VÍRUS DA ARTE & CIA – Lu Dias Carvalho

Autoria de Lu Dias Carvalho

Uma noite, Picasso abandonou a companhia de seus amigos e seu discurso intelectual. Retornou a seu ateliê, posicionou-se de frente à tela que havia abandonado um mês antes e coroou a figura do jovem aprendiz com uma grinalda de rosas.”. (André Salmon)

A composição denominada Rapaz com Cachimbo é uma obra-prima do pintor espanhol Pablo Picasso, pintada quando ele tinha 24 anos de idade. Faz parte de seu “Período Rosa”. Encontra-se entre as 50 pinturas mais famosas do mundo, em razão de ter sido leiloada por um preço exorbitante à época.

Dois dos mais íntimos amigos de Picasso, Max Jacob e Apollinaire, nutriam grande admiração por Arthur Rimbaud, poeta homossexual. E foi em razão desse arrebatamento visto nos dois, que o artista resolveu fazer esta pintura. Para alguns, Picasso inspirou-se no poema de Paul Verlaine, “Crime Amoris”, dedicado a seu amante Rimbaud. Como modelo para sua tela, o pintor escolheu Louis, um jovem de Montmatre.

O rapazinho, todo vestido de azul, toma grande parte da tela, quase atingindo a margem superior. Encontra-se assentado, com as pernas abertas, sendo vistas apenas parte delas. De seu cabelo desce na testa uma pequena mecha, em forma de vírgula, como se estivesse a assinalar seu olhar vago. Sua cabeça está envolta por uma bela coroa de rosas vermelhas.

Ele segura o banco (ou cadeira) com a mão direita, enquanto leva, na esquerda, um cachimbo, próximo ao peito. O cachimbo está relacionado com o uso de ópio ou haxixe. O pintor relaciona a iluminação do rosto com a mão a segurar o cachimbo, mostrando uma conexão entre ambos, ou seja, o uso de drogas.

A expressão do rapaz expressa feminilidade e masculinidade ao mesmo tempo, o que é próprio de sua fase de adolescente. Seu olhar parece distante e indiferente. O fundo colorido da composição deixa a palidez de sua pele ainda mais destacada. Embora a vestimenta do jovem seja simples, mais parecida com a de um trabalhador, o fundo da pintura é belamente adornado com arranjos florais.

Antes de chegar a esta pintura final, Picasso fez vários estudos, posicionando o rapazinho nos mais diferentes tipos de pose (de pé, sentado, encostado na parede, etc). Quase nada se sabe sobre o garoto que serviu de modelo.

Ficha técnica
Ano: 1905
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 100 x 81,3
Localização: Coleção particula, Nova York, EUA

Fontes de pesquisa
Picasso/ Coleção Folha
https://pt.wikipedia.org/wiki/Gar%C3%A7on_%C3%A0_la_Pipe
http://www.galleryintell.com/artex/garcon-la-pipe-boy-pipe-pablo-picasso/

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição denominada Dânae é uma obra do modernista austríaco Gustav Klimt, que toma como tema o mito grego sobre a princesa Danae. Vários pintores sentiram-se inspirados por essa temática mitológica, como Rubens, Rembrandt, Ticiano, Correggio, Tintoretto, etc.

O pintor limitou-se a pintar Dânae no ato da fecundação, abrindo mão da iconografia clássica, que até então acompanhava a obra dos outros artistas. Sua Dânae é vista em pleno gozo, após ser fecundada por Zeus (Júpiter), o deus dos deuses.

O corpo nu da princesa, com seus longos cabelos ruivos, em postura fetal, ocupa a maior parte da tela, em diagonal, numa alusão à maternidade e à fertilidade universal. Apenas seu seio esquerdo encontra-se à vista. Seus olhos fechados, as narinas abertas, as maçãs do rosto vermelhas, a mão tensa e a boca entreaberta denotam o êxtase do orgasmo. Véus escuros, com estamparias douradas, assim como um halo verde cingem-na, acariciando sua pele branca, como referência à sua linhagem imperial. Por entre suas coxas, em direção à região púbica, cai uma forte chuva de ouro. A mão esquerda, que se esconde entre as pernas abertas, mostra que Dânae masturba-se, enquanto recebe a chuva de ouro.

Segundo o mito, a bela Dânae era filha do rei Acrísio, que ambicionava ter um filho, para sucedê-lo. Assim, resolveu consultar o oráculo de Delfos sobre a chegada de um menino. Contudo, a resposta recebida deixou-o profundamente preocupado. Segundo a predição do oráculo, ele seria morto por seu próprio neto, ou seja, pelo filho de Dânae, sua única filha. Temeroso, Acrísio aprisionou a princesa numa torre, muito bem vigiada, para que ela não tivesse contato com nenhum humano ou divindade, e viesse a gerar um filho.

Zeus (Júpiter) que sempre traíra a esposa Hera (Juno), viu-se apaixonado pela princesa Dânae e, para ter acesso a ela, transmutou-se numa chuva de ouro, que se entranhou por uma rachadura no teto, engravidando-a. Ela viria a dar à luz o herói Perseu, responsável por matar a Medusa. Ao tomar conhecimento do acontecido, o rei ordenou que mãe e filho fossem postos numa arca, bem fechada, e jogados ao mar. Quis o destino que a arca fosse encontrada por um pescador, que levou ambos ao rei de seu país, Polidectes, que os recebeu com muita alegria. O resto do mito encontra-se no blog, em MITOS E LENDAS.

Ficha técnica
Ano: 1907/1908
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 77 x 83
Localização: Coleção privada, Graz, Áustria

Fontes de pesquisa
Klimt/ Coleção Folha
http://www.gustav-klimt.com/Danae.jsp

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Embelezei essa estrutura macia da grande massa de carne em guerra civil com feijões cozidos, pois era inimaginável engolir toda aquela carne inconsciente sem a presença, por pouco atraente que fosse, de algum farináceo e melancólico vegetal. (Salvador Dalí)

A composição denominada Construções Moles com Feijões Cozidos – Premonição da Guerra Civil, é uma obra do pintor espanhol Salvador Dalí. Segundo ele, tratava-se de uma alusão à Guerra Civil Espanhola. Como o quadro fora feito antes de a guerra começar, ele diz que a pintura foi fruto de sua intuição. Coisas do vaidoso Dalí.

Em sua obra, Dalí apresenta um corpo humano andrógino e monstruoso, que, desconjuntado, forma uma figura bizarra e amedrontadora, que se estrangula, chamando a atenção para a autodestruição da Espanha. Ele traz as proporções do contorno do país espanhol. Pelo chão está espalhadas as vísceras.

O monstro encontra-se numa região desértica, propícia para sua destruição. Um armário serve de sustentação para seu corpo deformado. À esquerda, uma gigantesca mão esmaga um seio, enquanto à direita, um pênis flácido jaz sobre um coto da coxa. Essa figura caótica possui mãos e pés descarnados e petrificados. Sua cabeça sustenta-se sobre os músculos retorcidos do pescoço. O rosto apavorante mostra, ao mesmo tempo, um esgar de vitória e maldade, lembrando a obra de Goya, denominada “Saturno Devorando o Filho”. Na mitologia, Saturno é o deus da destruição, o promotor da guerra.

À esquerda, em tamanho diminuto, uma figura humana é vista. Alguns dizem que se trata de um burguês chinês supervisionando o solo, tendo sido retirada de um livro ilustrado, e inserida na pintura via colagem. Para outros trata-se de um médico que vistoria um corpo agonizante.

Os feijões, nesta obra alegórica, aparecem em primeiro plano, espalhados sobre o chão, dando a impressão de que substituem as formigas, tão presentes na obra do pintor. O próprio Dalí justificou a presença dos grãos dando uma explicação bem bizarra (ver acima em negrito).

A referência de Dalí à guerra espanhola é vista por alguns como oportunismo, pois logo no início dessa, ele e sua esposa Gala abandonaram a Espanha, ficando especialmente na França e na Itália. Além disso, ele nunca foi comprometido com as questões políticas e ideológicas, sendo por isso muito criticado pelos surrealistas, que se colocavam como revolucionários de esquerda. Outra fato que leva a justificar o seu oportunismo foi o acréscimo feito ao título de “Premonição da Guerra Civil”, depois de a guerra ter se iniciado, sendo que a obra foi terminada seis meses antes. Ele ainda dizia que se tratava de uma profecia “daliniana”.

Esta pintura encontra-se entre as 50 mais famosas do mundo.

Ficha técnica
Ano: 1936
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 101,3 x 100 cm
Localização: Philadelphia Museum of Art, Filadélfia, EUA

Fontes de Pesquisa:
Dalí/ Coleção Folha
Dalí/ Abril Coleções
https://www.google.com.br/#q=Dal%C3%AD+%E2%80%93+beans

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Autoria de Lu Dias Carvalho

  

A composição denominada O Friso de Beethoven é uma obra do modernista austríaco Gustav Klimt, tendo sido pintada diretamente sobre as paredes, com o uso de materiais leves, para ser apresentada na 14ª Secessão de Viena, Áustria, por ocasião de uma homenagem feita ao compositor Ludwig van Beethoven, da qual participavam 21 artistas. A peça central da exposição era uma escultura dedicada a Beethoven, feita por Max Klinger, que ocupava o centro da mostra. Nela, o gênio da música era visto como Zeus (Júpiter) o todo poderoso deus do Olimpo. Em uma das salas da exposição, Klimt apresentou sua obra, que ocupou três paredes. Ela foi inspirada na interpretação que o compositor Richard Wagner fez da “9ª Sinfonia de Beethoven”, em que se celebra o anseio da humanidade na busca pela felicidade.

O Friso de Beethoven trata-se de uma pintura alegórica, que versa sobre a busca da felicidade em meio a um mundo de tanta atribulação, tendo a humanidade que conviver não apenas com o mal à sua volta, mas também com as mazelas que se encontram dentro de si, ou seja, com suas próprias fraquezas. Ao final, depois de passar por tanto sofrimento, a humanidade encontra a arte, a única capaz de levá-la para um reino ideal, onde se encontram a alegria verdadeira, a felicidade e o amor puro. A obra de Gustav Klimt é dividida em três painéis:

• A Aspiração à Felicidade
• As Forças Inimigas
• Alegria, Nobre Centelha Divina

Análise do painel sobre “As Forças Inimigas” (pintura ilustrativa)

Trata-se do mais complexo e colorido dos painéis. Tifeu, o gigante, é a figura principal. Aqui está representado na forma de um gigantesco macaco – que simboliza a depravação lúbrica. Também é uma referência às teorias de Darwin. O símio, com a boca aberta, deixa à vista a falta de alguns dentes. Seus olhos brancos ocupam a parte superior da testa, e miram o observador, com raiva. Ele possui asas colossais e gigantescas pernas, formadas por um amontoado de cobras, que se estendem à sua esquerda.

As Górgonas, filhas de Tifeu, estão à direita da figura bizarra. Embora, à primeira vista, elas pareçam belas figuras, com seus corpos nus, um olhar mais agudo revela a maldade que trazem em si. Seus olhos enviesados denotam crueldade, assim como as serpentes douradas deslizando sobre seus cabelos negros e longos. Elas simbolizam a luxúria, o despudor e a insensibilidade. Acima das Górgonas aparecem outras figuras estranhas, que representam a Doença, a Loucura e a Morte, que, por sua vez, têm atrás de si, figuras mascaradas.

Outro grupo surge à esquerda do macaco, formado pela Luxúria, pela Voluptuosidade e pela Intemperança. A Luxúria está representada pela mulher de imensa cabeleira ruiva, sentada numa pose provocante; a mulher de cabeleira loira representa a Voluptuosidade, enquanto a obesa, com os seios caídos, simboliza a Intemperança.

À esquerda do grupo descrito acima, sob as asas do símio e encostada nas serpentes, encontra-se a Aflição, com seus longos cabelos negros, e cujo corpo está envolto num véu cinza, representando a tristeza. Ela não faz parte do rico grupo de Tifeu, rodeado por ornamentos dourados. As serpentes que a sustentam simbolizam o pecado. A postura de seu corpo é de derrota, depois de ter passado pelos desejos e prazeres que acabaram por redundar em dor.

As figuras flutuantes, como a vista no canto superior direito, representam os anseios e desejos da humanidade. Chama a atenção neste painel, representativo das Forças Inimigas, as figuras femininas, excetuando a presença de Tefeu. Como se pensava na Idade Média, a mulher é aqui mostrada como a responsável pelo mal e também vitimada por ele.

À época, a obra de Klimt foi vista por parte do público como sendo imoral, pelo fato de apresentar mulheres nuas com os pelos pubianos à vista. É interessante também saber, que esta obra fora feita para durar apenas um curto tempo, enquanto a exposição estivesse acontecendo. Tratava-se de uma obra temporária, com quatro toneladas, mas um colecionador comprou-a, com a finalidade de conservá-la. Ela foi cortada em sete pedaços, a fim de ser retirada da parede, ficando guardada durante doze anos. Depois foi vendida para um industrial. Mas em 1970, a obra foi adquirida e restaurada pelo Estado austríaco. Encontra-se, portanto, em exposição permanente, em Viena.

Ficha técnica
Ano: 1901/1902
Técnica: Cor de caseína sobre fundo de estuque, com inserção de folha de ouro e pedras semipreciosas.
Dimensões: 215 x 630 cm
Localização: Österreichische Galerie Belvedere, Viena, Áustria

Obs.: Desde 1986, o ciclo da parede tornou-se novamente acessível ao público na Secessão como um empréstimo da Österreichische Galerie Belvedere.

Fontes de pesquisa
https://en.wikipedia.org/wiki/Beethoven_Frieze
https://suitesculturelles.wordpress.com/2011/08/23/beethoven-frieze

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