VÍRUS DA ARTE & CIA – Lu Dias Carvalho

Autoria de Lu Dias Carvalho

Giotto tinha uma mente tão excelente que, entre todas as coisas que a mãe natureza criou sob o reino dos céus, não havia uma que ele não tivesse reproduzido com a sua pena e estilete, e cujo trabalho não se parecesse com a aparência da coisa, mas com a própria coisa. Assim, acontecia com frequência que o sentido da visão das pessoas falhava quando era confrontado com o seu trabalho, tomando por verdadeiro o que era apenas pintado. (Giovanni Baccaccio)

A humanidade da mensagem de Giotto, a grandeza de sua visão, a convicção de suas crenças e a confiança em seu talento exibidas na Capela Arena apontaram o caminho para o futuro da pintura ocidental. (David Gariff)

O pintor e arquiteto florentino Giotto di Bondone (1267 – 1337) é tido como um dos mais importantes precursores da pintura ocidental, sendo o primeiro pintor importante a desligar-se das convenções da arte bizantina, trazendo para a arte um novo sentido de realidade tridimensional. Conta a lenda que, ainda rapaz, foi descoberto por Cimabue, enquanto desenhava as ovelhas de seu pai. Não se sabe se tal fato é verdadeiro, mas se tem como certo a informação de que ele foi discípulo do mestre Cimabue, tendo trabalhado em sua oficina, ainda que de forma independente.

Em Roma Giotto recebeu um grande incentivo da escultura gótica francesa. É quando sua obra apontou para uma ruptura com a arte bidimensional da tradição bizantina. Ele se tornou responsável pela criação de uma nova linguagem formal da arte representativa dos acontecimentos sagrados, ao mostrar suas figuras vestidas em ação, dentro de paisagens ou salas. O pintor recriou em suas obras a ilusão de profundidade em superfícies planas, como se a história sagrada estivesse acontecendo diante dos olhos do observador. A pintura sagrada deixou de ser meramente ilustrativa para trazer a sensação de realidade. As cenas passaram a enfocar o aspecto humano.

À época, os frades em seus sermões persuadiam os cristãos a visualizar a história sagrada, sempre que lessem a Bíblia. E assim também fez Giotto em sua arte, ao tentar retratar a reação dos personagens pintados de acordo com a cena religiosa em que se encontravam inseridos, como se tratasse de um quadro vivo, ou seja, ele procurava contar histórias através de suas obras e, para isso, introduzia emoção nas cenas, dando vida própria aos personagens.

Na Idade Média, a arte italiana ainda se encontrava sob o domínio da influência bizantina, com suas figuras planas (bidimensionais) e inalteráveis que seguiam rígidos padrões. É Giotto quem começa a libertá-la de tais correntes, com suas figuras naturais, expressivas e humanas que iriam pavimentar os caminhos do Renascimento. O artista imprime na arte a preocupação com o humano.

Giotto é reconhecido como um grande mestre, responsável por liderar um verdadeiro ressurgimento das artes, sendo que a pintura ocidental moderna começou com ele. Ao se afastar da rigidez do estilo bizantino, ele trouxe grandes inovações que representaram profundas mudanças. Abandonou as fórmulas, os símbolos, as convenções e os padrões repetitivos da arte bizantina e voltou-se para a natureza.  Por ser muito famoso era convidado a trabalhar em várias cidades italianas. As suas obras propiciavam beleza e glória às cidades onde trabalhava. Foi o primeiro pintor a usar o azul ultramar na pintura europeia, cor obtida através da pedra chamada lápis-lazúli, nos seus altares,  também usada nas iluminuras de manuscritos italianos do século XIV. Essa pedra era usada, sete mil anos atrás, para ornamentar os túmulos dos soberanos sumérios de Ur e também no antigo Egito, com a finalidade de decorar os sarcófagos dos faraós.

É interessante saber que naquela época, de uma maneira geral, não havia a intenção de preservar o nome dos mestres para as gerações futuras, apesar de muitos deles serem bem conhecidos. As pessoas agiam assim como nós em relação a um bom pedreiro ou eletricista. E mesmos os artistas pouco ligavam para a notoriedade futura. Muitos deles sequer assinavam seus trabalhos, haja vista o número de obras de autores desconhecidos. Giotto era muito amado pelo povo de sua cidade, de modo que havia muito interesse sobre sua vida, tornando-o cada vez mais famoso. Neste aspecto, ele também inovou, pois a partir de então os grandes artistas passaram a ser vistos e admirados de uma nova maneira.

Uma das belas obras de Giotto é o afresco Traição de Cristo, pintado no interior da Capela Arena, em Pádua/ Itália, que mostra o encontro de Cristo com Judas, numa cena dramática e carregada de grande intensidade psicológica. Giotto serviu de inspiração para Masaccio, Piero dela Francesca, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Paul Cézanne, Diego Rivera e Fernando Botero. Em seu filme O Decameron (1971), Pier Paolo Pasolini, diretor italiano, assumiu o papel de Giotto ao recriar como um quadro vivo O Juízo Final do pintor que se encontra na Capela Arena.

Obs.: A ilustração é um possível retrato do artista.

Fontes de Pesquisa
Os pintores mais influentes…/ Editora Girassol
História da Arte/ E.H. Gombrich
Tudo sobre a Arte/ Editora Sextante
1000 obras primas…/ Könemann
Gótico/ Taschen
História da arte ocidental/ Editora Rideel
Eu fui Vermeer/ Frank Wynne

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Autoria de Lu Dias Carvalho

                                         (Sempre clique nas gravuras para ampliá-las até 3 vezes.)

É um quadro que mostra um profundo senso de mistério. Uma pequena ponte nas águas escuras, perto de uma cidade, explode em tons brilhantes sob um céu ameaçador, cujas nuvens são divididas pelo brilho de um relâmpago. Nenhum traço de mal-estar nos personagens e no seu isolamento. Eles vivem suas próprias emoções no seio da natureza, apesar dos sinais. (Alvarez Lopera)

Giorgione — tido como o fundador da pintura veneziana — gostava de usar as paisagens situadas nos arredores de Veneza como cenário para seus quadros clássicos e religiosos.  A Tempestade é o seu quadro mais famoso e uma das pinturas mais aclamadas da arte ocidental. Foi descrito por volta de 1530 como Paisagem em Tela com Tempestade, Cigana e Soldado. Sua importância  dá-se, sobretudo, porque na época a paisagem só entrava como complemento numa obra e esta pintura é basicamente uma paisagem. Não se conhece o significado que, por acaso, a obra possa encerrar, como supõem alguns. Foi encomendada pelo nobre Gabriel Vendramin.

A Tempestade trata-se de uma composição de pequenas dimensões, apresentando um local poético com suas cores fortes e tristonhas em que o pintor veneziano usa a cor e a luz para dar unidade à pintura. Os tons de azul no fundo trazem uma sensação delicada de profundidade, enquanto cores mais quentes apresentam-se no primeiro plano. Giorgione usa a técnica do “sfumato”, já utilizada por Leonardo da Vinci, mas não se sabe se ele já conhecia o trabalho do artista. O mais genial nesta composição é que ele desloca a ação da esfera humana para o reino da natureza.

A composição mostra uma cidade desértica com uma cegonha branca no telhado de uma das casas — talvez simplesmente observando a tempestade que virá — sem nenhuma simbologia. Contudo, para alguns, ela tem um significado — simboliza a castidade, a pureza e a vigilância para o cristianismo. Embora a tempestade avizinhe-se, os dois personagens permanecem tranquilos, agem como se nada estivesse prestes a acontecer.

Em primeiro plano estão um homem e uma mulher que amamenta sua criança. O homem — bastante jovem — segura um cajado de peregrino. Quem seria ele e o que estaria fazendo ali? Antes de pintar a figura do homem, Giorgione teria pintado uma mulher banhando-se, conforme comprovam exames de raios X. Por que teria mudado de ideia? Dois pilares quebrados encontram-se atrás do jovem. O que representariam? A mulher está quase que totalmente despida. Um pano branco cinge-lhe os ombros e parte das costas. Ela se senta sobre parte dele.  Suas pernas estão separadas e ela inclina o corpo para frente. Seu bebê não se encontra em seu colo, mas à sua direita.

Uma cobra rasteja no chão em direção à mulher. Alguns estudiosos de arte acreditam que a mulher da composição seja uma referência a Eva,  e a criança seria seu filho Caim.  Assim como a mulher o homem também usa branco  na camisa, debaixo do gibão desabotoado, de modo que o olhar do observador vagueia de uma para a outra figura, passando pelo homem, pela mulher com a criança, pelo rio e dirige-se para o fundo da composição em direção às nuvens pesadas, onde um relâmpago corta o céu e clareia a cidade desértica, deixando no ar certa tensão. O artista capta o exato momento em que o relâmpago ilumina as nuvens.

A composição intitulada A Tempestade, banhada por uma suave luz dourada, é vista como uma das mais lindas obras de arte. Existe nela um todo harmonioso, onde tudo se funde, resultado da combinação da luz e do ar. Giorgione abre mão das linhas dos contornos para trabalhar com as transições da cor. Até então a paisagem servia apenas de fundo para os personagens, mas aqui ela é o tema da pintura, preenchendo a maior parte da tela. Vê-se que o interesse do artista estava voltado para a natureza, onde tudo se funde. A paisagem já não é mais vista como mera decoração. Suas cores modificam-se como efeito da tormenta prestes a chegar.

Não existe extremo cuidado no desenho das figuras e a composição apresenta-se um pouco rudimentar, mas na explosão de luz e ar que o tornam incomum, numa harmonia jamais vista até então. É a luz sobrenatural da tempestade que se torna o foco principal da composição. É a natureza tornando-se a personagem principal, quando até então fora apenas coadjuvante. Ela é o tema da obra, preenchendo a maior parte da tela.

Segundo E. H. Gombrich, “Giorgione não desenhou coisas para depois dispô-las no espaço, mas pensou realmente na natureza — a terra, as árvores, a luz, o ar, as nuvens e os seres humanos com suas cidades e pontes – como um todo indivisível”. E continua: De certo modo, isso foi um avanço quase tão grande para um novo domínio da arte de pintar quanto a invenção da perspectiva o fora antes”.

Esta obra é tida como uma das últimas do grande artista e uma das obras mais sensacionais criadas na arte. Foi uma realização revolucionária para o seu tempo. Seria ela inspirada num autor clássico? À época, os artistas venezianos mostravam-se encantados com os poetas gregos e tudo que eles simbolizavam. O interessante é descobrir que, ao incluir modificações tonais em razão das mudanças na atmosfera, Georgione prenuncia o Impressionismo.

Curiosidade
Sfumato — trata-se da habilidade de suavizar ou borrar as extremidades das formas para evitar um contorno definido, ou seja, são contornos suaves que escondem a transição entre as cores.

Ficha técnica
Data: c. 1508
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 82 x 73 cm
Localização: Galleria dell’ Academia, Veneza

Fontes de Pesquisa:
A história da arte/ E.H. Gombrich
Arte em detalhes/ Publifolha
Tudo sobre arte/ Sextante
Giorgionni Barbarelli/ Abril Cultural

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A idade de ouro do humanismo italiano possui em Veneza, com Giorgione, um realizador de suprema poesia pictórica. (Antonio Morassi)

Giorgione Barbarelli da Castelfranco (c.1478?–1510) era um pintor italiano de retábulo e obras sacras, também conhecido por Zorzon. Quase nada se sabe a respeito de sua vida, embora suas poucas obras conhecidas tenham exercido grande influência sobre a arte dos séculos XVI e XVII.  Segundo o pintor e historiador italiano Giorgio Vasari, ele veio de uma família muito humilde. Ainda novo partiu para Veneza, onde foi aprendiz no ateliê de Giovanni Bellini — pintor famoso no uso da cor e da luz. Frequentou a alta sociedade daquela cidade, onde conviveu com os valores do helenismo. É tido como fundador da pintura veneziana, tendo influenciado muitos artistas, dentre eles Sebastiano del Piombo e Ticiano. Era um artista de grande inclinação poética, cujos temas não se sujeitavam ao gosto dos mecenas da época, mas à sua própria escolha.

Giorgione foi o primeiro a pintar paisagens com figuras e nus reclinados.  Às suas formas suaves de paisagens, ele uniu as figuras numa relação íntima e familiar.  Sua influência foi considerável para as futuras gerações de artistas que têm se preocupado com a cor, forma, harmonia e sentimento. O artista dava à paisagem uma importância especial. Ela era a parte mais importante de sua composição, agregando-se às figuras humanas, vistas como elementos da natureza.  Distanciando-se de uma pintura essencialmente religiosa, sua obra está imbuída pelo amor à natureza e pela beleza do corpo humano. É tido como o primeiro pintor a:

• acrescentar figuras nas suas paisagens;
•  abrir mão da finalidade devocional, alegórica ou históricas em suas obras;
•  usar as cores com a intensidade, o que se tornou típico da escola veneziana;
• e um dos primeiros a usar a técnica do sfumato e do chiaroscuro, o  uso de tons de cor para evidenciar a perspectiva e a luz, um dos motivos de sua fama.

As obras de Giorgione são cheias de mistérios em relação à sua temática. No máximo cinco pinturas podem ser atribuídas a ele, sem que levante qualquer sombra de dúvida. Mas, embora poucas, elas foram suficientes para darem-lhe fama de talentoso pintor. Sua obra era pequena, mas de altíssima qualidade. Suas composições eram sempre originais. Ao contrário de muitos pintores da época, ele dava grande importância às cenas em segundo plano, colocando paisagens nelas, o que foi mais tarde imitado por  outros artistas venezianos.  E, seguindo os ensinamentos do mestre Bellini, Giorgione obteve resultados revolucionários no trato da cor e da luz na sua pintura.

Giorgione morreu aos trinta e dois anos, vitimado pela peste que assolava Veneza na época do verão, tendo sua carreira de pintor durado apenas quinze anos. Fala-se também que morreu em razão de uma doença venérea resultante de sua vida boêmia. Presume-se, pelas poucas obras que deixou que se tivesse vivido mais tempo seria um dos grandes nomes da pintura ocidental, assim como foi seu amigo Ticiano, com quem trabalhou em muitos projetos. Depois dele a pintura era muito mais do que a soma de desenho e colorido. Infelizmente ele morreu muito jovem para colher os louros de sua breve passagem pela arte.

Nota: Autorretrato do pintor

Fontes de pesquisa:
A arte em detalhes/ Publifolha
Giorgione/ Abril Cultural
Isto é arte/ Sextante
501 artistas/ Sextante
A história da arte/ E.H.Gombrich
http://web-archives.mansfield.edu/~art/papyrus1_kate_boyle.htm

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