Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição intitulada Primavera — também conhecida por Alegoria da Primavera — é mais uma das magníficas obras do pintor florentino Sandro Botticelli. Seu quadro, concluído em 1478, tinha por finalidade enfeitar a residência de verão dos Medici, tendo sido encomendado por Lourenzo, o Magnífico. Ao lado de “O Nascimento de Vênus” esta obra contribuiu para que o pintor fosse ainda mais prestigiado pelos Medici. É hoje um dos quadros mais populares e reverenciados na arte ocidental. A pintura que possui um formato monumental com figuras em tamanho natural reverencia a chegada da estação das flores, usando uma temática mitológica clássica.

Vênus — divindade ligada à primavera — está representada no centro do quadro, como se observasse tudo. Encontra-se vestida com recato e a posição da mão direita sugere que esteja abençoando toda a cena. O volume de sua barriga leva o observador imaginar que esteja grávida, mas trata-se apenas do pregueado de suas vestes. As árvores atrás dela formam um arco quebrado, como a distingui-la dos demais personagens. Acima da deusa está Cupido, seu filho, com os olhos vendados, apontando a sua flecha para as Três Graças (Aglaia, Talia e Eufrósina) que representam a beleza, a castidade e a sensualidade. À esquerda de Vênus, envolto numa túnica azulada, encontra-se Zéfiro — vento primaveril — com suas bochechas infladas, a fecundar Clóris. Seus traços são tristes. As árvores à sua volta vergam sobre ele.

Clóris — a ninfa da terra — está coberta por um transparente véu. Seu rosto é delicado e ela aparenta surpresa e medo ao ser tocada por Zéfiro. Uma fileira de flores sai de sua boca após ser fecundada. A seguir, transforma-se em Flora, a deusa da primavera que se apresenta com um vestido florido e, nas dobras desse, carrega muitas flores que ela espalha em volta. Cinge-lhe a cabeça uma coroa de flores e o pescoço está envolto por uma guirlanda também de flores. Ela tem plenos poderes sobre a primavera.

O chão da clareira encontra-se forrado de plantas e flores, enquanto frutas pendem das árvores. Segundo pesquisas, há cerca de 500 espécies de plantas identificadas e retratadas na pintura e cerca de 190 espécies diferentes de flores. Botticelli foi orientado ao pintá-las, assim como também passou a conhecer-lhes a simbologia.

As Três Graças estão cobertas por finos e transparentes véus. Elas dançam graciosamente, celebrando a chegada da primavera. A sensação de movimento e leveza transmitida pelo artista é tamanha que elas parecem flutuar — essa é a maneira típica de serem retratadas, sendo que uma delas se apresenta sempre de costas para o observador. Mercúrio — deus mensageiro dos ventos — usa uma túnica escarlate e uma espada à cintura e dissipa as nuvens com seu bastão de serpentes, a fim de que o jardim fique sempre iluminado pelos raios do sol.

Todos os personagens estão belamente representados. Seus movimentos são graciosos e harmônicos. A combinação das vestes brancas diáfanas das Três Graças com o vestido florido da deusa Flora e com a postura delicada das mãos de Vênus faz desta pintura uma das obras mais encantadoras do Renascimento italiano. Do traço gracioso de Sandro Botticelli flui feminilidade e delicadeza.

Obs.:
Alguns críticos de arte dão outros sentidos à pintura, como o de que retrata o ideal de amor neoplatônico popularizado entre os Medici e seus seguidores. Mas a grande maioria confirma que se trata de um grupo de figuras mitológicas num jardim, festejando a chegada da primavera. Explica que a leitura do quadro deve ser feita da direita do observador para a esquerda:

Zéfiro, o vento cortante de março, sequestra e possui a ninfa Clóris, com quem mais tarde se casa e a transforma em divindade, Flora, que se torna a deusa da Primavera, portadora da vida eterna, espalhando rosas pelo chão.

Infelizmente esta obra maravilhosa de Sandro Botticelli vem escurecendo muito com o passar dos anos.

Ficha técnica:
Data: t. 1482
Técnica: têmpera sobre madeira
Dimensões: 203 x 314 cm
Localização: Galeria Uffizi, Florença, Itália

Fonte de Pesquisa:
Grandes Mestres/ Abril Coleções
1000 obras primas…/ Könemann
A Arte em Detalhes/ Robert Cumming
A História da Arte/ Sextante
Renascimento/ Editora Taschen

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Os Sete Pecados Capitais, composição também conhecida como Os Sete Pecados Mortais e os Quatro Novíssimos do Homem, é uma das obras-primas de Hironymus Bosch, que enfatiza o destino da humanidade. O painel foi concebido originalmente para ser o tampo de uma mesa, e pode ter sido encomendado por alguma ordem religiosa. Sabe-se apenas que, posteriormente, passou a fazer parte da coleção do rei espanhol Felipe II, juntamente com outras obras de Bosch.

 Os sete pecados capitais estão representados num círculo central, dividido em sete cenas, ornadas com títulos em latim, e, em torno desse, estão quatro discos menores, ou medalhões.

 O disco central corresponde ao olho de Cristo ressuscitado. Ele se encontra na pupila, em pé, sobre o túmulo, mostrando suas chagas. Em torno da íris de Cristo estão várias linhas radiais douradas e a frase: “Cave cave deus videt” (Cuidado, cuidado, Deus vê). A imagem remete ao significado do olho de Deus, que tudo vê. E o que ele vê? Os sete pecados capitais cometidos pelo homem.

 A córnea está dividida em sete seções, em forma de trapézio, que representam os sete pecados mortais que são: a Gula, a Preguiça, a Luxúria, a Vaidade, a Ira, a Inveja e a Avareza. São assim mostrados:

1.  dois homens devoram tudo aquilo que a dona da casa serve-lhes.  O mais magro deles, de pé, vira vira um jarro de vinho na boca. Uma criança obesa pede ao homem gordo mais comida. Tudo na cena indica que aquelas pessoas só vivem para comer (Gula);
2. um homem dormindo, assentado, tendo um gato a seus pés (Preguiça). A mulher com um rosário na mão, lembra ao preguiçoso que ele está deixando de lado seus deveres espirituais;
3. três casais de amantes encontram-se numa tenda, com instrumentos musicais e um recipiente com vinho espalhados pelo chão. Há também uma mesa posta com comida e vinho (Luxúria);
4. uma mulher, diante do espelho, mostra-se excessivamente apegada a seu novo chapéu, sem notar que um demônio é quem segura o espelho, tendo parte do corpo escondido atrás do armário (Soberba ou Vaidade);
5. dois homens deixam a taberna e põem-se a brigar, enquanto uma mulher tenta apaziguá-los (Ira);
6. um homem rejeitado, olha com ciúme o rival (Inveja).
7. um juiz corrupto recebe suborno (Avareza);

 Os quatro medalhões, nos cantos da composição, descrevem as quatro últimas etapas na vida do homem: Morte, Juízo Final, Inferno e Paraíso. Vejamos:

1. um homem encontra-se deitado no seu leito de morte, rodeado por religiosos e, possivelmente um parente, aos pés da cama. Um anjo e um demônio jazem na cabeceira da cama, enquanto a morte, à espreita, esconde-se atrás da cabeceira. Num outro compartimento, duas mulheres conversam;
2. Cristo apresenta-se no Juízo Final, rodeado de santos e anjos, enquanto os mortos são ressuscitados, para serem julgados, conforme seus merecimentos;
3. Cristo apresenta-se em seu trono, rodeado por anjos e santos. Os homens bons são recebidos no portão do Paraíso. Os eleitos são mostrados em duas outras partes;
4. seres humanos passam pelas mais diferentes torturas no Inferno. Um caldeirão com um líquido fervente aguarda os maus.

 Significado dos textos em latim: “Porque é uma nação insensata, desprovida de inteligência. Se fosses sábios, compreenderiam e discerniriam aquilo que os espera (parte de cima). Ao ver tais coisas, o Senhor indignou-se com seus filhos e suas filhas e disse: vou lhes oculta o meu rosto e verão o que lhes sucederá… Pois são uma geração perversa, filhos sem lealdade (parte de baixo).

O tema da composição lembra aos pecadores que é preciso refletir sobre o que os aguarda após a morte, destino certo de toda a humanidade. A obra mostra, mais uma vez, a preocupação do artista com a humanidade e seu destino após a morte.

Segundo alguns estudiosos, possivelmente o tampo da mesa do Prado tinha como objetivo levar à meditação, ajudando no exame de consciência, que os cristãos deveriam fazer antes do ato da confissão.

Ano: c. 1500-1520
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 120 x 150 cm
Localização: Museu del Prado, Madri, Espanha

 Fontes de Pesquisa:
Gênios da pintura/ Abril Cultural
A história da arte/ E.H. Gombrich
Tudo sobre arte/ Sextante
Grandes pinturas/ Publifolha
Grandes Mestres/ Abril Coleções
Os pintores mais influentes do mundo/ Girassol
Bosch/ Taschen

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Bosch… o descobridor do inconsciente. (Carl Jung)

O Inferno Musical situa-se na janela direita do Tríptico do Jardim das Delícias.  Representa os castigos a que estarão sujeitos homens e mulheres, se não se enveredarem no caminho do bem, afastando-se dos pecados.  Hieronymus Bosch apresenta um mundo onírico, demoníaco, opressivo, de incontáveis tormentos, onde estão presentes o fogo e o gelo.

 A presença de vários instrumentos musicais, símbolos tradicionais do amor e da luxúria, usados pelos seres satânicos, dão nome à pintura. Para quem não sabe, a diversão era tida como um caminho para o pecado, à época de Bosch. Portanto, na pintura, os instrumentos musicais são transformados em instrumentos de tortura.

 Logo no alto do painel, uma cidade está sendo consumida pelo fogo, enquanto uma atmosfera sulfurosa remete à visão que se imagina do Inferno. Logo abaixo, vê-se um símbolo fálico em forma de tanque de guerra, composto por uma lâmina e duas orelhas. Na faca está escrita a letra M. A origem de tal letra aventa várias explicações. Uma delas sugere que representa a palavra “mundus”. E, logo abaixo, são mostradas as barbaridades da guerra, com a punição dos condenados.

 Dentre os elementos figurativos presentes na composição estão o vaso e a lanterna, que simbolizam o sexo feminino, enquanto as facas e os calçados são emblemas do sexo masculino. O ato de subir escadas é representativo, muitas vezes, da relação sexual.

 No canto inferior da composição, um monstro híbrido, semelhante a uma ave gigantesca, está assentado sobre um trono, em pose autoritária, devorando os miseráveis sofredores e  defecando-os num poço de excrementos. Castigo dado àqueles que se escravizaram pelo pecado da gula. Um enorme caldeirão serve de capacete para o ser infernal. Abaixo do trono do monstro, um homem vomita e outro defeca moedas, simbolizando a avidez pelo dinheiro. Sob o manto do monstro, uma mulher é acossada por um diabo em forma de árvore, tendo ela que olhar sua imagem refletida nas nádegas desse, que lhe serve de espelho.

 No canto inferior esquerdo da composição, um porco com um véu de freira está abraçado a um homem, enquanto uma criatura de armadura, em frente, observa os dois. O animal parece estar falando ao ouvido do homem, que tem sobre a perna esquerda um testamento, seduzindo-o para que doe seus bens à Igreja. Bosch parece querer mostrar a ganância da Igreja, muito mais comprometida com o poder temporal do que com o divino, fato que vemos assumir formas assustadoras nos dias de hoje.

 Bem no centro da composição, está o homem-árvore, parte homem, parte árvore e parte ovo, que olha diretamente para o observador. Seus braços são como troncos de árvore e estão descansando sobre barcas. O tórax está aberto e oco, e no seu interior há mais seres estranhos. Encontra-se dentro de um lago gelado, sobre o qual patinam alguns condenados, enquanto o gelo se quebra. A cabeça do monstro serve de base para um alvo (um disco) e para uma gaita de foles cor de rosa, que representam o masculino e o feminino, respectivamente. Em volta de tais objetos circulam bruxas, demônios e pecantes.

Vejamos algumas cenas:

1. um homem sangrando é carregado numa vara por um coelho, enquanto de sua barriga o sangue jorra com força, como numa explosão;
2. uma figura nua está amarrada a um alaúde;
3. uma figura está presa nas cordas de uma enorme harpa;
4.  uma figura foi enfiada dentro de um instrumento de sopro;
5. um homem, sobre um tambor azul, tem enfiado no ânus uma flauta, enquanto dois outros estão colocados dentro do tambor;
6. dois animais estraçalham um corpo, etc.
7. do ânus da figura engolida pelo monstro sentado na cadeira saem pássaros negros;
8. uma mulher com um dado na cabeça faz menção aos jogos de azar, etc.

As obras de Bosch continuam difíceis de serem explicadas, pois grande parte da simbologia medieval ainda continua desconhecida.

 Ficha técnica:
Data: 1480 – 1490
Tipo: óleo sobre madeira
Dimensões: 220 x 97 cm
Localização: Museu do Prado, Madri

 Fontes de Pesquisa:
Gênios da pintura/ Abril Cultural
A história da arte/ E.H. Gombrich
Arte em detalhes/ Publifolha
Tudo sobre arte/ Sextante
Bosch/ Tachen
Grandes pinturas/ Publifolha
Grandes Mestres/ Abril Coleções
Os pintores mais influentes do mundo/ Girassol

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Autoria de Lu Dias Carvalho

                                                 (Clique na imagem para ampliá-la.)

O Tríptico do Jardim das Delícias, de Hieronymus Bosch, traz na parte central O Jardim das Delícias Terrenas, na esquerda o Paraíso e na direita o Inferno. A parte central mostra homens e mulheres, de raças diferentes, unidos em pares ou em grupos, alguns em posturas inocentes e outros em posturas luxuriosas, despidos, espalhados pelo Jardim. O grande grupo convive com várias espécies de animais, pacificamente, e algumas pessoas comem grandes frutos. Todos celebram os prazeres da carne, sem acanhamento ou sentimento de culpa.

O Jardim das Delícias Terrenas é na verdade um falso paraíso, pois ali reina apenas o pecado, especialmente o da luxúria, que acaba por levar o ser humano ao inferno. Este painel traz uma profusão de imagens, com inúmeros símbolos, a maioria deles desconhecidos. São vistas diversas formas de relações eróticas heterossexuais, homossexuais e onanistas. Há também relações eróticas ou sexuais entre animais e entre plantas.

Na Fonte da Juventude (analisada por alguns como a Fonte do Adultério ou Fonte Carnal), mulheres nuas com corvos (símbolo da incredulidade), pavões (símbolo da vaidade), íbis (referem-se às alegrias passadas) e frutas na cabeça banham-se, atraindo os homens ao redor. Os moralistas medievais viam a mulher como fonte do pecado da luxúria e, provavelmente, essa era também a visão de Bosch.

A cavalgada da libido, na parte superior da composição, contorna a Fonte da Juventude, onde se encontra um bando de mulheres provocantes. Os homens nus estão montados em animais em pelo. Os animais montados  são reais e alguns  imaginários. Na Idade Média, os animais eram identificados com os apetites mais baixos ou carnais da natureza humana, e o ato de cavalgar era usado como metáfora sexual.

A presença de suculentas frutas, como cerejas, framboesas, uvas, etc, são uma alusão aos prazeres sexuais e também à fugacidade do prazer, pois passam do frescor para a degeneração. O morango, às vezes usado como uma menção às gotas do sangue de Cristo, aqui é uma metáfora sexual, sugerindo atividade carnal. Ele é visto na pintura como alimento, abrigo e embarcação. Bizarras plantas, minerais e conchas também são vistos no quadro.

À esquerda da composição, dentro do lago, existem grandes pássaros, com pontos luminosos formando os olhos, pintados com minúcias, que também simbolizam o erotismo. Estranhas estruturas encarceram o corpo humano em algumas cenas, elas são vistas como o pecado que aprisiona a alma humana.

Um globo cinza azulado, onde são realizadas acrobacias sexuais, boia dentro de um rio com figuras bizarras. Outras criaturas extravagantes encontram-se dentro de estranhas estruturas que parecem serem feitas de vidro.

Muitas pessoas e animais são mostrados em posições invertidas. Dentro do lago está um homem com cabeça e tronco submersos, enquanto as pernas, visíveis, estão abertas em forma de Y, com um ovo vermelho do qual sai um pássaro. Esta inversão mostra que tudo ali é falso e pecaminoso.

Na parte inferior do painel, à esquerda, um homem vestido, o único com vestes na composição, indica uma mulher deitada, enquanto olha para fora do quadro. Para alguns, ele seria Adão e ela Eva. Para outros, seria Eva sendo assinalada por João Batista, como culpada por ter sido a origem do pecado.

Toda a composição expõe o prazer dos sentidos, ou seja, a luxúria, que pode ser vista em inúmeras cenas, como:

1. o casal dentro de uma bolha, à esquerda, com o homem com a mão na barriga da mulher;
2. o casal dentro de uma concha;
3. o homem que mergulha na água, escondendo o sexo com as mãos;
4. o rapaz que coloca flores no ânus de seu companheiro, etc.

Bosch mostra que o Jardim das Delícias é uma ilusão, um falso paraíso, pois tudo ali é falso e transitório, levando o homem a perder sua alma ao se dedicar à perversão. E o fato de não se ver crianças na obra, significa que o sexo era usado apenas para o prazer.

Estudiosos continuam estudando esta complexa iconografia de Hieronymus Bosch, pois na época em que viveu o pintor, os símbolos eróticos eram inumeráveis, simbolizados por frutos, animais, plantas, etc.

Ficha técnica:
Ano: c. 1510
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 220 x 195 cm (parte central)
Localização: Museu do Prado, Madri, Espanha

Fontes de Pesquisa:
Gênios da pintura/ Abril Cultural
A história da arte/ E.H. Gombrich
Arte em detalhes/ Publifolha
Tudo sobre arte/ Sextante
Grandes pinturas/ Publifolha
Grandes Mestres/ Abril Coleções
Bosch/ Taschen
Os pintores mais influentes do mundo/ Girassol

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 Autoria de Lu Dias Carvalho

Sede fecundos e multiplicai-vos e enchei a terra; e dominai sobre os peixes do mar e as aves do céu. (Gênesis: 1,28)

O Jardim do Éden, também chamado de O Paraíso Terrestre, situa-se na janela esquerda do tríptico O Jardim das Delícias.  Representa o último dia da criação, quando Deus criou o primeiro homem e a primeira mulher. O artista mostra o momento em que o Criador apresenta Eva, ajoelhada, a Adão, desperto. A imagem de Deus é tradicional. Com a mão esquerda ele segura Eva pelo pulso, para apresentá-la a Adão. E com a direita, ele abençoa o casal.

No Paraíso, encontram-se flores, frutos, animais e os primeiros seres humanos. Uma dracena, postada logo atrás de Adão, representa a Árvore da Vida. Ao lado dela estendem-se outras espécies frutíferas e plantas exóticas.

No centro do lago, que fica no meio da composição, está uma fonte rosa, misto de caranguejo, concha e planta, que simboliza a Fonte da Vida, da qual nascem os rios do Paraíso. Ela se encontra sobre pedras preciosas. Na parte oval da fonte, ocupando o centro de gravidade da composição, está uma coruja, cujo significado ainda é incerto, já que a ave tanto tem significado positivo como negativo. Para alguns, ela representa a sabedoria e para outros a feitiçaria. O animal observa a criação de Adão e Eva.

À direita da composição, a meia altura, está a Árvore do Conhecimento, do bem e do mal, a única a conter o fruto proibido. Uma serpente está enrolada em seu tronco. Esquisitos animais, saídos da água, guiam-se em direção a ela.

Bizarras criaturas, terrestres e marinhas, aparecem em primeiro plano, em volta do espelho d’água. Ali, alguns animais comem outros. Um gato carrega um rato na boca e aves alimentam-se de rãs e sapos. Mais ao longe, no alto da composição, um leão devora um cervo, e um estranho bípede é perseguido por um javali. Existem muitos animais no jardim, como elefante,  girafa e outras criaturas imaginárias, como o unicórnio, símbolo da pureza, e o pássaro de três cabeças. Dois coelhinhos encontram-se logo atrás de Eva, simbolizando a multiplicação da espécie humana.

Os animais exóticos e criaturas assustadoras e rastejantes, que aparecem na frente de Adão e Eva, são uma menção ao futuro que aguarda o casal.

• Curiosidades:
  O pecado feminino é personificado pelos bichinhos que se arrastam pela terra (insetos e, répteis) ou nadam pela água (anfíbios e peixes).
• O pecado masculino é representado pelas alimárias que voam (insetos voadores, aves, morcegos…).
• O demônio está escondido nos tanques e nas rochas que são, para Bosch, a guarida dos espíritos malignos.
• Aparecem na obra animais reais, mas extremamente exóticos, à época de Bosch, como girafas, elefantes, leões, leopardos, quando a África era praticamente desconhecida na Europa.

Ficha técnica
Data: 1480 – 1490
Tipo: óleo sobre madeira
Dimensões: 220 x 97 cm
Localização: Museu do Prado, Madri

Fontes de Pesquisa:
Gênios da pintura/ Abril Cultural
A história da arte/ E.H. Gombrich
Arte em detalhes/ Publifolha
Tudo sobre arte/ Sextante
Grandes pinturas/ Publifolha
Grandes Mestres/ Abril Coleções
Os pintores mais influentes do mundo/ Girassol

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O pintor Anthony van Dyck (1599–1641) foi o mais talentoso discípulo e ajudante do pintor francês Peter Paul Rubens, sendo 22 anos mais novo do que seu mestre, pessoa de quem herdou o talento na representação da textura e superfície das figuras. Também se transformou num dos pintores retratistas mais procurados da Europa, especialmente pela nobreza.

A pintura intitulada Susana e os Anciãos é uma obra do retratista flamengo e principal pintor da corte real de Carlos I da Inglaterra — Anthony van Dyck. Foi criada quando o artista encontrava-se na Itália, sendo inspirada na pintura veneziana. Nas cores luminosas — com destaque para a capa vermelha de Susana — nota-se a influência de Ticiano, enquanto Tintoretto está presente nos contrastes dinâmicos do movimento.

A bela Susana, casta e aflita, procura se afastar dos dois homens luxuriosos que a assediam. Ela procura o observador, como se buscasse proteção nele. A história de Susana foi retratada muitas vezes a partir de 1500, muito por conta das possibilidades oferecidas para incluir uma nudez feminina numa pintura histórica.

Susana foi tema de pinturas feitas também por Rubens, Tintoretto, Rembrandt, Tiepolo e muitos outros ao longo da história da arte. Algumas dessas obras, especialmente durante o período barroco, enfatizaram o drama, enquanto outras se concentraram na nudez. Uma versão do século XIX, por exemplo, criada por Francesco Hayez (hoje na National Gallery, em Londres) sequer tem os anciãos na pintura.

Curiosidades:

•  A composição é baseada na história bíblica retirada do livro de Daniel.

•  Uma bela esposa judia chamada Susana é acusada falsamente por libidinosos observadores escondidos. Enquanto ela se banha no jardim e tendo mandado embora suas damas de companhia, dois dos anciãos secretamente observam-na. Quando ela está voltando pra casa, eles a pressionam, e ameaçam alegar que ela estaria se encontrando com um jovem no jardim, caso não concorde em se entregar a eles. Ela se recusa a ser chantageada.

• Susana é presa e está prestes a ser executada por promiscuidade, quando um jovem chamado Daniel interrompe o julgamento, gritando que os dois anciãos deveriam ser questionados, para prevenir a morte de uma inocente.

• Após serem separados, os dois homens foram questionados em detalhes sobre o que viram, mas acabaram discordando sobre qual a árvore sob cuja sombra Susana teria se encontrado com seu amante.

• O primeiro diz que eles estavam sob uma almecegueira, e Daniel diz que um anjo está pronto para cortá-lo em dois. O segundo diz que eles estavam sob um carvalho, Daniel diz que um anjo está pronto para serrá-lo em dois.

• A grande diferença de tamanho entre a almecegueira e o carvalho torna a mentira dos anciãos óbvia para todos os observadores. Ambos são então executados e a virtude triunfou.

• Susana é uma das adições em Daniel, considerada apócrifa por protestantes, mas incluída no Livro de Daniel (como o capítulo 13) pela Igreja Católica e pela Igreja Ortodoxa Oriental.

Ficha técnica:
Data: 1623
Dimensões: 194 x 144 cm
Técnica: óleo sobre tela
Gênero: pintura religiosa
Estilo: barroco
Localização: Alte Pinakothek de Munique, Alemanha

Fontes de pesquisa:
Barroco/ Taschen
Wikipédia

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