser humano pode ter, porque é destrutivo e ligado à incompetência e à preguiça. À incompetência porque, em vez de admirar e seguir os exemplos de pessoas sérias e honestas, o invejoso fica inativo e só faz destilar energias ruins para os outros, porque o invejoso não tem disposição de lutar pelas próprias conquistas, ficando incomodado com o sucesso alheio. A inveja é defeito grave, quase psicótico, e causa nos invejosos a produção excessiva de hormônios, que acabam sendo nocivos à saúde deles, como o cortisol e a adrenalina. Inveja e ódio são sentimentos gêmeos, porque estão associados à destruição própria e alheia. Se esse sentimento ronda a sua vida, cuidado!

Assim como nossos antepassados nos educavam para a virtude da admiração, os meios de comunicação atual, em boa parte, educam no sentido oposto. O livre arbítrio, o direito de escolher, dá a cada um de nós a possibilidade de decidir entre admirar e invejar. Faça a escolha certa e saiba diferenciar os próprios sentimentos. Se ficar tentado a ter inveja, faça um esforço e mude de rota: admire! Viva de tal modo que os seus atos sirvam de exemplo. Assim, as pessoas poderão admirar você.

Murillo – OS MENINOS COM A CONCHA
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Autoria de LuDiasBH

Nenhum outro pintor espanhol igualou-o em expressão e doçura (Joseph Townsend).

“Os Meninos com a Concha” é um reflexo de uma forma popular de piedade que favoreceu a representação de Cristo e São João Batista como crianças, colocando ênfase em sua espiritualidade e condição humana. (Museu do Prado)

O pintor espanhol Bartolomé Esteban Murillo (1618 -1682) nasceu na cidade de Sevilha, uma das mais importantes cidades da Andaluzia. Seus pais eram muito pobres, mas ainda assim queriam que o filho tivesse uma vida melhor do que a deles, embora o país passasse por uma decadência política e econômica, contrastando com sua grandeza artística e cultural. Antes que o garoto completasse 11 anos, seus genitores faleceram, ficando o pequeno aos cuidados de um tio que, ao notar sua queda pelo desenho, levou-o ao estúdio do pintor Juan del Castillo, com quem ele estudou e trabalhou durante 10 anos, até que esse se mudou para Cádiz. O futuro pintor, cuja arte foi moldada em pintores e influências estrangeiras, viria a participar do clima cultural e conservador de Sevilha, imbuído de profundas raízes populares.

A composição intitulada Os Meninos com a Concha — também conhecida como O Menino Jesus e São João Batista com uma Conha – é uma obra de devoção do artista barroco, muito popular e típica das encomendas da época.  Murillo tornou-se famoso por este tipo de pintura, sendo um dos maiores artistas de todos os tempos de tal gênero. Já no final de sua vida, ele aumentou a produção dessas obras, produzindo composições graciosas e pias, como a ora estudada. O artista evitava quadros que mostrassem o lado violento da história cristã, o que agradava os compradores ricos da época que preferiam telas de fácil entendimento, sem alusões alegóricas ou referência ao mundo dos espíritos, mas, sim, ao dos negócios. É provável que este quadro tenha sido pintado para um cliente particular, uma vez que as obras religiosas do artista adequavam-se muito bem aos ambientes requintados dos ricos devotos sevilhanos.

A composição — uma das pinturas mais conhecidas e populares entre o público espanhol — refere-se à infância de Cristo. Os pequeninos Jesus Cristo e João Batista tomam água numa concha, numa combinação de realidade palpável e visão espiritual. A descrição desta cena com Jesus Menino não se trata de uma passagem bíblica (até porque, segundo alguns, os dois primos só se conheceram quando eram adultos), mas de uma invenção do artista. As duas crianças santas mostram uma beleza idealizada — ausente nas crianças retratadas nas pinturas de gênero de Murillo —, mas seus gestos e expressões são muito reais. A tela apresenta cores requintadas e tonalidades ricas. As figuras estão banhadas por uma luz transparente e prateada. Existem várias cópias conhecidas desta composição.

O Menino Jesus sorri, enquanto observa João Batista tomando a água que lhe oferta numa concha. Sua mãozinha esquerda aponta para o trio de pequenos anjos que parece se fundir com a névoa dourada que emana das nuvens. O fundo escuro da pintura mostra nuvens ameaçadoras de tempestade, como numa previsão do que seria o destino das duas crianças. Na cruz que João Batista carrega no ombro esquerdo há uma fita com a inscrição “ecce agnus dei” (eis o cordeiro de Deus). O cordeirinho, em primeiro plano, olha piedosamente para as duas crianças. O artista enfatiza a dualidade de sua presença na pintura: símbolo de Cristo e companheiro predileto das crianças. Criativamente o artista colocou o acontecimento religioso em um contexto doméstico.

Ficha técnica
Ano: c. 1675/80
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 104 x 124 cm
Localização: Museu do Prado, Madri, Espanha

Fonte de pesquisa
Pintura na Espanha/ Cosac e Naify Edições
https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/the-infant-christ-and-saint-john-the-baptist-with/ebb0af9e-9601-491c-b7ba-801764341b11