Autoria de Lu Dias Carvalho

Visitantes e críticos acharam o assunto desconcertante, a composição incoerente e a execução esboçado. Os caricaturistas ridicularizaram a pintura, e apenas uns poucos reconheceram o símbolo da modernidade que se tornou hoje. (Isabelle Dervaux, historiadora)

A composição intitulada Estação Saint-Lazare ou A Ferrovia é uma obra-prima do pintor francês Édouard Manet, tendo sido pintado quase que integralmente ao ar livre. Ao ser exposta pela primeira vez, no Salão de 1874, quando aconteceu a primeira exibição impressionista, foi recebida sem nenhum entusiasmo pela crítica e pelo público, como acontecera ao artista em relação a outras obras. Alguns, entretanto, defendiam o trabalho do pintor, aludindo à sua obra como uma pintura “cheia de luz”. Contudo, nenhum contemporâneo do artista foi capaz de reconhecer a excepcionalidade desta pintura que é vista hoje como uma das grandes inovações do século XIX.

A cena acontece um pouco acima dos trilhos da estação de Saint-Lazare, perto da oficina de Manet e bairro de Batignolles. A vista pintada é observada de cima para baixo, do jardim de Alphonse Hirsch, amigo do pintor. As duas personagens dominam totalmente a composição que conta com uma grade, trilhos, uma nuvem de fumaça e vapor, algumas fachadas de edificações grosseiramente esboçadas, etc. A garotinha representada é filha do amigo em questão e a mulher, com um cãozinho a dormir profundamente em seu colo, é Victorine Meurent, modelo preferida do artista, sendo este o seu último trabalho com Manet.

A mulher e a criança estão encerradas num pequeno espaço, limitado por uma pesada e escura grade de ferro que vai de canto a canto da composição, achatando o primeiro plano e separando-o do segundo. Na edificação, à esquerda, estava localizado o estúdio onde o pintor ensinava seus alunos. No parapeito, onde a grade de ferro está fixada, estão, à direita, dois cachos de uvas, possivelmente para lembrar que a pintura foi feita no outono. O cãozinho presente pode ser uma alusão à “Vênus de Urbino”, do pintor Ticiano.

A mulher, sentada à esquerda, de costas para a vista e de frente para o observador, usa um vestido azul-escuro com grandes botões redondos e detalhes brancos. Seus longos cabelos ruivos, cobertos por um chapéu preto, adornado com flores, caem-lhe pelas costas e ombro esquerdo. Tudo em conformidade com a moda da época. Ela retira os olhos de seu livro, marcando as páginas com os dedos, para fitar o observador, como se o interrogasse. A criança que se posta de frente para a vista e de costas para o observador, olha para longe. Ela usa um vestido branco com detalhes em azul, contrapondo-se ao da mulher. Traz os cabelos claros presos numa fita preta, semelhante à que a mulher usa no pescoço.

Ainda se vê uma densa nuvem de fumaça e vapor, deixada pelo trem que acabara de passar, responsável por tornar o céu acinzentado. O artista não viu a necessidade de representar a locomotiva, sendo tal nuvem suficiente para a compreensão do observador. É possível ver a assinatura do pintor e a data em que a obra foi concluída, embaixo, à direita.

Ficha técnica
Ano: c. 1873
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 93 x 114 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
https://www.nga.gov/feature/manet/manetbro.pdf
https://impressionados.wordpress.com/2014/07/11/obras-12/

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Mademoiselle Malo é uma obra do pintor impressionista Edgar Degas. Ele fez diversos retratos dessa mesma mulher, possivelmente uma simples bailarina da Ópera de Paris, mas que chamou a sua atenção. Ela não era provida de beleza convencional, o que nos leva a crer que o pintor preferisse retratar a sensibilidade e a distinção de sua personalidade.

A mulher, sentada numa poltrona colorida, traz o seu olhar fixo num ponto invisível, perdida em seus pensamentos. Usa um vestido escuro que deixa apenas sua pequena cabeça e parte da mão direita e do antebraço esquerdo de fora. Seu rosto iluminado destaca-se na composição, chamando a atenção do observador. Seus cabelos, repartidos ao meio e presos atrás, são tão escuros quanto sua vestimenta.

O fundo da tela está salpicado de delicadas flores brancas e amarelas. O artista usou em sua tela tons marrons, pretos e verdes, que se tornam mais serenos com o ouro e o branco prateado das flores que parecem uma cascata de luz a cair detrás da cabeça da retratada.

Ficha técnica
Ano: c. 1877
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 81 x 65 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
http://www.edgar-degas.net/mlle-malo.jsp

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Ele escolhe pessoas notoriamente vulgares: salões de bailes com decorações miseráveis, corpos de mulheres cansadas ou sem nenhuma graciosidade – não para mostrar-lhes a feiura, mas para descobrir-lhes o frescor que outro olho qualquer não perceberia. Em resumo, Lautrec mostra o contrário daquilo que representa. E é exatamente essa procura pela pureza, essa sua necessidade do absoluto que o levam a buscar uma inspiração cada vez mais distante da sociedade aristocrática e culta, na qual ele nasceu. (Geneviève Dortu)

A composição intitulada Rue des Moulins é uma obra do artista francês Henri-Mari-Raimond de Toulouse-Lautrec que, além de boêmio e de ter grande fascinação pelas prostitutas, gostava de retratar a vida dos bordéis parisienses de Montmartre. O artista era um aristocrata excêntrico e inconformado com a hipocrisia moralista. Ele foi grandemente influenciado pela arte de Edgar Degas.

Toulouse-Lautrec tornou-se um frequentador contumaz do Moulin de la Gallete, retratando seus frequentadores e posteriormente do Moulin Rouge, casa luxuosa de espetáculos, inaugurada em 1889, onde se reuniam pessoas das mais diferentes classes.

A cena acima, mostrada pelo artista, retrata a vida de duas prostitutas num bordel de Paris, na Rue des Moulins, local em que o artista viveu durante certo tempo. Ele não as mostra com sensualidade, deboche ou preconceito, mas com total imparcialidade, meramente como seres humanos. As duas mulheres ocupam o centro da tela, perfiladas – uma atrás da outra.

As duas personagens assim se encontram – despidas da cintura para baixo –, porque irão fazer o exame médico obrigatório para prostitutas,  a fim de detectar doenças sexualmente transmissíveis. Naquela época, os bordéis parisienses passavam por inspeções policiais e tais exames eram rotineiros. Tinham como objetivo proteger a clientela, sobretudo, contra a sífilis, doença infecciosa e contagiosa, transmitida principalmente através do contato sexual. O próprio artista foi vitimado por tal doença.

As duas meretrizes encontram-se seminuas, com a vestimenta recolhida na parte superior e usam grandes meias pretas que descem a partir dos joelhos. A primeira, à direita, tem os cabelos ruivos, tendo sido muitas vezes retratada pelo artista. A segunda, um pouco mais alta, tem os cabelos loiros. À esquerda são vistos o vulto de um homem, usando um casaco escuro, de costas para o observador, e a cabeça de uma mulher, postada de frente, entre o vulto e a meretriz de cabelos ruivos.

Ficha técnica
Ano: 1894
Técnica: papelão montado sobre madeira
Dimensões: 83 x 61 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
https://www.sartle.com/artwork/the-medical-inspection-henri-de-toulouse-lautrec

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A belíssima composição intitulada Banhista Arrumando os Cabelos é uma obra do pintor impressionista francês Pierre Auguste Renoir que pintou inúmeros retratos. Nos últimos anos de sua vida, ele desenvolveu uma predileção pelos nus, tornando-os o centro de seu interesse. Os cenários tornaram-se reduzidos e a forma feminina ganhou suntuosidade em suas telas, sempre banhadas por grande luminosidade, normalmente controlada e disseminada. À medida que a figura feminina ia dominando o espaço de seus trabalhos, esse ia se tornando cada vez mais abstrato.

A pintura apresenta uma sensual e jovem mulher ao ar livre, no que parece ser a margem de um rio. Ela se encontra nua, de pé com a cabeça baixa. Tem faces rosadas e boca vermelha. Seus seios são rijos. A púbis não apresenta pelos. Um tecido branco está a escorrer-lhe pelas pernas. Sua atenção está voltada para seus cabelos acobreados, pois traz ambas as mãos a ajeitá-los, o que nos leva a crer que tenha acabado de tomar seu banho. Ela está envolta por tecidos de diferentes cores, além do verde exuberante da natureza que acrescenta uma coloração especial à obra magnífica do pintor.

Ficha técnica
Ano: c. 1876
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 92 x 74 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição intitulada O Castelo Preto é uma obra do pintor pós-impressionista francês Paul Cézanne. Seu trabalho foi muito importante para a transição da pintura do século XIX para a do século XX. Este tipo de pintura foi motivo de vários outros trabalhos do artista, através dos quais ele fazia experiências, trabalhando com várias possibilidades. Muitas vezes se colocava perto da cena, enquanto noutras se distanciava. Trata-se de um dos mais dramáticos e densos trabalhos do pintor.

Em sua composição, o artista mostra vários episódios que, embora diferenciados, articulam-se num espaço que se dilata e encolhe. A paisagem apresenta uma luxuriante e magnífica floresta que cobre o chão e toma conta do céu azulado com sua complexa folhagem. No canto inferior esquerdo, em primeiro plano, avista-se uma antiga cisterna de pedra. Neste mesmo lado, um pouco mais adiante, divisa-se uma estrada de terra que segue cortando por entre árvores e galhos.

Os densos ramos da folhagem direcionam o olhar do observador para a parte baixa da pintura, à direita, e ligam o primeiro plano com o rochedo, onde se ergue o castelo. Para equilibrar a parte direita da composição, Cézanne criou linhas (galhos) destacadas que encobrem parte do céu. Em sua obra predominam os tons azuis fortes e os pálidos, esverdeados e alaranjados.

O leitor deve estar se perguntando o porquê de esta obra ser chamada de “O Castelo Preto”, quando não se vê um castelo de tal cor. Acontece que o artista, durante grande parte de sua carreira, usava as paisagens em torno do lendário Château-Noir (Castelo Preto – em francês), uma mansão edificada, no século XVIII, por um industrial fabricante de tintas que a decorou com tal produto. Os habitantes locais passaram a associar o castelo com a magia negra, recebendo a mansão o nome de “Black Castle” (Castelo Preto – em inglês), título este dado à pintura.

Ficha técnica
Ano: c.1904
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 74 x 97 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
http://artmuseum.princeton.edu/cezanne-modern/cézanne/cistern-park-château-noir

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