Autoria de Lu Dias Carvalho

O tondo intitulado Juízo Final, considerado meio incomum por apresentar um apêndice retangular na base, pertenceu ao Oratório d S. Gregório Nazianzeno, em Santa Maria in Campo Marzio, situado em Roma, Itália. É uma obra dos artistas Johannes e Nicolaus e tem como temática um assunto muito comum à Igreja da época: a descida de Deus à Terra para julgar os vivos e os mortos. Trata-se de uma das mais antigas representações ocidentais de tal tema – em formato grande.

Para descrever o julgamento da humanidade, os artistas dividiram a composição em cinco faixas superpostas, que deverão ser lidas (em latim) e observadas de cima para baixo:

• 1ª faixa – a aparição de “Cristo em Glória”. O Cristo Pantocrator encontra-se no centro, ladeado por dois anjos e dois querubins;
• 2ª faixa – o “Tribunal Divino”.  Cristo está diante de um altar, tendo um anjo de cada lado, de pé. À sua esquerda estão seis apóstolos e à direita, outros seis, todos sentados;
• 3ª faixa – “Madona com os Ressuscitados”, onde são vistas várias cenas:

à esquerda – São Paulo guia os eleitos, e o bom ladrão Dimas leva a Cruz;

no centro – estão a Virgem e Santo Estêvão a interceder pelos inocentes;

à direita – são mostradas cenas de três obras misericordiosas:

• Dar de beber ao sedento;
• Visitar os cativos;
• Vestir os nus.

• 4ª faixa – “A Ressurreição dos Mortos”. Mostra, à esquerda, animais vomitando os membros devorados de pessoas para recompor os corpos. E, à direita, dois anjos acordam os mortos em seus túmulos, através do som de trombetas.
• 5ª faixa – “O Paraíso” (à esquerda), presidido pela Virgem a orar com os eleitos, e  “O Inferno” (à direita), onde se encontram os condenados, sendo mantidos na caverna ardente junto a uma tenebrosa serpente, por três anjos com seus arpões.

Ficha técnica
Ano: segunda metade do séc. XII
Técnica: têmpera sobre madeira
Dimensões: 290 x 243 cm
Localização: Museus do Vaticano, Roma, Itália

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirado
http://www.museivaticani.va/content/museivaticani/en/collezioni/musei/la-pinacoteca/

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O afresco intitulado A Última Ceia é uma criação dos artistas italianos Cosimo Rosselli e Biaggio d’Antonio Tucci. Faz parte da ornamentação da Capela Sistina, em Roma, Itália, e tinha por objetivo fazer um paralelo entre a vida do profeta Moisés (Antigo Testamento) e a de Jesus Cristo (Segundo Testamento).

A cena principal ilustra a última refeição feita por Jesus ao lado de seus apóstolos. Inseridas nela, na parede de trás, em segundo plano e em forma de três janelas, são mostradas três passagens da Paixão de Cristo, sendo elas, da esquerda para a direita:

1- Jesus rezando no Monte das Oliveiras;
2- A prisão de Jesus;
3- A crucificação de Jesus entre os ladrões.

Os dois últimos quadros foram pintados por Biaggio.

A última ceia de Cristo acontece numa abside, local que nas basílicas romanas corresponde a um nicho semicircular e abobadado. A mesa onde se encontra o Mestre e seus 13 apóstolos tem a forma de U ou ferradura, postada de frente para o observador. Está coberta por uma toalha branca bordada, com franjas nas pontas laterais. Sobre ela se encontra unicamente um cálice, na frente de Jesus, uma referência à instituição da Eucaristia, símbolo da Nova Aliança entre Deus e a humanidade. Os utensílios, que deveriam estar sobre a mesa, estão no chão, em primeiro plano, como se aguardassem um segundo momento para serem postos à mesa.

Jesus encontra-se no meio da mesa, tendo seis apóstolos à sua direita e o mesmo número à esquerda. Judas, retratado de lado (pose comum ao traidor) encontra-se sentado diante do Mestre, encobre o apóstolo que se encontra ao lado esquerdo de Cristo e também divide a pintura ao meio. Nas suas costas, um pequeno diabo sobe em direção à sua cabeça. Dependurada à esquerda de seu corpo está a bolsa com as 30 moedas de ouro. Diferentemente das auréolas douradas de Cristo e dos apóstolos, a sua é cinza. Sua barba afiada também foge à descrição das demais, evidenciando a figura do mal.

A cena retrata o momento imediatamente após o anúncio feito por Jesus, dizendo que seria traído por um dos que ali se encontravam. Alguns apóstolos conversam entre si, surpresos com o fato de que entre eles se encontrasse um traidor. Quatro homens, de pé e elegantemente vestidos, posicionam-se, dois de cada lado da mesa, aparentemente sem nenhuma relação com o episódio, pois olhando por debaixo da mesa é possível ver os pés de Jesus e dos apóstolos, descalços. O halo de Jesus é diferente dos demais, pois possui uma cruz ao meio, símbolo de seu futuro sacrifício.

Três animais estão presentes na cena, sendo dois cãezinhos e um gato. Atrás de Judas, o pequenino cão e o gato brigam, enfatizando o que estaria por vir, ou seja, a traição de um dos apóstolos. À esquerda, de pé sobre as patas traseiras, outro cãozinho tenta chamar a atenção. É bom lembrar que nas pinturas medievais e renascentistas era comum a presença de gatos como animais de estimação, contudo, aqui, o bichano assume a figura da maldade, especialmente por encontrar-se atrás de Judas. O cão, por sua vez, na Idade Média, simbolizava a fidelidade. A briga entre os dois animais pode aludir à luta entre o bem e o mal. Contudo, é bom lembrar ao leitor que tudo não passa de uma simbologia da época, sendo o gato uma criaturinha maravilhosa.

Ficha técnica
Ano: 1481/1482
Técnica: afresco
Dimensões: 350 x 570 cm
Localização: Museus do Vaticano, Roma, Itália

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirado
http://www.wga.hu/html_m/r/rosselli/cosimo/lastsup.html
http://www.famigliacristiana.it/articolo/perche-un-gatto-nell-ultima-cena.aspx

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O pintor francês Jean-Baptiste Camille Corot (1796 – 1875) inicialmente foi aprendiz de um mercador de tecidos, depois veio a estudar com Victor Bertin, pintor paisagista clássico, e outros mais. Além de estudar o estilo de Nicolas Poussin, também se interessou pelas obras de Charles Vernet e dos mestres holandeses. O pintor teve longas passagens por Roma, na Itália, o que influenciou grandemente seu trabalho, levando-o a abandonar o academicismo e a buscar o estilo paisagístico realista. Tornou-se famoso por suas maravilhosas paisagens que, de certa forma, anteciparam as dos impressionistas. As suas paisagens atmosféricas chamaram a atenção de seus alunos e de pintores impressionistas como Pissarro, Morisot, Renoir, Monet e Sisley.

A composição intitulada Floresta de Fontainebelau, pintada e exposta no Salão de 1834, é tida como uma paisagem histórica. Foi uma das responsáveis por chamar a atenção do poeta e teórico da arte francesa Charles-Pierre Baudelaire e da crítica francesa para Corot. Seus quadros de retratos, cenas bíblicas e mitológicas só se tornaram conhecidos após sua morte, pois o pintor escondia-os, temendo não agradar, uma vez que se tornara um dos mais importantes artistas no gênero de paisagístico. Corot, baseando-se em esboços e estudos feitos ao ar livre, pintou esta tela suntuosa em seu estúdio.

A mulher, em primeiro plano, deitada na relva em meio a folhas e flores, foi identificada pelos contemporâneos de Corot como sendo Maria Madalena. Está vestida de camponesa, com uma saia vermelha e uma blusa branca, caída, que permite ver parte de seus seios. Seus longos e escuros cabelos caem à sua esquerda. Ela lê um livro que se encontra sobre a relva. O veado ao fundo e seu isolamento são atributos tradicionais relacionados à santa.

Ficha técnica
Ano: c. 1830
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 175 x 242 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann
https://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/art-object-page.46584.html

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