Autoria de Lu Dias Carvalho

A pintura denominada São Francisco em Meditação é uma obra do pintor espanhol Francisco de Zurbarán (1598-1664) que foi aluno de Pedro Diaz de Villanueva, em Sevilha. Ele fez inúmeras obras para o Convento de Sevilha. Sua fama levou-o a receber o título de pintor honorário dessa cidade. Trabalhou para a corte de Madri, no governo de Filipe IV. É tido como um dos mais importantes pintores espanhóis do século XVII, ao lado de Velázquez, Ribera e Murillo. Ele se tornou conhecido, sobretudo, por suas obras religiosas, que descrevem monges e mártires, e também pelas suas maravilhosas naturezas-mortas. A maioria de suas pinturas era destinada às ordens religiosas espanholas.

 O artista pintou várias figuras simples como a vista acima, com suas formas despreendidas. Admirava o realismo de Caravaggio e de seus seguidores, tanto em seu sentimento quanto na forma. Assim como o artista italiano, usava uma fonte de luz para demarcar os volumes, chegando a ser chamado de “Caravaggio Espanhol”. Esta obra possui uma construção compacta, com planos iluminados e em sombra, o que lhe dá um enorme relevo.

Nesta composição, Zurbarán posta a figura de São Francisco na diagonal, ajoelhado, com o corpo tombando para a direita, recostado sobre uma rocha de forma cúbica. Para equilibrar o lado esquerdo da composição, ele criou a entrada da caverna, abrindo-se para uma paisagem.  O fundo escuro do quadro amplia o volume da figura, iluminada pela luz que entra pela abertura. No chão estão esparsos pedaços de pedra.

São Francisco está humildemente vestido com sua túnica de monge, remendada com um pano mais claro, com um rasgão no braço direito e outro na parte de baixo da batina, puída nas mangas e barra. Traz na mão direita uma caveira, símbolo da mortalidade. Abaixo de sua mão esquerda está seu livro de orações. O santo encontra-se em meditação. Assinado sobre o papel branco, na parte inferior direita, está: “Fran. Co Dezurbara / faciebat / 1639”.

Ficha técnica
Ano: 1639
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 162 x 137 cm
Localização: Galeria Nacional, Londres, Grã-Bretanha

Fontes de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição, denominada Retrato de uma Dama, também conhecida como Retrato de uma Mulher, é uma obra do pintor nórdico Rogier van der Weyden.

A jovem retratada, com suas características suaves e arredondas, apresenta-se diante de um fundo liso e escuro, o que lhe dá ainda mais projeção. Ela não olha para o observador, mas mostra-se recolhida em seu próprio mundo, com os olhos voltados para baixo, denotando um caráter fechado.

A mulher tem as mãos juntas, em forma de pirâmide, que se assemelha à pirâmide maior, composta por toda a sua figura. Na mão esquerda, apoiada sobre a direita, ela apresenta dois anéis e as alianças de casada. Um enorme toucado, que lhe cobre as orelhas, desce-lhe pelos ombros e costas. As roupas são bem elaboradas.

Esta pintura é semelhante a outro retrato do pintor, com uma mulher um pouco mais velha, levando o quadro o mesmo título e ano, porém, sendo mais elaborado do que este, feito na oficina do pintor. De maneira geral, os retratos de mulheres do Weyden são bem parecidos, tanto em conceito quanto em estrutura. Os traços fisionômicos das mulheres retratadas são sempre muito semelhantes.

Ficha técnica
Ano: 1460
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 36,2 x 27 cm
Localização: Galeria Nacional, Londres, Grã-Bretanha

Fonte de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição São Jorge e o Dragão é uma obra do pintor italiano Jacopo Tintoretto (1518-1594), cujo nome de batismo era Jacopo Robusti. Embora não haja clareza em relação a seus mestres, presume-se que entre eles estejam Ticiano, Andrea Schiavone e Paris Bardone. Além de ser considerado o mais importante pintor do estilo maneirista, Tintoretto também apresenta-se entre os melhores retratistas de sua época.

O pintor representa a cena com São Jorge enfrentando o dragão, para salvar a princesa em meio a uma luxuriante paisagem, cuja beleza sobrepõe-se aos personagens. Uma sucessão de linhas curvas compõem a pintura: o corpo da princesa subindo uma colina; o corpo do morto; o cavaleiro e o dragão formando um arco; os círculos no céu; a encosta, etc.

São Jorge, à beira-mar, é visto em seu cavalo branco, transpassando sua lança na boca do dragão. À esquerda do santo está o corpo de um homem morto pela fera em pose que lembra a de Cristo crucificado. O dragão encontrava-se prestes a devorar a princesa que foge visivelmente aterrorizada, em direção ao observador. Deus Pai, envolto por círculos de luz, aparece entre as nuvens, abençoando São Jorge em sua batalha travada contra o mal.

A narrativa visual da composição tem início na princesa. As cores, azul e rosa de sua vestimenta estão presentes na roupa do morto, nas vestes de São Jorge e nas nuvens. A princesa também forma, com o tronco da árvore inclinada, um V, dando equilíbrio à parte esquerda da pintura. A linha costeira, por sua vez, leva o olho do observador para o alto, rumo a Deus Pai.

Esta pintura de Tintoretto mostra como o artista foi capaz de aumentar a tensão e o exaspero, ao fazer uso da luz sobrenatural e de tonalidades fracionadas. O pintor expõe em sua composição o momento exato em que o drama atinge o seu clímax.  Outro ponto interessante é o fato de ele colocar no fundo da cena o herói da narrativa.

Ficha técnica
Ano: c. 1550
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 157 x 99 cm
Localização: Galeria Nacional, Londres, Grã-Bretanha

Fonte de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann
https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/jacopo-tintoretto-saint-george-and-the-dragon

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Noli me Tangere (Não me toque) é uma obra do artista italiano Ticiano, que também já foi atribuída a Giorgione, chegando os estudiosos de arte à conclusão de que se trata realmente de um trabalho do primeiro.

Na pintura, Cristo e Maria Madalena encontram-se em campo aberto, sob a luz da manhã, estando o Mestre a consolar sua fiel seguidora, após sua ressurreição. Inicialmente, a discípula pensa que ele seja um jardineiro, pois traz na mão esquerda uma enxada, enquanto segura, com a direita, sua túnica branca. Ao reconhecer Jesus, que a chama pelo nome, Maria Madalena lança-se no chão, emocionada, e tenta tocar suas vestes, enquanto ele retrocede, como mostra seu torso curvado, puxando delicadamente seu lençol. Pede-lhe para não ser tocado (João 20: 14-18): “Noli me tangere!” (Não me toque!).

A curva do corpo de Maria Madalena, prostrado no chão, tem a mesma forma da curva da encosta atrás dela. Já atrás de Jesus descortina-se uma paisagem azulada, que se perde no infinito, como se separasse o mundo terreno do divino. Contudo, a curva do corpo do Mestre mostra-se como um segmento da curva da encosta com suas casas, reforçando a ligação entre esses dois mundos.

Uma imensa árvore, centralizada na composição, dá continuidade ao torso elevado de Maria Madalena. Além de equilibrar os dois lados da tela, também simboliza uma nova vida. Tudo na composição enaltece tal mensagem. Embora a discípula segure na mão esquerda um frasco com unguento, seu atributo, nenhuma simbologia remete ao Mestre. Apenas a nudez de seu corpo, semicoberto pelo lençol branco com que fora sepultado, leva ao seu reconhecimento. Ao drapeado do lençol do Mestre une-se o fluxo do manto vermelho de Maria Madalena.

Descobertas feitas através de raios-X mostram que o Mestre, originalmente, usava um chapéu de jardineiro. O artista também alterou significativamente a paisagem, enquanto compunha sua sofisticada obra.

Ficha técnica
Ano: c. 1511/12
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 109 x 91 cm
Localização: Galeria Nacional, Londres, Grã-Bretanha

Fontes de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
http://www.artchive.com/artchive/T/titian/noli_me_tangere.jpg.html
https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/titian-noli-me-tangere

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