Autoria de Lu Dias Carvalho

O pintor espanhol Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682) nasceu na cidade de Sevilha, uma das mais importantes cidades da Andaluzia. Seus pais eram muito pobres, mas ainda assim queriam que o filho tivesse uma vida melhor do que a deles, embora o país passasse por uma decadência política e econômica, contrastando com sua grandeza artística e cultural. Antes que o garoto completasse 11 anos, seus genitores faleceram, ficando o pequeno aos cuidados de um tio que, ao notar sua queda pelo desenho, levou-o ao estúdio do pintor Juan del Castillo, com quem ele estudou e trabalhou durante 10 anos, até que esse se mudou para Cádiz. O futuro pintor viria a participar do clima cultural e conservador de Sevilha, imbuído de profundas raízes populares.

Após a partida de Juan del Castillo, o jovem artista passou a criar trabalhos modestos, de pouca qualidade, para sustentar-se. Pintava imagens sacras, retratos de pessoas conhecidas e paisagens. Seus quadros tinham boa saída nas feiras. Porém, após o retorno de seu companheiro de estudos, Pedro Moya, da Inglaterra para Sevilha, trazendo cópias de obras do mestre flamengoVan Dyck, Murillo encantou-se tanto com elas, a ponto levar sua arte a novos rumos. Alguns críticos dizem que, em razão disso, ele teria ido a Madri, enquanto outros contestam, dizendo que o pintor nunca saiu de sua região natal – Andaluzia.

Ao criar telas para ornamentar o claustro dos franciscanos de Sevilha, Murillo passou a ganhar fama inesperadamente. E é partir desse momento que acontece realmente o início de sua carreira, em que revela os conhecimentos apreendidos. Ele passa a ser o pintor preferido das comunidades religiosas de sua cidade natal, para as quais destina inúmeras composições. O tema dos trabalhos estava a gosto do artista, um homem profundamente religioso, que teve três filhos ordenados padres.

Quando já contava com seus 60 anos, Murillo foi convidado para decorar a igreja dos capuchinhos com uma gigantesca tela, referente aos “Esponsais de Santa Catarina”. Durante o trabalho, o pintor sofreu uma queda do andaime em que se encontrava e, apesar de todo o tratamento, não conseguiu recobrar sua saúde, vindo a falecer dois anos após o acidente.

A pintura de Murillo baseia-se nas cenas do cotidiano, no intimismo de momentos familiares, na delicadeza e na ingenuidade das crianças do povo. Ainda que alguns críticos digam se tratar de um mundo “menor”, esse não deixa de ser belo e autêntico, sendo temperado pela realidade da época. O fato é que o artista criou uma pintura caseira, cheia de um misticismo íntimo, doméstico e popular. Além disso, é tido como o maior representante do Barroco sevilhano, situando-se entre os mais conhecidos pintores da Espanha.

Além de Juan del Castillo, Murillo também recebeu influências das obras de Francisco Zuberán  e de  Jusepe Ribera. Posteriormente veio a interessar-se pelos trabalhos de Anthony van Dyck, Peter Paul Rubens e Rafael. Seu estilo era leve e transparente. Ele fazia uso de contornos suaves e cores pálidas.

Fontes de pesquisa
Murillo/ Abril Cultural
1000 obras-primas da pintura europeia

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Minha Noiva com Luvas Pretas é uma obra do pintor russo Marc Chagall, sendo este um de seus primeiros quadros. Nele é retratada Bela Rosenfeld, sua primeira mulher, que morreu após 30 anos de convivência com o artista, deixando-o abatido por um longo tempo.

Chagall ficou conhecendo Bela, quando ele tinha 22 anos de idade. Seis anos depois, eles se casaram. Do casamento nasceu a filha Ida. O artista retratou sua mulher (ainda noivos por ocasião deste retrato) em inúmeros trabalhos, mas este, tido cronologicamente como o primeiro, é o mais famoso.

No retrato de Bela Rosenfeld chamam a atenção seus traços fortes, sua postura com o rosto de perfil e o corpo de frente para o observador, as mãos enluvadas em torno da cintura e sua expressão firme. O fundo preto da composição, com uma ramagem à direita, põem em destaque o vestido branco e as luvas pretas da moça, dando-lhe um ar de intenso fervor religioso e firmeza de caráter. Bela encontra-se em frente a uma mesa coberta com um pano florido, tendo à sua esquerda um livro de capa escura, provavelmente de orações, acima do qual se vê a assinatura do pintor.

Ficha técnica
Ano: 1909
Técnica: óleo em tela
Dimensões: 88 x 65 cm
Localização: Museu de Arte, Basileia, Suíça

Fonte de pesquisa
Gênios da Pintura/ Editora Abril Cultural

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição A Apresentação no Templo é uma obra do pintor italiano Giovanni Bellinni. O artista tomou como modelo, para fazer sua obra, a pintura de mesmo nome de seu cunhado Andrea Mantegna (gravura menor).

As duas composições são iguais tanto na estrutura quanto nas figuras representadas, sendo que o quadro de Mantegna apresenta seis personagens e o de Giovanni Bellini oito. A obra de Bellini também dispensa as auréolas vistas na de seu cunhado. Ele também trocou a moldura da pintura de Mantegna por um parapeito de mármore, o que traz uma maior sensação de intimidade com o observador. Ambos os artistas referem-se ao mesmo tema.

A Virgem Maria, bem jovem, encontra-se em primeiro plano, encostada numa borda de mármore, onde uma pequena almofada serve de apoio para os pés do Menino Jesus, enrolado em faixas brancas e com uma touca vermelha na cabeça. Ela o entrega ao sumo sacerdote Simeão, que traz os braços abertos, tocando a criança. Outras pessoas presentes à cerimônia foram representadas por:

• Nicolesia, irmã de Giovanni Bellini, e seu marido Andrea Mantegna, ambos com o olhar voltado para a esquerda;
• Jacopo Bellini, pai do pintor e sogro de Mantegna, encontra-se no meio, entre a Virgem e o sumo sacerdote, e representa São José, o esposo de Maria;
• as outras duas figuras, uma à esquerda e outra à direita, presume-se que sejam o próprio pintor e sua mãe Anna.

Ficha técnica
Ano: c. 1462
Técnica: têmpera sobre madeira
Dimensões: 80 x 105 cm
Localização: Fundação Querini Stampalia, Veneza, Itália

 Fonte de pesquisa
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann
http://www.wga.hu/html/b/bellini/giovanni/1460-69/037prese.html

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Finalmente sozinho no campo. Floresta, abetos, solidão. A lua atrás do bosque. O porco na pocilga, o cavalo do outro lado da janela, no campo. O céu lilás. (Chagall)

A composição O Poeta Deitado  é uma obra do pintor russo Marc Chagall, que evoca uma vida tranquila, ao lado de sua noiva Bela Rosenfeld, no campo, e é também uma maneira de fugir da estupidez da guerra.

O poeta está estirado, em primeiro plano, em quase toda a dimensão horizontal do quadro, na sua parte inferior. Tem-se a impressão de que, por pouco, ele não se resvala para fora da tela. Tem as mãos cruzadas sobre o peito e o olhar distante, o que traduz a sua postura sonhadora.

À direita do poeta, como se estivesse acima dele, desenrola-se uma paisagem bucólica, representativa de seu devaneio, como escreveu em seu livro de memórias “A Minha Vida”, aludindo à vida no campo.

Ficha técnica
Ano: 1915
Técnica: óleo sobre cartão
Dimensões: 77 x 77,5 cm
Localização: Galeria Tate, Londres, Grã-Bretanha

Fonte de pesquisa
Marc Chagall/ Taschen

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