Autoria de Lu Dias Carvalho

Ninguém mais do que Lautrec entendeu que a multidão tem uma alma completamente diferente da soma das almas individuais que a compõem. Sob esse aspecto, as grandes obras de Lautrec são singularmente representativas e sintéticas. (E. Schaub-Koch)

Escolhe pessoas notoriamente vulgares: salões de bailes com decorações miseráveis, corpos de mulheres cansadas ou sem nenhuma graciosidade – não para mostrar-lhes a feiura, mas para descobrir-lhes o frescor que outro olho qualquer não perceberia. Em resumo, Lautrec mostra o contrário daquilo que representa. E é exatamente essa procura pela pureza, essa sua necessidade do absoluto que o levam a buscar uma inspiração cada vez mais distante da sociedade aristocrática e culta, na qual ele nasceu. (Geneviève Dortu)

Henri-Mari-Raimond de Toulouse-Lautrec (1864-1901) foi o primeiro filho do conde Alphonse de Toulouse-Lautrec e da condessa Adèle Tapié de Celeyran, primos em primeiro grau, família abastada e ilustre, nascido na cidade de Albi, no sudoeste francês. Henri cresceu num ambiente requintado. Desde pequeno gostava de desenhar, trazendo os primeiros indícios do que se tornaria no futuro. Quando tinha nove anos de idade, sua família mudou-se para Paris, onde foi matriculado numa das mais importantes instituições europeias.

Henri, em razão de sua saúde frágil, portador de uma doença que afetava o desenvolvimento de seus ossos, era obrigado a parar os estudos, inúmeras vezes, em busca de regiões com um clima melhor, o que o levou a deixar a escola e estudar com professores particulares, sem jamais abrir mão de seus toscos desenhos. Aos 13 anos de idade, caiu de uma cadeira, quebrando o fêmur esquerdo. Aproveitou o período de convalescença para pintar, pois o osso demorou a restaura-se. Cerca de um ano depois, um novo tombo levou-o a quebrar o fêmur direito. Henri não teve um crescimento normal. Só viria a alcançar a altura de 1,52 cm, mesmo quando adulto, embora seu tronco e cabeça apresentassem proporções normais, o que o levou a usar uma bengala durante toda a sua vida.

Aos 15 anos de idade,  já era possível ver que em Toulouse-Lautrec já se encontrava um futuro artista. Passou a receber a influência do pintor surdo-mudo, amigo de sua família, René Princeteau, seu primeiro mestre, sendo depois encaminhado a Léon Bonnat, famoso artista acadêmico, que abominou o desenho do garoto. Ensinou-o a pintar com mais sobriedade e delicadeza. Quando resolveu fechar seu ateliê, Henri passou a estudar com Fernand Cormon, que era aberto às novas tendências da arte, dando mais liberdade a seus alunos. Ali permaneceu cerca de 4 anos, ambiente em que travou muitas amizades. Apesar dos problemas físicos, o jovem era uma pessoa alegre e espirituosa, não se deixando abater facilmente.

O jovem Lautrec gostava de curtir a vida com seus amigos, indo a festas e bailes em Montmartre, observando as pessoas que ali iam, depois de retirarem a máscara da hipocrisia moralista, misturando-se às prostitutas e aos diversos tipos marginais, que frequentavam o lugar.  Aos 18 anos de idade, passou a morar no bairro de Montmartre, deixando a vida luxuosa e farta que levava, para trás, ambientando-se com facilidade à boemia local. Tornou-se frequentador contumaz do Moulin de la Gallete, retratando seus frequentadores e, posteriormente, do Moulin Rouge, casa luxuosa de espetáculos, inaugurada em 1889, onde se reuniam pessoas das mais diferentes classes.

Lautrec passou a sentir-se insatisfeito com os ensinamentos acadêmicos e a arte oficial. Embora admirasse os artistas do impressionismo, sentia que era preciso descobrir seu próprio caminho. Aos 22 anos de idade, ficou conhecendo o pintor Van Gogh, tornando-se amigos, apesar da diferença de idade (o pintor holandês era 10 anos mais velho) e de temperamentos, recebendo dele algumas influências. Ambos eram apaixonados pelas gravuras japonesas. Suas primeiras obras foram assinadas com o pseudônimo de Trechau, obrigado pelo pai, que sentia vergonha de sua profissão e modo de vida.

Toulouse-Lautrec estava com 26 anos de idade, quando foi convidado para criar o novo cartaz do Moulin Rouge. Inspirou-se na gordinha garçonete e dançarina Louise Weber, conhecida como La Goulue (A Gulosa). Daí para frente, o pintor passou a preferir a luz artificial e intimista dos ambientes fechados, que revela com facilidade o semblante humano, mostrando o drama interior de cada um.

Apesar de vir de uma família importante, Lautrec passou a detestar a vida burguesa, com suas pompas e preconceitos. Adorava os bordeis, onde retratava prostitutas, das quais se tornava amigo, o teatro e o circo. Passou a ser convidado para desenhar o programa de inúmeros espetáculos do mundo teatral, onde se tornou figura conhecida e amada. Publicou um álbum de litografias, e  tornou-se alcoólatra, perdendo aos poucos a firmeza de seu traço.

Aos 34 anos de idade, Toulouse-Lautrec já se mostrava velho e debilitado. O álcool e o ópio criaram nele a mania de perseguição. Já não tinha mais comprometimento com seu trabalho, passando tempos sem pintar, e vivendo na boemia.  Aos 35 anos, a sífilis e uma crise de delirium tremens agravaram seu estado de saúde. Sua mãe, vendo seu estado, internou-o num sanatório para desintoxicação. O pai recusou-se a tirá-lo do lugar. Ao conseguir deixar a clínica, depois de 57 dias, Lautrec passou a ficar em liberdade vigiada. Acompanhado de um parente distante, viajou para a Normandia, Havre e Bordéus. Ao ver Dolly, uma dançarina de um bar, sentiu vontade de voltar a pintar, fazendo novos trabalhos.

O pintor e litógrafo Toulouse-Lautrec morreu aos 37 anos, nos braços de sua querida mãe, incompreendido e criticado pelos moralistas da época, que se valeram de sua deficiência física para criticar sua arte, como escreveu o periódico Lyon Républician: “… ser bizarro e deformado que vê tudo através de suas deficiências físicas…”. Ele não formou família, mas teve inúmeras amantes entre suas modelos.

A memória de Lautrec somente foi reabilitada 21 anos depois de sua morte,  quando sua arte recebeu o devido respeito, após a abertura do museu Toulouse-Lautrec, em 1922, na cidade de Albi,  onde nasceu. A obra do artista, exercida apenas durante 20 anos, corresponde a 737 telas, 275 aquarelas, 369 litografias (incluindo cartazes) e cerca de 5.000 desenhos.

Curiosidade:
Seu papel é interpretado por John Leguizamo no filme Moulin Rouge.

Fontes de pesquisa:
Toulouse-Lautrec/ Abril Coleções
www.montmartre-paris-france.com

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição O Bar no Folie-Bergère tem como figura central uma garçonete no balcão do café-concerto parisiense, um dos bares mais famosos da Europa, com suas luzes, espelhos, mulheres e galantes frequentadores. O Folies-Bergère foi também o principal local de prostituição de luxo em Paris, para onde convergiam turistas de toda a Europa, reforçando o mito de uma Paris “capital do mundo”.

A modelo é realmente uma garçonete do referido café-concerto, mas todo o cenário foi composto no ateliê de Manet. Seu olhar possivelmente se dirige a um cliente à sua frente, conforme mostra o reflexo no espelho, ao fundo. Ela veste o uniforme do local. Sua pele é branca e rosada. Não há emoção no rosto da jovem, que parece distante e cansada, ao se escorar no balcão, o que reforça a sensação de solidão e de anonimato, típicos das grandes metrópoles. Ela traz no decote um ramalhete de flores.

Atrás da garçonete, um imenso espelho cobre o fundo do local, sendo possível observar, através do mesmo, o reflexo de um número de dança, um homem com chapéu e grande bigode olhando para a garçonete e uma sala cheia de clientes e luzes. À esquerda da tela, na extremidade superior, um acrobata tem parte de sua imagem refletida no espelho, com suas sapatilhas verdes.

Atrás do balcão, através do espelho, é possível ver os clientes do local. Alguns assistem ao show, enquanto outros conversam entre si. A maioria dos homens e mulheres usam roupas escuras, acompanhadas de luvas e chapéus. Manet encontra-se ao lado da moça de branco, Méry Laurent.

O balcão, cujo tampo é de mármore, tem à esquerda algumas garrafas de champanhe com a tampa envolta em papel dourado, e cerveja. À direita, encontram-se garrafas de vinho e licores. À esquerda da garçonete, há uma fruteira de vidro com tangerinas brilhantes e um copo de cristal com flores. Segundo os críticos, esta é uma das mais belas representações de uma natureza-morta.

Manet não estava interessado na reprodução exata do local, interessando-se mais pelo efeito pictórico, por isso, quase tudo no quadro é aparência, ilusão, como é a vida em tais locais. A figura central é a garçonete.

Esta tela é considerada pelos críticos como um dos trabalhos mais completos do artista e foi pintada um ano antes de sua morte, quando ele já se encontrava gravemente doente.

Fontes de pesquisa:
Manet/ Abril Coleções
Os pintores mais influentes do mundo/ Girasssol
Los secretos de las obras de arte/ Taschen

Ficha técnica
Ano: 1881/1882
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 96 x 130 cm
Localização: Courtland Institute, Londres, Inglaterra

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Esta obra figura num seleto grupo de realizações criativas nas artes, cujo impacto e inspiração a elevam a um nível especial de distinção. (David Gariff)

O Retábulo de Isenheim, de Grünewald, foi pintado para os moribundos. (Dr, Jeffrey C. Smith, historiador de arte)

 E quando chegou a sexta hora, houve escuridão sobre toda a terra até a nona hora. (Marcos, 15:33)

O Retábulo de Isenheim, a mais famosa obra do pintor alemão Matthias Grünewald, é uma obra gigantesca, composta por nove painéis, que se encaixam e cobrem o altar. Foi encomendado para ornamentar o altar-mor da igreja do monastério do hospital de Santo Antônio, situada próxima à cidade de Isenheim, na Alsácia. Na sua primeira parte,  apresenta São Sebastião (era invocado como protetor contra a peste) e Santo Antônio (padroeiro da ordem religiosa que dirigia o hospital e mosteiro) nas laterais, a crucificação está no centro e Cristo morto, embaixo.

Os monges do mosteiro cuidavam dos doentes com peste e doenças de pele, como o ergotismo. E o quadro de Grünewald, cuja obra e tema foram direcionados para os doentes, tinha como objetivo conformá-los, mostrando-lhes o corpo de Jesus, também consumido por feridas. Pensavam que ao verem o corpo de Cristo cheio de ulcerações e retorcido pela dor, os enfermos seriam consolados, pois assim como Jesus, que ressuscitou, eles também ganhariam uma nova vida.

O painel central do retábulo mostra os horrores pelos quais Jesus passou, ao ser crucificado. Trata-se de uma cena lancinante, jamais mostrada por um artista, antes ou depois de Grünewald. Cristo agonizante, desfigurado, com seu corpo torturado e a cabeça pendente, está ladeado por Maria, sua mãe, Maria Madalena, São João Evangelista, São João Batista e um cordeirinho.

O mártir traz na cabeça a coroa de espinhos, cujas garras rasgam a sua pele, numa indescritível tortura . Sua pele é de uma palidez quase cinza, contrastando com o sangue vermelho que jorra das feridas. Seus músculos e tendões estão entesados, como se estivessem deslocados, e os dedos rígidos. Os pés estão quebrados. Suas mãos, pregadas na madeira com grossos pregos, crispam em agonia, exprimindo a sua profunda dor física e anseio espiritual. Há uma ligeira curvatura nos braços da cruz, que passa a impressão de que se deu em razão do corpo decaído de Jesus.

Uma placa com inscrição latina identifica o personagem que se encontra na cruz. Como Jesus não tinha crime algum, escreveram INRI que significa: “Jesus de Nazaré, o rei dos judeus”

Maria, com trajes brancos de viúva, é amparada por  São João Evangelista, a quem Jesus pediu para cuidar de sua mãe. Apesar de seu intenso sofrimento, ela parece aceitar a doação de seu filho amado à humanidade. O santo tem a sua cabeça  semelhante a de Cristo. Ambos estão com a boca entreaberta e a cabeça baixa e pendida para a direita.

Maria Madalena, ajoelhada diante da cruz, tem as mãos contorcidas e os dedos levantados, em atitude de súplica, numa grande semelhança com os dedos de Cristo. Está revoltada com que fizeram a Jesus. À frente dela está um pequeno pote de unguento para passar no corpo torturado do Mestre.

São João Batista está de pé, à esquerda de Jesus crucificado. Ele tem na mão esquerda o livro das Escrituras, que se cumprirão com a morte do Salvador. E com a direita aponta para Jesus com um gesto firme e imperativo. O santo diz (texto acima de seu braço direito): “Convém que Ele cresça e que eu diminua” (Evangelho de S. João, III, 30)

Um cordeirinho, entre Cristo e o santo, carrega uma pequenina cruz, e derrama seu sangue dentro do Cálice da Comunhão. Ele simboliza o Cristo que é sacrificado para salvar a humanidade, o Cordeiro de Deus, imolado pelos pecados do homem.

A paisagem noturna reforça o sofrimento dos personagens, aliando-se à força expressiva das atitudes e gestos, e a força penetrante da cor e dos contrastes cromáticos. O painel é único, segundo a avaliação dos mais renomados críticos de arte. As figuras diferem em tamanho, variando de acordo com a importância de cada uma na composição.

O Retábulo de Isenheim tem três faces. A primeira apresenta a Crucificação, estando Cristo ladeado por Santo Antônio e São Sebastião e abaixo  mostra o sepultamento de Cristo. Os painéis eram deixados abertos de acordo com o ano litúrgico.

Ficha técnica:
Data: 152 – 1516
Técnica: têmpera e óleo sobre tábua
Dimensões: 269  x 307 cm
Localização: Museu de Unterlinden de Colmar, Alsácia, França

Curiosidades:

• Retábulo é uma construção de madeira, de mármore, ou de outro material, com lavores, que fica por trás e/ou acima do altar e que, normalmente, encerra um ou mais painéis pintados ou em baixo-relevo.

• Os retábulos eram, em geral, obras criadas com muitas cenas e o ponto principal de devoção, em locais de culto espiritual.

Fontes de pesquisa:
A história da arte/ E.H. Gombrich
Os pintores mais influentes…/ Girassol
501 grandes artistas/ Sextante
Renascimento/ Taschen
Arte em detalhes/ Publifolha
Arte/ Publifolha

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