Autoria de Lu Dias Carvalho

A escultura em mármore intitulada Plutão e Proserpina é uma obra-prima criada pelo artista italiano Gianlorenzo Bernini (1598 – 1680) quando ele ainda era muito moço, ou seja, aos 23 anos de idade.  Ela traz a influência da escultura helenística e também dos afrescos pintados por Anniballe Carraci que se encontram no teto da Galeria Farnese.

Nesta virtuosíssima escultura o artista apresenta os dois personagens no auge de um ato violento, como se esses tivessem parados no tempo e no espaço, ou tivessem sido capturados por uma câmera fotográfica. O escultor, além de captar os gestos dos personagens, também foi capaz de exteriorizar suas emoções e sentimentos, como mostram as lágrimas a escorrer na face de Proserpina e os seus olhos aterrorizados. Um jogo de luz banha a obra, dando-lhe mais beleza. O artista chegou a um ponto de aprimoramento em sua arte que sua escultura participa ao mesmo tempo da natureza do teatro, da pintura e da arquitetura.

Bernini interpreta o momento em que Plutão (Hades), deus dos infernos e rei dos mortos, depois de apaixonar-se por Proserpina (Perséfone em grego), filha de Júpiter com Ceres, aprisiona-a. Ela se encontrava a colher flores quando foi raptada pelo deus e a levada para o seu sombrio reino, onde se tornou sua esposa. É possível notar o pavor no rosto da jovem que se debate inutilmente nos braços possantes do deus que a imobiliza. O realismo da obra e o seu perfeccionismo mostram-se ainda maiores ao observarmos os dedos das mãos de Plutão afundando nas carnes tenras da jovem mulher (figura menor).

Cérbero, o monstruoso cão de três cabeças de Plutão, responsável por guardar a entrada do mundo inferior – o reino subterrâneo dos mortos –, sem jamais deixar sair as almas que ali entravam, também está presente na obra, aos pés de seu dono e próximo a uma espécie de arpão forcado.

Ficha técnica
Arte romana
Ano: 1621/22
Localização: Galleria Borghese, Roma, Itália

Fonte de Pesquisa
Galleria Borghese/ Os Tesouros do Cardeal

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A escultura intitulada Davi foi criada pelo artista italiano Gianlorenzo Bernini (1598 – 1680) quando esse tinha 25 anos. Não se tratava de um tema fácil para o jovem artista, pois já fora tratado, em séculos anteriores, por dois grandes nomes das artes: Donatello e Michelangelo. Mas nem mesmo isso foi motivo de desânimo para Gianlorenzo que acabou dando vida a uma obra-prima que, em alguns aspectos, suplantava as de seus antecessores, ao dar vida e movimento ao seu Davi, em um meio expressivo que tradicionalmente era norteado pela inércia e pela contenção.

O pequeno pastor de ovelhas, seminu, traz aos pés sua lira e a armadura que lhe fora dada por Saul, mas que não lhe permitia andar. Seu corpo retorcido coloca-se em posição de atirar. Uma pedra encontra-se na ponta de sua atiradeira. Ele tenciona os olhos, morde os lábios e se contrai na tentativa de alcançar o alvo.

O Davi do jovem Bernini apresenta, num grau elevado, uma das características de seu estilo: dar ação e movimento às figuras que tirava dos blocos de mármore. O jovem herói é mostrado no exato momento em que se encontra prestes a atirar no gigante Golias. O observador tem a sensação de que irá acompanhar imaginariamente a trajetória da pedra no espaço, até acertar o seu alvo.

Ficha técnica
Arte romana
Ano: c. 1623/1624
Localização: Galleria Borghese, Roma, Itália

Fonte de Pesquisa
Galleria Borghese/ Os Tesouros do Cardeal

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O francês Auguste René Rodin (1840 – 1917) é um dos mais notáveis escultores em bronze da modernidade. É tido como responsável pela escultura moderna, embora nunca tenha trabalhado para que isso acontecesse de fato, ou seja, jamais se rebelou contra o passado, até mesmo porque recebeu uma educação tradicional e ansiava pelo reconhecimento acadêmico. Nunca foi aceito pela tradicional escola de arte de Paris. Rodin, diferentemente dos escritores clássicos, não idealizava o corpo humano, baseando suas figuras em pessoas comuns. Costumava usar dançarinos e acrobatas como modelos. A naturalidade de suas figuras era tamanha que algumas pessoas chegavam a suspeitar que o artista baseava-se em moldes tirados dos modelos vivos. Suas obras repassavam uma grande dose de sensibilidade.
 
A escultura intitulada Os Cidadãos de Calais – também conhecida como Os Burgueses de Calais – é uma das mais famosas obras do artista que fez grandes trabalhos para instituições públicas, sendo este um dos mais bem sucedidos.

Este monumento tem um significado muito especial para o povo francês, pois representa seis cidadãos e líderes da cidade de Calais que se ofereceram para ser imolados durante a invasão inglesa, em 1347, durante a “Guerra dos Cem Anos”, com o objetivo de salvar a cidade. Eles são aqui apresentados como pessoas comuns, sem qualquer laivo de heroísmo – o que causou polêmica à época da apresentação do monumento.

Os heroicos cidadãos estão vestidos com roupas rotas, levando consigo cordas com nós. Eustache de Saint-Pierre – o mais velho e mais rico do grupo – foi o responsável por entregar ao inimigo a chave da cidade. Rodin baseia-se, o mais fiel possível, no relato do cronista da época para executar sua obra.

Eustache de Saint-Pierre – o líder do grupo – é representado com a cabeça baixa e o rosto barbado, no meio. À sua esquerda, ereto e trazendo a boca fechada em uma linha apertada, Jean d’Aire traz nas mãos um grande conjunto de chaves. Os homens restantes são identificados como Andrieu d’Andres, Jean de Fiennes, Pierre e Jacques de Wissant.

Ao observar as seis figuras, podemos notar que elas mostram diferentes reações, traduzindo o momento cruciante em que se encontravam, certas de que seriam executadas, o que acabou não acontecendo em razão da intercessão da rainha inglesa. É também interessante notar que a composição em círculo de Rodin permitiu que nenhum dos homens fosse o ponto focal, permitindo que a escultura pudesse ser olhada de diferentes perspectivas.

Curiosidades

Segundo o escritor medieval Jean Froissart – cronista francês do século XIV –, Edward III da Inglaterra ofereceu-se para poupar o povo da cidade, se seis de seus líderes se entregassem a ele, exigindo que saíssem com a cabeça e os pés nus e usassem cordas no pescoço e portassem as chaves da cidade e do castelo.

A corporação municipal da cidade de Calais convidou vários artistas, incluindo Rodin, para apresentarem um projeto com o objetivo de homenagear Eustache de Saint-Pierre. O projeto de Rodin, além de Eustache de Saint-Pierre, apresentava os outros cinco burgueses, sendo o escolhido. Os cidadãos de Rodin exibem sofrimento, em vez de glória, como alguns desejavam. Para o artista, eles mostram o heroísmo do auto sacrifício. Os cidadãos são imortalizados no momento em que deixavam a cidade. O escultor queria que o monumento ficasse no nível do chão, para um contato maior com as pessoas, mas esse foi instalado num pedestal alto, em frente ao Parc Richelieu, em Calais. Mais tarde, ao compreenderem o desejo de Rodin, a escultura foi colocada em frente à prefeitura da cidade, sobre uma base baixa.

Ficha técnica
Ano: modelada de 1884 a 1895
Altura: 209,6 × 238,8 × 241,3 cm
Material: bronze
Localização: Calais, France

Fontes de pesquisa
História da arte no ocidente/ Editora Rideel
https://www.khanacademy.org/humanities/ap-art-history/later-europe-and-americas/modernity-ap/a/rodin-the-burghers-of-calais

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A escultura neoclássica intitulada Paolina Borghese é uma obra-prima do escultor italiano Antonio Casanova (1757 – 1822). Trata-se uma obra muito difundida na história da arte, tendo sido inúmeras vezes reproduzida nos mais variados objetos e souvenirs de Roma. É sem dúvida uma das obras mais valiosas do acervo da Galleria Borghese.

A obra acima é famosa tanto pela sua qualidade artística como pelo fato de representar seminua uma figura importantíssima do cenário romano da época. A representada é Paolina Borghese, irmã de Napoleão Bonaparte, viúva do general Leclerc e depois mulher do príncipe Camillo Borghese. A escultura não diz respeito exatamente à irmã do imperador francês, mas a Vênus – deusa do amor e da beleza – também conhecida como Afrodite. O fato é que Paolina Borghese emprestou seus traços fisionômicos e os contornos de seu corpo para a escultura da deusa.

Paolina (Vênus) encontra-se graciosamente inclinada em seu “récamier” (um tipo de sofá sem encosto, móvel antigo da época de Napoleão), segurando displicentemente uma maçã de ouro na mão esquerda. De acordo com a mitologia grega, a maçã foi presenteada por Páris a Vênus, quando ela venceu o concurso da mais bela deusa, tendo como oponentes as deusas Juno (esposa de Júpiter e símbolo do poder) e Minerva (símbolo das Artes e Ciências).

A escultura foi criada em alvíssimo mármore de Carrara (nome da cidade). Sua “epiderme” recebeu inúmeras aplicações de cera, o que acabou por dar-lhe um efeito similar ao do esfumato pictórico. Seu corpo elegante é rico em sinuosidades, repassando ao observador uma impressão de sensualidade e encantamento.

Observação:
A escultura está assentada sobre um suporte de madeira que traz no seu interior um mecanismo que permite que ela execute um giro completo sobre si mesma.

Ficha técnica
Arte romana
Ano: c. 1804 -1808
Localização: Galleria Borghese, Roma, Itália

Fonte de Pesquisa
Galleria Borghese/ Os Tesouros do Cardeal

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A estatueta denominada Apolo de Piombino ou o Menino de Piombino, feita de bronze, foi retirada do mar, na costa de Piombino, na Itália, em 1832, sendo vendida, dois anos depois, ao Museu do Louvre. É possível que seja uma representação do deus Apolo, pois sua mão esquerda parece segurar um arco, enquanto a direita, aberta, parece oferecer um frasco. Trata-se de uma obra rara da estatuária grega que mostra como esse povo evoluía ao buscar representar o corpo humano da maneira mais natural possível, embora a estátua ainda apresente frontalidade, certa simetria e partes justapostas, ou seja, feitas separadamente e depois unidas para formar a peça, o que acabou por apresentar alguns erros anatômicos, como na união dos braços, torso e pernas.

O Apolo em questão é apresentado frontalmente, de pé, nu, com os braços levantados e com a perna esquerda diante da direita. O nu masculino era, à época, a expressão principal do ideal grego de nobreza de caráter. A obra traz os olhos, que antes foram representados por meio de pasta colorida ou pedras semipreciosas, ocos. Suas sobrancelhas, lábios e mamilos são feitos no cobre vermelho. Debaixo de seu pé direito, uma inscrição em prata mostra que a obra foi um ex-voto à deusa Atena. As obras antigas, feitas em bronze, praticamente inexistem, pois foram vítimas do desmanche para a obtenção dessa preciosa liga.

Ainda não se sabe qual é a datação correta desta obra. Alguns estudiosos de arte consideram-na uma criação arcaica da segunda metade do século V a.C.. Outros a veem como pertencente ao final do período helenístico.

Ficha técnica
Ano: Primeira metade do séc. V a.C.
Altura: 125 cm
Localização: Museu do Louvre, Paris, França

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
http://www.louvre.fr/oeuvre-notices/apollon-de-piombino

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