Autoria de Lu Dias Carvalho

Dizem, e eu estou disposto a acreditar, que é difícil conhecer a si mesmo, mas não é fácil para pintar a si mesmo também. (Van Gogh em carta a seu irmão Theo)

Ele estava tão chateado porque não poderia visitar a mãe no seu 70º aniversário, que pintou esta pintura para mostrar a ela que estava em boas condições de saúde, o que não era verdade. Raspou a barba para fazer se parecer mais jovem. (Andree Corroon)

A composição Retrato do Artista Sem Barba, também conhecida como Autorretrato Sem Barba, é uma obra-prima do pintor holandês Vincent van Gogh, tida como um dos seus mais importantes trabalhos e também um dos mais conhecidos em todo o mundo. O artista fez inúmeros autorretratos. Para pintá-los, fazia uso do espelho, tarefa que não era fácil, como revelaou o próprio artista. Esta obra foi feita no mesmo ano em que Van Gogh suicidou-se, vitimado pela depressão, podendo ter sido seu último autorretrato.

Van Gogh foi um dos artistas que mais fez autorretratos, possivelmente pela dificuldade que sentia em contratar artistas para posar para ele, tanto pela timidez como pelas finanças precárias. No espaço de dez anos,  pintou cerca de 40 autorretratos.

A pintura em questão foi dada pelo artista à sua mãe, Anna Cornelia Carbentus van Gogh, que se encontrava muito preocupada com a saúde do filho. Ele lhe deu a pintura como um presente pelo seu 70º aniversário. À época, encontrava-se internado no Hospital St. Paul, em Saint-Rémy, França. Segundo Marc Edo Tralbaut, um dos mais reconhecidos biógrafos de Van Gogh, o artista expõe-se inteiramente nesta pintura. Ainda segundo ele, o pintor havia deixado sua barba e bigode crescerem, em razão de sua saúde frágil, que ocasionou a perda dos dentes, usando ele tal meio para escondê-los. O retrato foi pintado assim que  os retirou.

Este autorretrato de Van Gogh foi leiloado em 1998, sendo vendido por um preço exorbitante (71 milhões de dólares), e encontra-se na lista das 50 pinturas mais famosas do mundo. Foi tido, à época, como uma das quatro pinturas mais caras de todos os tempos e o segundo preço mais alto de uma obra do artista, ficando abaixo apenas de “Retrato do Dr. Gachet”, vendido em 1990.

Ficha técnica
Ano: 1889
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 40 x 31 cm
Localização: Coleção privada

Fontes de pesquisa
http://www.newworldencyclopedia.org/entry/Vincent_van_Gogh
http://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/highlights
http://articles.latimes.com/1998/nov/20/news/mn-45674

Views: 26

Autoria de LuDiasBH

A composição denominada Vênus e Cupido é uma obra do pintor barroco Peter Paul Rubens, o mais importante de todos os pintores flamengos do século XVII. Ele tinha na mitologia um de seus principais temas.

Vênus, deusa latina do amor, da formosura e dos prazeres, é representada de frente para o observador, tendo o rosto virado para a esquerda, em direção ao espelho. Ela usa um manto branco por baixo, e por cima uma capa vermelha com o avesso escuro, que contrasta com a brancura de sua pele. Traz a mão esquerda junto ao peito, e a direita sobre a coxa esquerda, segurando a borda da capa. Seu pequeno seio direito está à vista. Sua pele é alva e os cabelos dourados.

Vênus encontra-se sentada numa mesa, com as pernas dobradas para a esquerda e com parte do rosto refletido no espelho, à esquerda. Trata-se de uma figura roliça. Chama a atenção a sua pulseira de pérolas, com duas voltas, e o anel que ostenta no dedo mindinho da mão esquerda, também vistos numa pintura de Ticiano, com a mesma temática mitológica, cujo original foi perdido.

Cupido, filho de Vênus com Marte, o deus da guerra, segura o espelho para a mãe, com o rosto voltado para ela, como se admirasse sua beleza. Atrás dele estão seu arco e a aljava cheia de flechas, cujas alças descem sobre o móvel. Estes são os símbolos do deus do amor. Uma imensa cortina desce ao fundo da composição, à direita.

Ficha técnica:
Data: 1615
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 137 x 111 cm
Localização: Museu Thyssen-Bornemisza, Madri, Espanha

Fontes de pesquisa:
Rubens/ Editora Taschen
Mitologia/ Thomas Bulfinch
http://musmon.com/en/content/61/en/MuseoThyssenBornemisza/15
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_obra/192

Views: 9

Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição denominada Susana e os Velhos é uma obra do pintor barroco Peter Paul Rubens, o mais importante de todos os pintores flamengos do século XVII. Trata-se de uma pintura baseada num texto bíblico, também pintada por outros artistas, como Rembrandt, Tintoretto, Artemisia, Guido Reni, Anthony van Dyck, Lorenzo Lotto, Jacopo Bessano, Alessandro Allori, etc. Rubens fez outros quadros sobre o tema.

A bela Susana encontra-se no banho, sentada sobre um suntuoso manto vermelho, quando é surpreendida pela presença de dois homens truculentos, já idosos, que tentam seduzi-la. A reação da mulher é de medo e vergonha, diante da nudez de seu corpo exposto a estranhos. O local onde se encontra é luxuoso, denotando riqueza.

Um dos homens, com a cabeça calva e barba branca, usando uma túnica azul, levanta o véu que cobre o corpo de Susana, enquanto o outro, com cabelos escuros, cacheados e abundantes, também de barba, usando uma túnica cinza-azulada, toca-a com sua mão direita e com a esquerda segura-se na balaustrada. Parte de seu corpo já se encontra no local onde está a jovem mulher. Apesar de velhos, os homens são robustos, exibindo uma forte musculatura. Ambos exprimem lascívia no olhar.

À direita de Susana está a fonte onde ela se lava, com a água jorrando abundantemente. Esta é a primeira pintura que Rubens fez sobre o tema.

Curiosidades:
• A composição é baseada na história bíblica retirada do livro de Daniel.
• Uma bela esposa judia, chamada Susana, é acusada falsamente por libidinosos observadores escondidos. Enquanto ela se banha no jardim e tendo mandado embora suas damas de companhia, dois dos anciãos secretamente observam-na. Quando ela está voltando pra casa, eles a pressionam e ameaçam alegar que ela estaria se encontrando com um jovem no jardim, caso não concordasse em se entregar a eles. Ela se recusa a ser chantageada.
• Susana é presa e está prestes a ser executada por promiscuidade, quando um jovem chamado Daniel interrompe o julgamento, gritando que os dois anciãos deveriam ser questionados, para prevenir a morte de uma inocente.
• Após serem separados, os dois homens foram questionados em detalhes sobre o que viram, mas acabaram discordando sobre qual a árvore e sob cuja sombra Susana teria se encontrado com o tal amante.
• O primeiro diz que eles estavam sob uma almecegueira e Daniel diz que um anjo está pronto para cortá-lo em dois. O segundo diz que eles estavam sob um carvalho, Daniel diz que um anjo está pronto para serrá-lo em dois.
• A grande diferença de tamanho entre a almecegueira e o carvalho torna a mentira dos anciãos óbvia para todos os observadores. Ambos são então executados e a virtude triunfa.
• Susana é uma das adições em Daniel, considerada apócrifa por protestantes, mas incluída no Livro de Daniel (como o capítulo 13) pela Igreja Católica e pela Igreja Ortodoxa Oriental.

Ficha técnica:
Data: 1609-1610
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 198 x 218 cm
Localização: Real Academia de Belas Artes de San Fernando, Madri, Espanha

Fonte de pesquisa:
Rubens/ Editora Taschen

Views: 27

Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição denominada Prometeu é uma obra do pintor barroco Peter Paul Rubens, o mais importante de todos os pintores flamengos do século XVII, com a participação de Frans Snyders (pintou a águia). Rubens tinha na mitologia um de seus principais temas, e considerava esta pintura, em especial, uma das mais importantes de sua vasta criação. Manteve-a em seu poder durante muito tempo.
Rubens narra o momento em que o titã Prometeu está sendo castigado por ter roubado o fogo no Monte Olimpo, elemento exclusivo dos deuses, ofertando-o aos mortais. Zeus, o deus dos deuses, sabendo que o fogo aumentaria o poder dos homens, fazendo com que dominassem os animais, puniu o titã severamente. Ele seria castigado dia após dia, tendo o fígado bicado por uma águia. Só que esse regenerava, pois Prometeu trazia consigo o dom da imortalidade, de modo que o castigo seria eterno.
No quadro, o corpo nu, belo e musculoso de Prometeu encontra-se sobre um lençol branco e outro azul, no alto de um monte, próximo a uma grande árvore. O titã traz o braço esquerdo preso por uma corrente a uma rocha. Sobre seu corpo encontra-se uma enorme águia, que lhe devora o fígado, deixando à vista parte desse. Filetes de sangue escorrem pelo tronco do herói, que observa o animal com o olho esquerdo, uma vez que o direito está tampado por suas garras. O tronco em desalinho, o olho aberto, as pernas e boca contorcidas e o punho cerrado indicam que o torturado encontra-se consciente. Seus cabelos em desalinho transmitem sua intensa dor. Tem-se a impressão de que o corpo de Prometeu resvala para baixo.
A águia está com as asas aberta, tomando quase todo o comprimento do corpo de Prometeu, desde a mão esquerda até a ponta do pé direito. Seu bico afiado agarra o fígado, como se fosse puxá-lo para fora. Com as garras fortes, a ave imobiliza o titã, empurrando-lhe a cabeça e firmando-se no seu ventre.
À esquerda de Prometeu, uma tocha acesa lembra o motivo de sua tortura. Um céu com nuvens densas e escuras acentuam ainda mais a tragicidade da cena. À esquerda do titã, abaixo de onde ele se encontra, descortina-se uma paisagem aberta.
Nesta composição, Rubens recebeu a ajuda do artista Frans Snyders, um especialista na arte de pintar flores e animais, responsável pela pintura da águia. A interação entre os artistas era muito comum em Antuérpia, nas duas primeiras décadas do século XVII, tendo Rubens feito uso de tal prática em algumas obras suas.
Ficha técnica
Ano: 1610-1611
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 242,6 x 209,5 cm
Localização: Museum of Art, Philadelphia, EUA

Fontes de pesquisa
http://www.philamuseum.org/collections/permanent/104468.html
http://www.peterpaulrubens.net/prometheus-bound.jsp

Views: 32