Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Madona Tempi é uma obra religiosa do pintor e arquiteto italiano Rafael Sanzio, encomendada pela família Tempi, cujo sobrenome dá título à pintura. Trata-se de uma obra, embora belíssima, desprovida de qualquer preocupação consciente por parte do artista, para demonstrar seu valor artístico.

A Virgem Mãe, voltada para a direita, aproveita o frescor da tarde para segurar seu rechonchudo Menino Jesus entre os braços, apertando-o carinhosamente contra seu corpo. Sua figura imensa, acrescida de seu manto volumoso, toma a maior parte da tela, criando um efeito monumental. Apenas ¾ de seu corpo está à vista na pintura. Seu rosto, colado ao do filho, traz o olhar voltado para ele. A criança tem os olhos voltados para a esquerda, como se observasse algo por perto.

A Madona veste um vestido cor-de-rosa, esvanecido pela luz na parte que se encontra visível para o observador. A manga dourada da camisa, usada debaixo do vestido, aparece cobrindo-lhe o antebraço.  De sua cabeça desce um enorme e denso manto azul-esverdeado, que envolve grande parte de seu corpo. Sobre os cabelos dourados e finos repousa um véu transparente, que alcança as costas e envolve parte da gola.

Ao fundo desenrola-se uma paisagem azulada, meio disforme, que, assim como o azul do céu, é bem tênue, fazendo com que o manto azul ganhe ainda mais destaque. O Menino Jesus, de costas para o observador, e com o rosto de perfil, usa apenas um pequeno pano claro, que cobre parte das nádegas. Mãe e filho trazem halos acima da cabeça, como prova da divindade de ambos. A pintura repassa um belo sentimento de amor materno quer seja ele humano ou divino.

Ficha técnica
Ano: 1508
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 75 x 51 cm
Localização: Pinacoteca de Munique, Alemanha

Fontes de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição denominada Apolo e Dafne é uma obra mitológica do pintor francês Nicolas Poussin, tido como o fundador do neoclassicismo francês. Ele gostava de inspirar-se na arte da Antiguidade e na do Renascimento italiano. Presume-se que esta tela formava uma dupla com “Midas e Baco”, pois ambas são idênticas no formato, estão relacionadas com o mesmo tema e foram criadas na mesma época, tendo sido executadas em forma de retângulos dinâmicos. Embora o tema seja tratado com delicadeza, o artista supera o conteúdo mitológico, e faz uma alusão à Idade de Ouro, ideal fortemente arraigado no século XVII.

Apolo, sentado numa pequena elevação do terreno, debaixo de uma árvore, ocupa a parte direita da composição, em primeiro plano, de costas para o observador. Ele usa um manto alaranjado, que cobre parte de seu corpo. Usa sandálias brancas de tiras, no estilo romano, e uma coroa de folhas de oliveira. Atrás dele estão sua harpa e aljava de ouro. A mão esquerda do deus mitológico segura Dafne pelas costas, enquanto a direita traz um ramo de oliveira,  posicionado na axila esquerda da jovem, pela qual ele se mostra visivelmente atraído.

A ninfa Dafne encontra-se de pé, de frente para Apolo. Ela usa um manto azul-escuro, que cobre parte de seu corpo, que se inclina ligeiramente para trás. Faceiramente acaricia as folhas da grande árvore, sendo sustentada pelo deus da beleza. À sua direita encontra-se Cupido, armado de arco e flecha, prestes a flechar Apolo. Abaixo dele, de costas para Dafne, aparece um personagem nu, de barba e cabelos grisalhos, sentado no chão, com os joelhos dobrados e com a mão direita cobrindo o rosto reclinado para frente, possivelmente embriagado. Sua mão esquerda abraça um vaso de onde sai um vinho espumante.

À esquerda estão quatro pequenos anjos deitados na relva em meio a jarros, estando um deles de pé, com uma touceira de ramagens nos braços. Ao fundo, desenrola-se uma bela paisagem.

Nota: conheça a lenda sobre o casal, aqui no site, em Mitos e Lendas.

Ficha técnica
Ano: 1625
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 98 x 135 cm
Localização: Pinacoteca de Munique, Alemanha

Fontes de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann
http://www.wga.hu/html_m/p/poussin/1/02apollo.html
http://wikhistart.clefebvre.profweb.ca/index.php/Nicolas_Poussin

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Crucificação, também conhecida como Descendo ao Limbo, é uma obra do arquiteto e pintor italiano Giotto de Bondone. Trata-se de um pequeno painel relativo à fase mais madura da carreira do artista. Faz parte da época em que Giotto dirigia um dinâmico estúdio em Florença, na Itália. Presume-se que grande parte desta obra foi feita pelos alunos do artista.

Jesus Cristo encontra-se pregado à cruz, ocupando o centro da tela. De suas feridas jorra sangue abundantemente, principalmente da que se encontra abaixo do peito, de onde o líquido sai em golfadas. Ele não traz coroa de espinhos, mas uma auréola dourada. Dois anjos azuis estão abaixo de cada mão e dois vermelhos acima, de modo a contrabalançar o sólido grupo abaixo. O drapeado do lençol que cinge parte do corpo de Jesus mostra o grande talento de Giotto. As figuras presentes na tela são tridimensionais, trazendo a impressão de que é possível tocá-las.

Aos pés de Cristo estão São Francisco e o casal de doadores da obra.  À sua direita, Maria, mãe de Jesus, é amparada pelas Três Marias (Maria Madalena, Maria de Cléofas e Maria Salomé), que choram. E à sua esquerda estão São João Evangelista, Nicodemos e José de Arimateia, de quem se vê apenas parte do rosto. Os dois não possuem auréola, assim como o casal de doadores. Chama a atenção na pintura seu fundo dourado, o que retira a crucificação de Cristo de seu contesto histórico, mas, por outro lado, dá mais ênfase às personagens presentes na cena.

Ficha técnica
Ano: entre 1320 a 1325
Técnica: têmpera sobre madeira
Dimensões: 45 x 43 cm
Localização: Pinacoteca de Munique, Alemanha

Fontes de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Cristo no Limbo, também conhecida como Descendo ao Limbo, é uma obra do arquiteto e pintor italiano Giotto de Bondone. Trata-se de um pequeno painel relativo à fase mais madura da carreira do artista. Faz parte da época em que Giotto dirigia um dinâmico estúdio em Florença, na Itália. Ainda existem peritos que atribuem esta obra a seus auxiliares, embora a maioria veja nela a mão do mestre, que contribuiu para o Renascimento italiano.

O limbo, ou lugar do esquecimento, é representado por uma rocha marrom, multifacetada, que ocupa quase toda a tela. De suas entranhas saem labaredas de fogo.  Sobre ela, os demônios torturam os condenados e jogam-nos ao fogo. Na entrada da rocha encontra-se Jesus Cristo arrebanhando as almas boas, ainda que não tenham sido batizadas. Dimas, o Bom Ladrão, com uma bandeira branca com uma cruz vermelha, está à direita do Salvador. Dentre os justos não batizados encontram-se Adão, Eva, Abraão, Davi, Salomão, etc.

Jesus, com suas vestes douradas e uma grande auréola em volta da cabeça, simbolizando a sua divindade, segura a mão de Adão para que ele se levante. À direita, no canto inferior da rocha, um diabo prende um condenado sob seus pés. Os sentenciados encontram-se nus, enquanto os justos estão todos vestidos, o que nos mostra que a nudez era vista como um grande pecado e, portanto, sujeita ao castigo eterno. Outros diabos são vistos judiando de suas atormentadas vítimas.

Ficha técnica
Ano: entre 1302 a 1306
Técnica: têmpera sobre madeira
Dimensões: 45 x 44 cm
Localização: Pinacoteca de Munique, Alemanha

Fontes de pesquisa
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann

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