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Autoria de Lu Dias Carvalho

O francês Honoré-Victorien Daumier (1808-1879) foi caricaturista, chargista, ilustrador e pintor. É tido hoje como um dos mestres da litografia e um dos pioneiros do Naturalismo. A sua excelência na caricatura levou-o a receber o apelido, por parte do escritor Balzac, de “Michelangelo da Caricatura”. Seu pai era um mestre em vitrais. Ainda adolescente Daumier começou trabalhando como ajudante e despachante, vindo em seguida a trabalhar numa livraria. Nessa época ele começou a se interessar pelas artes plásticas. Entrou aos 14 anos de idade para o atelier de Alexandre Lenoir, um antigo aluno do neoclassicista Jacques-Louis David. Também estudou escultura antiga no Louvre e as obras de Ticiano e Peter Paul Rubens. Suas primeiras litografias remetem a 1828, quando aprendeu essa nova técnica.

Daumier era um adepto da República, o que o levou a interessar-se pela caricatura política. Foi levado à prisão por causa da caricatura intitulada Gargântua, ridicularizando o rei Luís Felipe, tendo ficado prisioneiro durante seis meses no ano de 1831. Para passar o tempo na cadeia, ele retratava seus companheiros de presídio. Assim que ganhou liberdade foi contratado pelo jornal “La Caricature”, responsável por publicar as suas famosas “máscaras” (sátiras e caricaturas de políticos). Com o surgimento de uma lei contra a liberdade de expressão em 1835, ele optou por um jornal envolvido com a crítica social – “Le Chavari”.

O artista chamava a atenção com as suas caricaturas sobre a pequena burguesia parisiense. Era também duro na exposição das classes altas. Sua crítica ferina era direcionada às restrições legais, à monarquia, ao Parlamento, à Igreja, à Academia e ao Classicismo. Nutria simpatia apenas pelas classes baixas, compadecido com seu eterno sofrimento. Daumier foi um dos mais renomados litógrafos, sendo conhecidas mais de 4.000 litografias criadas por ele, nas quais reproduziu sua visão crítica, às vezes satírica, às vezes direta e certeira, sobre os acontecimentos de sua época, num estilo dinâmico e jovial. Aperfeiçoou a linguagem da charge e da caricatura, caracterizada pela crítica social e política.

O artista começou a trabalhar com pintura quando estava com 37 anos, campo em que também se destacou. No começo valeu-se de temas literários retirados das obras de Cervantes e Molière, assim como do cotidiano das pessoas comuns, vindo a tornar-se o maior representante do Realismo Social na pintura. Sua invejável capacidade de síntese na representação de suas figuras não foi conseguida por nenhum outro pintor do século XIX. Suas pinceladas largas davam vida a figuras com suas monumentais silhuetas. Sua paleta de cores baseava-se nos tons ocre e terra, cujos temas mostram artistas em desgraça e crianças na miséria, algo que o mobilizava de maneira singular. No entanto, em seus quadros, ao contrário das litografias, seus personagens estavam imbuídos de grande dignidade humana.

O artista ficou maravilhado com as obras sobre “Dom Quixote” nos seus últimos anos de vida, quando enfrentava a velhice e a cegueira. Criou cerca de 25 pinturas a óleo, aquarelas e desenhos a carvão para ilustrar a obra de Miguel de Cervantes. Compôs uma série inteira sobre o tema. Ele era particularmente fascinado pelos personagens de Dom Quixote, o homem com delírios de grandeza, e Sancho Pança, seu ajudante simples, mas leal. Raramente acrescentava outros personagens em seus desenhos.

Daumier começou pintando cenas com Dom Quixote e Sancho Pança viajando e, com o tempo, foi abandonando as referências específicas ao livro e transformou-se em Dom Quixote e Sancho Pança caminhando sozinhos em uma estrada aberta. Ao final, passou a criar apenas a figura de Dom Quixote, fato que, na visão dos historiadores, não significa a eliminação de Sancho Pança, mas a fusão dos dois personagens em apenas um, o que lhe possibilitou expressar as duas facetas de sua personalidade: o cartunista sarcástico e o pintor sensível. Seu crescente problema de visão fez com que as imagens fossem se tornando cada vez menos detalhadas.

Durante sua vida Honoré Daumier quase não recebeu críticas por suas pinturas, tendo sua arte ganhado pouca atenção. Embora tentasse viver como escultor e pintor, jamais conseguiu seu intento, tendo sempre que recorrer à litografia para sobreviver. Morreu na miserabilidade e quase cego aos 71 anos de idade, numa casa que lhe fora dada por Jean-Baptiste Camille Corot, pintor realista francês. Segundo os estudiosos do artista e sua obra, ele era também marginalizado, por isso via na triste figura do cavaleiro andante (Dom Quixote) sua própria pessoa. Além disso, sua arte estava muito além de seu tempo, impossível de ser compreendida. Ele só foi reconhecido e apreciado, tanto pelo domínio de sua técnica quanto pela profundidade de visão,  após a sua morte.

Fontes de pesquisa
Obras-primas da arte ocidental/ Taschen
https://www-artble-com.translate.goog/artists/honore_daumier/paintings/don_quixote?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=pt&_x_tr_hl=pt-BR&_x_tr_pto=nui,sc

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição denominada Retrato do Comerciante Georg Gisze é uma obra-prima do pintor renascentista alemão Hans Holbein, o Moço (c.1497-1543), que se especializou em retratos. Aprendeu sua arte com o pai, Hans Holbein, o Velho, sendo posteriormente aceito na Guilda dos Pintores em Basileia. Embora tenha também pintado murais, retábulos e iluminuras, tinha predileção pelo retratismo, sendo exímio nos pormenores de sua obra. O artista é tido como um dos maiores expoentes do retratismo de seu tempo. Com esta composição, um dos mais belos retratos da pintura alemã, ele mostra o ápice de seu desenvolvimento artístico, ao apresentar diferentes texturas,  metal e tecido e as variantes do reflexo de luz no vidro.

Na composição acima o pintor retrata o comerciante George Gisze em seu escritório na cidade de Londres. O retratado encontra-se próximo à sua escrivaninha, abrindo uma carta. É possível ler a escrita externa: “Dem erszamen Jergen Giszte tu Lunden em Engeland Mynem broder to handen” (Para entregar ao meu irmão, o respeitável Jergen Gisze, em Londres, Inglaterra). O retrato de Gisze foi feito quando ele tinha 34 anos, como pode ser verificado através do papel na parede posterior: “Anno aetatis suae XXXIII”.  O pintor, por sua vez, tinha mais ou menos a mesma idade.

Gisze é retratado no canto da sala, praticamente imprensado, de modo que seu cotovelo esquerdo parece bater na divisória ao lado. Ele veste uma camisa branca, tendo por cima um gibão de seda avermelhado e acima desse uma jaqueta preta, aberta acima dos cotovelos. Traz no dedo indicador da mão esquerda um anel, sendo que dois outros estão dependurados na prateleira de cima. O artista deixa em destaque os dois braços, a fim de conferir amplitude e volume ao comerciante que projeta sua sombra na parede posterior. Vê-se aí um contraste entre as delimitações do espaço físico e o volume das roupas bufantes do moço.

No cinto de Gisze vê-se um molho de chaves e também sob a prateleira direita. Um belo tecido oriental reveste a mesa, como se houvesse a intenção de mostrar pompa. Também decoram a escrivaninha um vaso de flores e um distribuidor esférico de barbante ricamente adornado. Ali também se encontra um relógio de caixa, apresentando um único ponteiro no mostrador superior, isso porque os pequenos relógios de bolso e de mesa à época eram acionados por molas de aço, não sendo muito precisos. As pessoas orientavam-se pelas badaladas dos relógios de igrejas e das prefeituras, que trabalhavam movidos por pesos.

Holbein deixa muitas correspondências à vista na composição. Acontece que naquela época, a correspondência comercial era guardada em cestos e pastas, mas aquelas que o destinatário precisava ter em mãos eram colocadas entre as ripas da parede feita de tábuas, como vemos na pintura. O vaso e as flores são os únicos elementos do retrato que não têm relação com a profissão de comerciante, numa demonstração da capacidade do pintor. Também compõem o cenário um anel de sinete, um carimbo manual, ao lado do relógio de pêndulo, estampado em cera ou lacre. Na prateleira à esquerda vê-se dependurado outro selo, mais ricamente adornado.

Sobre a mesa estão penas, uma caixa com moedas e barras de cera para lacrar. Ao lado está um recipiente com pequeninos orifícios para despejar areia fina sobre os documentos trabalhados, fazendo as vezes de um mata-borrão. Ali também estão tesouras, objetos utilizados nos contratos, pois o texto era escrito duas vezes na mesma folha de papel, embaixo e em cima, depois cortado, de modo que cada uma das partes ficasse com uma cópia.

Obs.: Exames radioscópicos da tela mostraram que Holbein objetivava pintar a cabeça de Gisze de frente e que mais tarde a virou de lado, embora suas pupilas continuem olhando para a frente, encarando o observador.

Ficha técnica
Ano: 1532
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 96 cm x 86 cm
Localização: Gemäldegalerie, SMPK, Berlim, Alemanha

Fontes de pesquisa
Los secretos de las obras de arte/ Editora Taschen
1000 obras-primas da pintura europeia/ Editora Konemann

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O pintor holandês Jan Steen (c.1625-1679) era filho de uma família católica rica. Seu pai era cervejeiro em Leiden.  Estudou com o mestre alemão Nicolaes Knüpfer (pintor de cenas históricas e figurativas) em Utrecht, com Adriaen van Ostade (especializado em retratar cenas bucólicas) em Harlem e com Jan van Goyen (famoso por suas paisagens) em Haia. Casou-se com Margaretha van Goyen, filha do último mestre, e com ela teve oito filhos. Com a morte de Margaretha, ele se casou com Maria van Egmont, com quem teve mais um filho. Fez parte da Guilda de São Lucas de Leiden

Jan Steen é tido como um dos mais importantes pintores holandeses do século XVII. Sua obra é vasta e variada, na qual estão inclusos trabalhos narrativos, alegóricos, paisagens — apesar de poucas — e retratos, também poucos. O seu gênero predileto eram as pinturas de gênero. É visto como um grande observador das cenas do cotidiano e o mais vivaz dentre os grandes pintores holandeses de interiores. A vida cotidiana foi um de seus principais temas.

Dono de um imenso legado, Jan Steen realizou cerca de 800 pinturas. Suas composições de cenas de gênero eram retiradas da vida popular: casamentos, batizados, bebedeiras, feiras, etc., sempre tratando as fraquezas humanas com grande humor. Muitas das cenas retratadas por ele eram tão animadas que pareciam desorganizadas. Usou membros de sua família como modelos e a si próprio, não demonstrando possuir nenhuma vaidade. Embora não tenha tido nenhum discípulo, seu trabalho foi fonte de inspiração para muitos artistas que o sucederam.

Fontes de pesquisa
1000 obras-primas da pintura europeia/ Konemann
Obras-primas da pintura ocidental/ Taschen

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