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Autoria de Lu Dias Carvalho

O Impressionismo era essencialmente uma nova forma de pintar, ainda assim é difícil obter uma definição que abrace toda a gama de telas que se inserem dentro do termo “impressionista”. Contudo, um tipo de quadro é inequívoco: a paisagem impressionista por excelência — a exemplo de A Regata de Argenteuil de Monet, ilustração acima, criada em 1874 — uma vez que suas características são bem fáceis de serem identificadas: 1- possuía um tamanho relativamente pequeno e irregular no que diz respeito à composição; na maioria das vezes era feita ao ar livre; as cores usadas eram quase sempre brilhantes e contrastantes; e a pincelada era livre e intuitiva.

Quase todos os paisagistas, antes dos impressionistas, ao criar suas obras de grandes dimensões e dar-lhes um acabamento impecável para serem exibidas, faziam uso do estúdio, tomando como referência pequenos estudos preparatórios feitos ao ar livre, portanto, não foram os impressionistas os primeiros a usar as pinturas a óleo realizadas ao ar livre. Os paisagistas franceses, desde os finais do século XVIII, já faziam esboço a óleo ao ar livre, como parte de seu aprendizado, como mostram os pequenos estudos de Pierre Henri de Valenciennes, feitos na década de 1780, hoje presentes no Louvre.

Há exemplos de Valenciennes esboçando o mesmo tema sob diferentes condições meteorológicas, como Monet viria a fazer. Também na Inglaterra, no início do século XX, esse mesmo tipo de estudo foi realizado, como pode ser visto nos esboços a óleo de John Constable.  A diferença é que essas pequenas pinturas a óleo feitas ao ar livre não eram tidas como acabadas, tratando apenas de apontamentos sobre a luz e o ambiente que os pintores viriam a usar para fazer suas grandiosas pinturas no estúdio.  

A admiração dos artistas pelas pinturas obradas ao ar livre foi aumentando com o passar dos anos. O pintor francês Jean-Baptiste Camille Corot expôs no Salão alguns estudos exteriores, ao invés de usar composições feitas em estúdio. E Charles-François Daubigny, aluno da escola de Barbizon, começou a expor, entre as décadas de 1850 e 1860, imensas paisagens que possuíam grande parte delas trabalhada ao ar livre. Assim, tal tradição francesa antecedeu as obras ao ar livre dos impressionistas, mas não é provável que esses tenham tido ciência das tentativas anteriores que lograram êxito ao comporem obras exteriores.

Os impressionistas mostravam-se cada vez mais obstinados a compor ao ar livre, fazendo uso de telas menores. Consideravam os seus pequenos óleos, feitos ao ar livre, como obras terminadas, nas quais o que contava era a sua tendência natural e o frescor do registro da natureza. Ao criar um quadro paisagístico, primeiro buscavam por um ponto de vista que definisse de que maneira as formas que apareciam diante dos olhos deveriam interagir entre si e com os limites do quadro, embora usassem diferentes perspectivas. Monet e Cézanne gostavam das composições que não eram captadas de maneira direta, enquanto Sisley, Renoir e Pissarro optavam por uma estrutura de perspectiva simples e claramente definida.

Imagina-se que a maioria das paisagens de dimensões reduzidas, criadas e expostas pelos impressionistas na década de 1870, tenha sido totalmente pintada ao ar livre, ou ao menos em sua maior parte. Do grupo composto por eles, apenas Degas não pintou externamente. É possível também que Camille Pissarro tenha usado seu estúdio na década de 1870, quando criou grandes óleos. O fato é que a partir de 1870 a maioria das paisagens impressionistas diferenciavam-se no uso da cor das paisagens francesas pintadas anteriormente.

Os impressionistas, contudo, após 1880, passaram a compreender que as pinturas feitas ao ar livre eram muito limitantes e consistiam num paradoxo, uma vez que tais obras externas adornavam ambientes internos. Também compreenderam que a fugacidade dos efeitos da luz impossibilitava-os de fazer um registro real e imediato do que viam. Em razão disso passaram a trilhar caminhos diferentes. Renoir, nos seus últimos anos de vida, passou a usar pequenos esboços feitos ao ar livre para trabalhar em seu estúdio. Pissarro voltou ao trabalho no estúdio. Embora Monet desse a impressão de que seu trabalho continuava sendo executado totalmente ao ar livre, suas correspondências provavam o contrário, ou seja, ele usava o estúdio para dar acabamento às suas telas. A partir da década de 1890 ele revisou a maior parte de sua obra na quietude de seu estúdio.

Os paisagistas impressionistas não se ativeram apenas aos temas declaradamente modernos. Também pintaram paisagens que deixavam evidente o trabalho humano (estradas, pontes, campos, aldeias, etc). Monet e Cézane retrataram a natureza em seus aspectos mais rústico (montanhas e rochas). Monet também se viu atraído pelas forças bravias dos elementos (neve e gelo, mar e vento contra as escarpas), mostrando a insignificância do homem diante das forças da natureza.

O Impressionismo foi o movimento artístico que – durante a história da arte até então – que mais valorizou o trabalho ao ar livre. Os paisagistas impressionistas foram responsáveis por trazer consigo uma utilização livre, espontânea e sincera, mostrando as diferentes texturas da natureza e destacando o valor de cada pincelada.

Fontes de pesquisa
Tudo sobre arte/ Editora Sextante
Manual compacto de arte/ Editora Rideel
A história da arte/ E. H. Gombrich
História da arte/ Folio
Arte/ Publifolha

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 Autoria de Lu Dias Carvalho

 O Impressionismo — movimento artístico que pertenceu ao período situado entre 1860 e 1890 — teve origem na união de um grupo de artistas com ideias afins que se reuniam nos cursos de arte e nos cafés de Paris no início na década de 1860. A esse grupo juntaram-se outros alunos entusiasmados com as novas concepções artísticas, ficando o grupo conhecido posteriormente como “os impressionistas”. O que interessava a esses pintores era retratar a vida moderna como a viam num determinado instante, ou seja, buscavam a captura da impressão do momento no qual estavam presentes os fugitivos efeitos da luz solar, ao incidir sobre os objetos e a paisagem, ficando as figuras sem contornos nítidos. Ao pintar sob tais condições, suas obras pareciam inacabadas sob o olhar do século XIX, ainda afeito ao academicismo.

A pintura impressionista era tradicionalmente apresentada como totalmente casual e desordenada na composição. Quanto à evolução do plano cromático vista nos quadros impressionistas, essa jamais foi teórica ou científica. Embora se mostrasse aparentemente informal, a arte impressionista possuía uma tentativa decidida de mostrar a percepção instantânea que o artista concebeu do mundo que o rodeava. Os objetivos dos artistas impressionistas eram definidos em termos pictóricos, sem nenhum outro compromisso social. Desejavam apenas retratar, através da pintura, as sensações que sentiam diante da natureza, como escreveu Claude Monet: “Faço o que considero melhor para expressar o que experimento diante da natureza, para imprimir minhas sensações”.

As pinturas impressionistas, ao serem apresentadas na década de 1870 ao júri responsável pela escolha das obras a serem expostas no Salão de Paris, eram recebidas com desdém, uma vez que não representavam as superfícies lisas com pinceladas invisíveis como as exigidas pelo Salão oficial, mas traziam cores fortes e ousadas e suas pinceladas eram soltas e visíveis. As cenas pintadas eram tidas como extravagantes, radicais ou impróprias (paisagens de Paris, bailarinas atando sapatilhas, lavadeiras e passadeiras trabalhando, etc.). Mais uma vez um estilo de arte posicionava-se contra a influência exercida pela arte acadêmica em que predominavam os temas históricos, religiosos e mitológicos.

Por ocasião da primeira exposição independente organizada pelo grupo de impressionistas em 1874 — artistas descontentes com os caminhos da pintura, com a postura intransigente do Salão oficial e também na busca por um meio que os levasse a conseguir visibilidade e saída para a venda de suas obras —, o pintor Claude Monet expôs uma marinha que tinha por título “Impressão, Sol Nascente” (ver quadro ilustrativo acima). O crítico Louis Leroy ali presente, como uma forma de insulto, cunhou o termo “impressionista” num artigo que se intitulava “A Exposição dos Impressionistas”, no qual escreveu: “Impressão… qualquer papel de parede é mais bem acabado do que esta marinha!”. Aos artistas envolvidos com a exposição não agradaram as críticas recebidas e tampouco o título de “impressionistas”, mas o que havia nascido como uma crítica desdenhosa acabou por se transformar no nome de um dos movimentos mais significativos do século XIX.

As gravuras japonesas (ukiyo-e) que apareceram em Paris na década de 1860 serviram como inspiração para o grupo de impressionistas. Elas traziam com simplicidade cenas da vida diária em cores puras e brilhantes, possuíam um traçado simples e composições dinâmicas, muitas vezes descentralizadas, sendo que as figuras mostradas em primeiro plano podiam aparecer cortadas pela borda dos quadros. Havia também uma atitude de despreocupação no que diz respeito às leis da perspectiva linear, totalmente diferente da europeia, na definição do espaço.

O colorido das estampas japonesas, principalmente as de Ando Horishige, descobertas na Paris da década de 1860, contribuíram para reforçar o uso de planos simples de cores justapostas, contudo, não foi por si só responsável por criar a técnica de cor impressionista. Os próprios artistas impressionistas foram os principais responsáveis, ao fazer o estudo da natureza. Eles chegaram aos efeitos dos contrastes da cor através da própria experiência que ganharam ao trabalhar em com contato estreito com a natureza.

Embora nem todos os estudiosos da arte aceitem, a fotografia também é vista como outra fonte de inspiração para o movimento impressionista, como mostram as bailarinas de Edgar Degas que, segundo alguns, são inspiradas nas imagens congeladas das fotografias de Eadweard Muybridge. Alguns estudiosos, no entanto, deduzem que os efeitos instantâneos captados pela fotografia quase nada têm a ver com o trabalho de Degas, dono de um planejamento detalhado, com efeitos de assimetria estudada — o que já fazia antes da popularização dos recursos da fotografia.  

Através de suas câmaras portáteis, os fotógrafos aprisionavam o movimento na forma de borrões. As composições não eram convencionais, podendo seguir uma ordem incerta, com primeiros planos vazios e com cortes incomuns. As primeiras fotos em movimento, mostrando como as pessoas e os animais se movimentavam foram impactantes para os impressionistas, principalmente quando fotografavam cenas de corridas de cavalo.

Mesmo nutrindo interesses comuns, nem todos os artistas impressionistas foram fieis aos princípios da escola e, assim, podem ser definidos alguns deles: Monet foi o mais fiel com sua temática moderna e compromisso com a captura da impressão visual originadas pela fugacidade dos efeitos de luz; Sisley possuía uma temática mais específica, direcionada às paisagens; Degas estava voltado para o desenho e a pintura de interiores, criando suas obras no estúdio; Pissarro mostrou sua predileção pelas cenas rurais. No que diz respeito às pinturas das impressionistas Morisot e Mary Stevenson Cassat, essas retratavam mulheres em ambientes domésticos.

O Impressionismo era essencialmente uma nova forma de pintar, contudo Degas e Renoir também criaram esculturas. Escultores contemporâneos também foram influenciados pelo Impressionismo, como Medardo Rosso e Auguste Rodin que se negaram a aceitar a precisão e o idealismo da escultura acadêmica. Embora o círculo impressionista tenha se desfeito no final da década de 1880, a sua influência foi grande e duradoura. Mesmo tendo atingido o seu auge na França, o Impressionismo propagou-se por todo o Ocidente, ainda que nunca tenha chegado a ser uma escola no sentido exato da palavra.

Os impressionistas adotaram diferentes caminhos em relação à técnica depois de 1880, resumindo-se a tentativas de colocar em evidência com o pincel certas características da superfície da composição, mas conservaram a mais importante de todas as inovações: deixar as pinceladas individuais bem visíveis sobre a superfície pictórica. É certo que a maior parte das obras impressionistas foram criadas em óleo sobre tela, contudo, muitos dos artistas, buscaram experimentar outros meios, como aconteceu com o pastel, principal meio utilizado por Degas a partir do final da década de 1870 e com Cézanne ao usar a aquarela.

O Impressionismo, em termos gerais, é fundamentalmente um estilo pictórico, mas numa análise mais apurada, os artistas impressionistas estiveram ligados ao período do naturalismo, ao se preocupar apenas em fazer um registro de suas experiências e das cenas relativas ao mundo que os cercava. Embora o grupo de impressionistas convivesse com escritores e pessoas da intelectualidade, não se pode dizer que a pintura impressionista carregue algo de literário. O que lhe interessava era retratar o mundo em que vivia com os seus pinceis, fazendo uso da forma e da cor. Embora o Impressionismo tenha surgido, de acordo com as convenções da época, como uma arte radical e revolucionária quanto à técnica e ao tema, não se pode dizer que seus artistas pleiteassem ideias políticas revolucionárias.  Isso não significa que eles não fossem conscientes das divisões sociais vigentes, mas simplesmente retratavam-nas objetiva e desapaixonadamente.

Ao não querer depender das exposições patrocinadas oficialmente, nas quais um júri escolhia as obras que lhe agradava, os impressionistas foram abrindo caminho para os outros grupos que viriam, quer através de exposições coletivas menores quer através de mostras individuais montadas por marchands. As descobertas feitas pelo movimento impressionista foram importantes para que outras surgissem no campo da pintura. Contribuiu também para que ruísse a ideia de que um quadro deveria ser grande e possuir um acabamento perfeito, ao dar lugar a uma pintura mais informal que expressasse a personalidade do artista. Vários movimentos da arte em território francês abraçaram diversas características dos impressionistas, a exemplo dos fauvistas, neoimpressionistas, cubistas, etc.

Fontes de pesquisa
Tudo sobre arte/ Editora Sextante
Manual compacto de arte/ Editora Rideel
A história da arte/ E. H. Gombrich
História da arte/ Folio
Arte/ Publifolha

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Na nossa viagem pela História da Arte passamos por diferentes épocas da história da humanidade: Pré-História (Período Paleolítico/ Período Neolítico/ Idade dos Metais), Antiguidade, quando nos defrontamos com a arte do Mundo Antigo (Egito/ Grécia/ Roma) e a Arte Bizantina. Na Idade Média tivemos contato com dois importantes estilos: Românico e Gótico. Na Idade Moderna travamos contato com os seguintes estilos: Renascimento, Maneirismo, Barroco e Rococó. Adentramos na Idade Contemporânea — esta em que vivemos, iniciada no século XVIII, continuando até os nossos dias —, responsável por um grande leque de estilos. Já vimos: Neoclassicismo, Romantismo, Realismo e agora nos embrenhamos na história belíssima do Impressionismo.

Na segunda metade do século XX um grupo de artistas revoltou-se com o excesso de temas históricos e o refinado acabamento que o Salão de Paris exigia, excluindo suas obras da exposição do Salão Oficial. O que interessava a esses pintores era retratar a vida moderna como a viam num determinado instante, a captura da impressão do momento no qual estavam presentes os fugitivos efeitos da luz solar. O contato entre eles teve início na década de 1860. Claude Monet conheceu Camille Pissarro por volta de 1860.  Alfred Sisley, Frédéric Bazille e Claude Monet conheceram-se em 1862 e Paul Cézanne passou a relacionar-se com o grupo por volta de 1863, ano em que o Salon des Refusés (Salão dos Recusados) expôs os quadros recusados pelo Salão oficial. Por sua vez, Edgar Degas e Édouard Manet vinham travando contato com o resto dos pintores desde finais da década de 1860. Eles se reuniam no Café Guerbois, onde trocavam ideias relativas à arte vigente. Seus quadros foram aceitos até o ano de 1870 pelo Salão oficial, angariando um relativo êxito, mas, após essa data, o júri passou a não os admitir com muita frequência.  

Claude Monet e Bazille tinham como projeto a realização de uma exposição independente que acabou não sucedendo, mas foi o germe para a que viria a acontecer anos depois. Veio a guerra franco-prussiana que desmanchou o grupo em 1870. Claude Monet e Camille Pissarro voltaram de Londres em 1871, onde se exilaram, mas não contavam mais com a presença de Frédéric Bazille que havia morrido na frente de batalha. O grupo resolveu deixar o Salão oficial, com exceção de Édouard Manet que ali continuou a expor seus trabalhos regularmente. As exposições independentes do grupo aconteceram entre os anos de 1874 a 1886. Tinham como objetivo encontrar uma saída para suas obras que se viam à margem do Salão oficial. Dentre os participantes da primeira exposição encontravam-se: Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Paul Cézanne e Berthe Morisot. Esses sete artistas, responsáveis por realizar a primeira exposição em 1874, junto a Édouard Manet e a Edgar Degas (ainda que esses dois em razão de seus métodos e técnicas se mostrassem mais distantes do grupo) são tidos como os mais importantes pintores impressionistas.

Embora esse grupo de impressionistas tivesse como foco as exposições independentes, não significava que carregassem os mesmos ideais artísticos ou as mesmas concepções. Os objetivos artísticos e as ideias sobre a existência das exposições foram ficando cada vez mais diferenciados, como indica a mostra de 1886, a última delas, na qual se encontravam, como participantes do grupo inicial, apenas Edgar Degas, Camille Pissarro e Berthe Morisot. Os demais eram todos artistas novos, como Paul Gauguin, Georges Seurat e Paul Signac. As duas impressionistas mais conhecidas são a francesa Berthe Marie Pauline Morisot e a estadunidense Mary Stevenson Cassat que retrataram mulheres em ambientes domésticos, pois damas “respeitáveis” não podiam ter o mesmo comportamento dos homens à época. Esses podiam sair livremente a pintar cenas da vida contemporânea pelos campos e parques da cidade.

Os artistas impressionistas inspiravam-se no temperamento realista de Gustave Courbet e de seus seguidores, assim como nas paisagens em plein air (ar livre) dos pintores da Escola de Barbizon — Theodore Rousseau, Charles-François Daubigny e Jean-Baptiste-Camile Corot —, só que esses, excetuando Daubigny, acabavam suas pinturas no estúdio, o que, para os pintores impressionistas como Monet, Sisley, Renoir e Bazille — pelo menos no início do movimento — era totalmente impróprio. O poeta e teórico da arte francesa Charles-Pierre Baudelaire, já na década de 1840, solicitava aos artistas que refletissem sobre o tema do “heroísmo da vida moderna”. E Eugène Boudin, um dos mais interessantes pintores precursores do Impressionismo, escreveu em 1868 que “queria encontrar uma maneira de tornar aceitáveis os homens com casacos e as mulheres com impermeáveis, pois os burgueses que caminham pelo quebra-mar para o poente têm o mesmo direito que os camponeses de ser retratados nos quadros”.

Monet e Renoir passaram a retratar os passatempos suburbanos dos burgueses, a classe média passeando e divertindo-se pelos parques e campos dos arredores cidade parisiense. Pissarro enveredou-se pelos povoados dos arredores de Paris, interessando-se pelos camponeses que ali trabalhavam. Manet, Monet e Pissarro também representaram a temática da estação de trem e os trens. Durante a década de 1870, Renoir, Degas e Manet agregaram a seu trabalho outros temas da vida moderna: o mundo dos entretenimentos da cidade — da ópera ao café da classe trabalhadora. Degas, por sua vez, foi encantado pelo balé, através do qual externava os sentimentos dos bailarinos e também o entrelaçamento intrincado das figuras.  O nu feminino também foi retratado pelos impressionistas.

Muitos artistas que compunham o grupo de impressionistas continuaram envoltos por uma grande amizade, principalmente Claude Monet, visto como o pai dos impressionistas, Pierre Auguste Renoir e Camille Pissarro, no entanto, no que diz respeito ao trabalho artístico, começaram a tomar caminhos diferentes, como é comum acontecer na história da Arte. Mesmo que o círculo impressionista tenha se desfeito no final da década de 1880, a sua influência foi grande e duradoura. Mesmo tendo atingido o seu auge na França, o Impressionismo propagou-se por todo o Ocidente, ainda que nunca tenha chegado a ser uma escola no sentido exato da palavra. O Impressionismo em termos gerais é fundamentalmente um estilo pictórico.

Fontes de pesquisa
Tudo sobre arte/ Editora Sextante
Manual compacto de arte/ Editora Rideel
A história da arte/ E. H. Gombrich
História da arte/ Folio
Arte/ Publifolha

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O pintor, caricaturista, escultor, jornalista e professor Belmiro de Almeida (1858-1935) nasceu na cidade do Serro em Minas Gerais e morreu em Paris, França, aos 77 anos de idade. O artista iniciou seus estudos artísticos no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro, indo depois para a Academia Imperial de Belas Artes na mesma cidade. Teve como professores Agostinho José da Mota, Zeferino da Costa e Souza Lobo. Ao formar-se na Academia Imperial de Belas Artes, o jovem passou a expor suas obras no Brasil e na Europa. Inicialmente optou pela caricatura, sendo um importante colaborador dos jornais cariocas. Trabalhou também como ilustrador. Viajou por conta própria, contando com a ajuda de amigos para se manter em Paris e Roma, permanecendo cerca de cinco anos no estrangeiro. Segundo o escritor e historiador da arte Rafael Cardoso, “o artista mineiro foi “uma das figuras mais interessantes das artes plásticas durante as quatro primeiras décadas da República”. Era um artista completo e de grande conhecimento cultural, tendo legado às futuras gerações uma obra rica e variada. É uma pena que não tenha tido o reconhecimento merecido pela posteridade.

A composição denominada Caipira Picando Fumo é uma das obras mais marcantes do pintor brasileiro Almeida Júnior que, segundo alguns, foi o responsável por introduzir, pela primeira vez, o homem brasileiro na pintura. Toda a sua obra está repleta de tipos que nos são bastante comuns.

O caipira é a única figura humana a fazer parte da pintura em estudo. Trata-se de um homem de meia idade, forte e de rosto marcado pela dureza da vida. Usa uma camisa branca de mangas compridas que vão até o punho, com uma abertura em forma de V no peito, e uma calça amarronzada já gasta pelo tempo, com a barra dobrada quase no meio da perna. Chama a atenção a parte visível da ceroula, comum àquela época, ultrapassando a perna esquerda da calça.

O homem encontra-se calmamente sentando sobre toras de madeira em frente ao paiol feito de taipa, absorto, picando seu pedaço de fumo com uma enorme faca em diagonal, usada para os mais diferentes serviços. Ele já preparou a palha de milho que se encontra atrás de sua orelha esquerda, para receber o fumo picado para o cigarro. No chão em volta dele é possível ver um monte de palhas espalhadas.

O pintor destaca com grande realismo as mãos ásperas e os pés toscos do caipira, com suas unhas sujas de barro, assim como a calça, assinalando a vida dura que leva no trato com a terra. Atrás dele vê-se uma porta entreaberta e sombreada. À frente uma árvore reflete sua sombra no chão. Parece ser este um momento de grande prazer para o homem da terra, tipo popular em Itu, apelidado de “Quatro Paus”.

Ficha técnica
Ano: 1893
Dimensões: 202 x 141 cm
Técnica: óleo sobre tela
Localização: Acervo da Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brasil

Fonte de pesquisa
Almeida Júnior/ Coleção Folha

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Autoria de Lu Dias Carvalho                                                              (Clique na imagem para ampliá-la.)

Manet tem um grande talento, um talento que resistirá. Mas ele é frágil. Pareceu desolado e atordoado pelo choque. O que me impressiona é a alegria de todos os idiotas que acreditam que ele foi vencido. (Baudelaire)

Basta ser diferente dos outros, pensar com a própria cabeça, para se tornar um monstro. Você é acusado de ignorar a sua arte, fugir do senso comum, precisamente porque a ciência de seus olhos, o impulso de seu temperamento, levam-no a efeitos especiais. É só não seguir o córrego largo da mediocridade que os tolos apedrejam-no, tratando-o como um louco. (Émile Zola)

O pintor francês Édouard Manet (1832-1883) nasceu em Paris, numa família de classe alta, sendo seu pai juiz e sua mãe filha de um diplomata francês. Era o mais velho dos três irmãos: Eugène que viria a se casar com a pintora Berthe Marisot, e Gustave. Embora tivesse tido uma criação muito rigorosa, encontrando a oposição de seu pai em relação à carreira de artista, seu tio Édouard Fournier, irmão de sua mãe, levava-o ao Louvre, para conhecer os grandes mestres da pintura e da escultura. Para muitos as suas obras situam-se entre o realismo e o impressionismo. Manet esteve no Brasil quando era um simples marinheiro da Escola Naval, encantando-se com o exotismo do país, mas abominando a escravidão.

Nenhuma obra de arte causou tanto furor ao ser apresentada no Salão de Paris em 1865 como a Olímpia de Manet, numa reinterpretação de Vênus de Urbino do mestre Ticiano, em que a modelo é claramente vista como uma meretriz parisiense, embora adote uma pose semelhante à de Vênus no quadro citado. Seria Olímpia uma prostitua ou uma Vênus de sua época? O que choca a sociedade moralista e hipócrita é a falta de idealização do pintor, ao retratar a personagem nua, pois a Vênus moderna mostra-se dentro de um quarto de bordel.

Olímpia encontra-se num ambiente pequeno e contemporâneo, ao contrário da idealizada Vênus de Urbino (texto presente no nosso blogue), deitada sobre um xale de seda decorado com flores em suas margens. Ela pousa o braço direito sobre uma almofada branca e traz a cabeça levantada, olhando para o observador desdenhosamente. O painel rosado e as cortinas escuras impedem de ver o que há por trás, obrigando o observador a direcionar seu olhar para a mulher nua e sua cama desarrumada. Pode-se imaginar que algum cliente esteja à espera dos prazeres oferecidos pela Vênus mundana de Manet.

Críticos e público sentiram-se ofendidos com a tela do pintor. Ele foi julgado impiedosamente por sua irreverência, ao mostrar uma mortal comum e não uma ninfa clássica ou uma figura divina nua. Manet pagou um alto preço por confrontar a hipocrisia da época. A pintura também não agradou às mulheres presentes no Salão de Paris de 1865 que a consideraram imoral e uma afronta à sociedade. E pior, a composição não seguia os cânones do Salão, sendo vista apenas como a apresentação de uma mulher despida.

Não significa que a tela de Manet fosse incomum à época. Nada disso! Composições mostrando ninfas e deusas antigas nuas permeavam as exposições do Salão de Paris, sendo vistas com grande admiração pelos críticos e público. Contudo, Olímpia fugia à regra, pois era moderna, real e não trazia a beleza clássica tão inacessível e admirada por críticos e público de então. Seu corpo não era escultórico como as anteriormente mostradas e nem tinha as formas arredondadas idealizadas pelas convenções da época. Até o tom de sua pele foi criticado.

A única veste usada por Olímpia é uma fita preta em volta do pescoço em forma de laço com uma pedra no meio, o que torna sua nudez ainda mais aparente. Ostenta um penteado da época, arrematado por uma enorme orquídea rosa, símbolo de sexualidade. Traz brincos de pedras nas orelhas, uma pulseira no braço direito e chinelos de fio de seda nos pés que atestam a sua condição de prostituta elegante. O chinelo caído do pé direito, embora seja um mero detalhe no quadro, simbolizava a perda da inocência, segundo a simbologia convencional da época, atiçando ainda mais as críticas à obra.

A mão esquerda cobrindo a genitália também não agradou à crítica e ao público, pois, embora esta posição fosse comum nas composições clássicas, onde o gesto era visto como um símbolo do recato, na obra de Manet o olhar direto e franco de Olímpia não traduz retraimento ou decoro, mas indica desafio, indiferença. Sua figura expele luminosidade e sua pele branca sobressai diante do fundo escuro que também ressalta o rosa pálido do vestido da criada negra, usando um lenço avermelhado e brincos pendentes da mesma cor.

A criada, de pé, à esquerda de Olímpia, aguarda o momento preciso para lhe entregar um buquê de flores embrulhado em papel de seda. Possivelmente trata-se de um mimo de algum admirador que aguarda seus favores, segundo a interpretação da crítica. Em relação à escrava negra que se apresenta totalmente vestida, o que acentua ainda mais a nudez da patroa, discute-se ainda, nos meios acadêmicos, como sendo ela a personagem principal da composição.

Olímpia mostra-se indiferente à presença da mulher, sendo o distanciamento físico entre as duas personagens visto como um sinal da distância afetiva entre ambas. E o buquê de flores, símbolo clássico da sexualidade feminina naquele tempo, enfatiza a carga erótica da cena, como queriam alguns. A colcha (ou xale) de seda sobre o divã também é adornada com flores. Pode ser que o pintor, que lutava para romper com o convencional, não pensou em nada do que foi apregoado pelos críticos. Mas quem pode refrear a maldade presente na imaginação humana?

Enquanto Ticiano apresenta na sua composição um cãozinho dormindo, Manet coloca um gatinho preto aos pés de Olímpia, que se transforma no principal motivo de chacotas, aparecendo nas caricaturas que zombam do pintor. Manet, porém, transforma o bichinho num talismã, apresentando-o em inúmeras telas. O artista foi apelidado sarcasticamente de “o pintor dos gatos”. Alguns críticos acham que a presença do bichinho, fonte de superstição, “pode” indicar que a cena era vista como tabu. O que pode ser imaginado, mas não provado.

Para compor sua tela Olímpia, Manet inspirou-se em duas obras conhecidas: a Vênus de Urbino, obra de Ticiano (Ticiano – A VÊNUS DE URBINO), e a Maja Desnuda (Goya – A MAJA NUA), obra do pintor Goya. Ele levou dois anos para pintar sua tela e tinha o seu trabalho em alto preço, por isso, ficou arrasado com as críticas feitas a ela, tanto é que a tela permaneceu em seu ateliê até sua morte.

O impressionista Claude Monet foi responsável em 1890 por comandar uma campanha para que a tela Olímpia fosse comprada e doada para coleções públicas. Após 17 anos de luta a composição ganhou um lugar no Louvre, ao lado do quadro Grande Odalisca de Ingres.

Curiosidades

• Victorine-Louise Meurent, modelo favorita de Manet, é a mesma modelo de Almoço na Relva ( Manet – O ALMOÇO NA RELVA ), tela do pintor que também foi alvo de críticas, na qual ela também se apresenta nua. Foi justamente seu olhar penetrante e firme que chocou o público, achando que se tratava de uma prostituta despudorada e fria.

• Victorine também era pintora e muitas de suas obras foram mostradas no Salão.

Ficha técnica
Ano: 1863
Técnica: óleo em tela
Dimensões: 130,5 x 190 cm
Localização: Museu d`Orsay, Paris, França

Fontes de pesquisa
Manet/ Abril Coleções
Tudo sobre arte/ Editora Sextante
Grandes pinturas/ Publifolha
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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