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Autoria de Lu Dias Carvalho

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Os artistas italianos (pintores e escultores) demoraram a entrar no espírito da arte gótica, preferindo manter contato com Constantinopla, onde predominava o estilo bizantino, ao invés de buscar Paris, onde o Gótico servia de imitação para a Alemanha e a Inglaterra. Porém, isso também teve importância para a arte, pois o grande conhecimento da tradição bizantina foi o que permitiu aos artistas italianos — com a aproximação do final do século XIII — obter o nível de aperfeiçoamento dos escultores das catedrais nórdicas, também contribuindo para transformar a pintura. A arte bizantina foi responsável por ajudar os pintores italianos a vencer o empecilho que separava a pintura da escultura, pois, embora essa última se tratasse de um estilo inflexível, foi capaz de salvaguardar muitas das descobertas dos pintores helenísticos.

A tarefa do escultor é muito mais simples ao reproduzir a natureza, pois ele não precisa criar ilusão de profundidade mediante o uso da perspectiva ou da modelação em luz e sombra, como é o caso do pintor. Sua estátua ergue-se num espaço real e luz real, criando um grande grau de realismo. Foi por isso que os escultores das esplêndidas catedrais góticas atingiram um grau realístico tal, que nenhum pintor do século XIII foi capaz de conseguir em suas obras. Outra causa que levou à inferioridade desses artistas foi o atrelamento da pintura às regras cristãs, levando os pintores a renunciar a qualquer aspiração de criarem uma ilusão da realidade.

Giotto di Bondone (c. 1267–1337) foi o gênio da arte italiana que conseguiu romper o conservadorismo da arte bizantina, buscando reportar para a pintura as figuras realistas da escultura gótica, inaugurando, assim, um novo estilo na arte pictórica. Ele se especializou em afrescos religiosos. Suas mais famosas criações são murais ou afrescos que se trata de uma técnica de pintura em parede ou teto, feita com tinta diluída em água sobre revestimento ainda fresco e úmido. A tinta precisa ser aplicada no momento certo. Se o gesso estiver muito úmido, a imagem não ficará nítida. Se muito seco, a tinta não grudará na superfície da parede. Suas pinturas eram inspiradas na vida de Cristo e da Virgem Maria, na vida de São Francisco de Assis e na personificação das virtudes e dos vícios.

A arte cristã primitiva — ao contrário da antiga ideia oriental que achava que a clareza ao contar uma história estava no fato de mostrar todas as figuras — rezava que apenas o absolutamente necessário deveria ser mostrado. O pintor Giotto opôs-se a tal ideia, achando que essa excessiva simplicidade era desnecessária, pois muitas vezes afetava a real compreensão do ensinamento repassado. Ele foi capaz de introduzir em suas obras técnicas capazes de criar a ilusão de espaço, fazendo com que todos admirassem as suas habilidades de narrador de histórias. Seus relatos sagrados eram vistos como convincentes monumentos emocionais que tocavam o coração dos fiéis.

A primeira imagem acima, criada por Giotto, representa a “Fé”. Uma matrona segura uma cruz com a mão direita e um pergaminho com a esquerda. O que mais chama a atenção na obra é a sua semelhança com uma escultura gótica, repassando a ilusão de ser uma estátua, quando na verdade trata-se de uma pintura. O artista deu destaque aos braços, modelou rosto e pescoço e botou profundas sombras nas pregas esvoaçantes das vestes da figura. Até então nada parecido com esta pintura do artista italiano havia surgido num período de mil anos.

Giotto havia redescoberto a arte de dar vida à ilusão de profundidade numa superfície plana, ou seja, numa pintura. Com seu novo método criativo o pintor mudou toda a concepção da pintura, repassando a sensação de que a cena acontecia diante dos olhos do observador, pois, para ele, a pintura não era uma mera substituição para a escrita, cuja função única seria a de narrar os ensinamentos cristãos. Ele desejava que os devotos se sentissem fazendo parte da composição.

A segunda imagem representa uma das belas obras de Giotto  intitulada “A Morte de São Francisco de Assis” em que ele mostra o exato momento em que um dos frades presentes na cena, levanta o hábito do santo e vê que ele tinha recebido estigmas, ou seja, as marcas da crucificação de Cristo. É possível notar como cada um dos monges reage emocionalmente à descoberta de que seu líder espiritual  tinha grande afinidade com Cristo. Observem como o uso da profundidade permite que as inúmeras figuras fiquem bem posicionadas na composição.

Os afrescos de Giotto di Bondone foram caiados de branco em 1700, por ordem dos Medici, em um esforço para modernizar e simplificar o interior das grandes igrejas de Florença. A cal foi removida em 1852 e a arte restaurada. Na década de 1960, eles foram reparados da restauração em 1852. Em 1966, a grande enchente danificou grande parte da igreja. Esse trabalho de limpeza durou pelo menos 10 anos.

O afresco acima, representando a morte de São Francisco, mostra-se bastante irregular em razão dos muitos danos pelos quais passou. Ainda assim, dá para notar a expressão extremamente calma do rosto do santo, enquanto há uma grande tristeza no rosto dos monges e nobres próximos ao seu leito, ajoelhados em oração. As figuras demonstram a marca registrada de Giotto: corpos impassíveis e de constituição sólida, com mantos esvoaçantes e roupas descendo em dobras e pregas belamente ornamentadas que resistiram ao  tempo.

A fama de Giotto di Bondone foi imediata, atingindo várias cidades italianas, ganhando ele a estima de todos, embora se conheça muito pouco sobre a primeira fase de sua vida. Até então não se preservava o nome do artista para a posteridade, tanto é que pouco sabemos sobre os nomes dos escultores de obras magistrais da arte gótica.  Tampouco os artistas se preocupavam com isso. Na maioria das vezes sequer assinavam suas obras, sendo apreciados apenas no seu tempo. Como disse o Prof. E. H. Gombrich, ao referir-se a Giotto: “Dos seus dias em diante a história da arte, primeiro na Itália e depois em outros países, passou a ser também a história dos grandes artistas”.

Exercício
Para o enriquecimento deste texto/aula os participantes deverão responder as duas perguntas e acessar o link abaixo:

1. Por que Giotto di Bondone foi importante para a arte?
2. O que chama a atenção na sua obra Fé, ilustrada acima?
3.   Mestres da Pintura – GIOTTO DI BONDONE

Ilustração: 1. Fé, c. 1305 (detalhe de um afresco)/ 2. A Morte de São Francisco de Assis” (c. 1315-1320).

Fonte de pesquisa
A História da Arte / Prof. E. H. Gombrich

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Autoria de Lu Dias Carvalho

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A arte deu um grande passo no século XIII, quando os artistas, vez ou outra, deixavam de lado seus cadernos de modelos com o objetivo de criar algo que dissesse respeito à sua própria vontade, sem levar em conta as exigências às quais deviam obedecer e que, de certa forma, tolhia-lhes a liberdade criativa. Para a época tal iniciativa teve um grande significado para a arte, uma vez que o artista da Idade Média tinham sempre um modelo convencional que lhe servia de parâmetro.

O treinamento e a formação do artista medieval diferem muito daquilo que conhecemos hoje. O primeiro passo era tornar-se aprendiz de um mestre, a quem o aluno ajudava em seus trabalhos, de acordo com as suas orientações. Ao aprendiz cabia as partes menos importantes de uma pintura. Gradualmente ia aprendendo a representar um apóstolo, a desenhar a Virgem Maria, a copiar e a reagrupar cenas de velhos livros e a inseri-las em diversos contextos e, finalmente, quando já tinha bastante traquejo, era-lhe permitido ilustrar uma cena da qual não tinha nenhum modelo. Contudo, em sua carreira de artista ele jamais necessitaria pegar um livro de esboço e criar algo a partir da vida real. Isso estava fora de cogitação.

Ao encomendar um retrato, a pessoa já sabia que não receberia uma obra fiel, com as suas devidas características. Desenhava-se uma figura convencional, acrescentando a ela as insígnias do cargo que ocupava (coroa e cetro para o rei, mitra e báculo para o bispo, etc.). Algumas vezes escrevia-se embaixo o nome do sujeito representado, quando esse não era muito conhecido, a fim de que não houvesse equívoco quanto à sua pessoa. Será que esses artistas medievais não tinham capacidade para criar um retrato que fosse fiel à encomenda? Claro que tinham, mas não se tratava disso! Naquela época ainda não se cogitava se sentar diante de uma pessoa ou objeto e fazer uma cópia do que se via, durante horas a fio. Para tudo já havia um modelo convencional, ao qual se aplicava alguns detalhes a mais.

Como foi dito anteriormente, o artista do século XIII ocasionalmente ousava representar aquilo que lhe interessava pessoalmente, sem se ater aos ensinamentos didáticos, ou seja, sem levar em conta um modelo convencional. O retrato do elefante que ilustra este texto é um exemplo disso. Foi desenhado por Matthew Paris — monge beneditino e historiador inglês — em meados do século XIII. É claro que o animal não saiu muito bem feito, apesar de o artista demonstrar sua preocupação com suas proporções. Entre as patas do paquiderme há uma inscrição latina que diz: “Pelo tamanho do homem neste retrato podeis imaginar o tamanho do animal aqui representado”. Ainda que o elefante possa se mostrar meio desajeitado, fica claro que os artistas medievais tinham consciência de pontos como proporções, ainda que não os usassem em suas obras. Mas por que deles não faziam uso? Simplesmente não  achavam necessários, ou seja, para eles tais incrementos  não faziam diferença nenhuma no conjunto da obra. E assim seguia a corrente…

Exercício
Para o enriquecimento deste texto/aula os participantes deverão responder as questões abaixo e acessar o link  para complementar a aula:

1. Como era a formação do pintor medieval?
2. Como eram criados os retratos nessa época?
3. Nicola Pisano – ANUNCIAÇÃO, NATIVIDADE…

Ilustração: pintura românica medieval (data não encontrada) / 2. O Elefante de Matthew Paris, c. 1255

Fonte de pesquisa
A História da Arte / Prof. E. H. Gombrich

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