Arquivos da categoria: Pinacoteca

Pinturas de diferentes gêneros e estilos de vários museus do mundo. Descrição sobre o autor e a tela.

Correggio – NOLI ME TANGERE

Autoria de LuDiasBH

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A composição Noli me Tangere (Não me toque!) é uma obra do pintor italiano Correggio, cuja cena mostra o encontro de Cristo ressuscitado com Maria Madalena. Graças ao uso do claro-escuro, o pintor consegue repassar uma atmosfera de intenso lirismo e adoração silenciosa.Esta obra faz parte da maturidade do artista. O mesmo tema já foi pintado por outros pintores como Fran Angelico e Ticiano.

Na pintura, Maria Madalena encontra-se em campo aberto sob a luz da manhã, quando recebe a visita do Mestre, após esse ter ressuscitado. A princípio, a discípula pensa tratar-se de um jardineiro, pois tem perto de si uma enxada e uma pá. Ao reconhecer Jesus que a chama pelo nome, Maria Madalena lança-se no chão, emocionada e, ao ouvir sua voz para que não o toque, ela retrocede, surpresa. (João 20: 14-18): “Noli me tangere!” (Não me toque!).

Há no rosto de Maria Madalena e no gestual de seu corpo uma grande emoção no encontro com Jesus Cristo. Mesmo surpresa com o pedido para não tocá-lo, ela demonstra um grande afeto pelo Mestre. Há uma profunda troca de olhares entre o Cristo ressuscitado e Madalena, ajoelhada sob o impacto da emoção. Ao fundo, descortina-se uma paisagem verdejante.

Ficha técnica
Ano: c. 1523
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 130 x 103 cm
Localização: Museu do Prado, Madri, Espanha

Fontes de pesquisa
A história da arte/ E.H. Gombrich
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann

Dürer – MADONA E O MENINO

Autoria de LuDiasBH

A composição intitulada Madona e o Menino é uma obra do pintor alemão Albrecht Dürer, que também foi gravador, ilustrador, matemático e teórico de arte e, provavelmente, o mais famoso artista do Renascimento nórdico, tendo influenciado artistas do século XVI tanto em  seu país como nos Países Baixos. Foi um dos principais propagadores das ideias do Renascimento italiano para os artistas do Norte em razão de suas viagens à Itália.

Esta obra, possivelmente dedicada à devoção privada, faz parte dos trabalhos iniciais do artista e nela fica clara a homenagem do mestre alemão ao mestre italiano Giovanni Bellini, como nós podemos observar através das funções e das colocações das duas figuras que se relacionam com o fundo através de uma paisagem. Este trabalho foi, inclusive, atribuído anteriormente a Giovanni Bellini.

A Virgem Mãe, de frente para o observador, usa um vestido azul escuro e um manto também azul, mas num tom levemente mais claro, que lhe cobre  toda a testa, deixando apenas parte das sobrancelhas de fora. Ela ocupa o canto de uma sala com paredes de delicado mármore, próxima a uma janela aberta, através da qual se vê uma distante paisagem alpina, minuciosamente retratada. Muito concentrada e com o semblante fechado, parecendo triste, ela segura firmemente seu rechonchudo Menino, de pé sobre uma almofada verde. Ambos formam uma pirâmide. Atrás dos dois personagens desce uma cortina vermelha que contrasta com a cor das vestes de Maria.

A criança, nua, traz o rostinho tristonho voltado para a esquerda e o braço direito, abaixado, segurando uma maçã com o punho dobrado e a mão voltada para trás, como se escondesse a fruta, simbolicamente responsável pelo pecado da humanidade que, por isso, irá passar por grande sofrimento. A mão direita do Menino toca no decote do vestido da Mãe e recebe o peso da cabeça. O enchimento vermelho da almofada, assim como os enfeites nas pontas, pode simbolizar o sangue da Paixão de Cristo.

A paisagem arborizada traz um castelo no alto de um rochedo. Um soldado a cavalo é visto dentro da propriedade, na parte de baixo, a fazer a guarda do lugar. Um muro e um portão fechado separa a parte interna do domínio da externa. Do lado de fora vê-se uma pequena figura, parecida com um monge com seu cajado, em direção contrária à do lugar.

Na parte inferior da pintura, à esquerda, são vistas as armas da família Hallery e, à direita, as da família Koberger, ambas importantes em Nuremberg. Há quem diga que esta pintura foi encomendada por Wolf III Haller que veio a casar-se com Ursula Koberger. No verso deste painel existe uma segunda pintura, denominada “Ló e suas Filhas”, o que faz supor tratar-se de um díptico.

Ficha técnica
Ano: antes de 1505
Técnica: óleo no painel
Dimensões: 50 x 40 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
https://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/art-object-page.41598.html
http://www.wga.hu/html_m/d/durer/1/02/07haller.html

Velázquez – A BORDADEIRA

Autoria de LuDiasBH

Velázquez  […] é o artista supremo, ele não me surpreendeu, ele me encantou. (Manet)

A composição denominada A Bordadeira, também conhecida como A Costureira, é uma obra do pintor espanhol Diego Velázquez, um dos mais famosos mestres da pintura europeia do século XVII, tendo criado, sobretudo, retratos. Existe a possibilidade de que a modelo seja sua filha Francesca Velázquez del Mazo. No inventário do artista, uma de suas obras está descrita como “cabeça de uma mulher que está bordando”, o que leva a crer que seja esta e, também, que só a cabeça da modelo estivesse terminada.

Esta pintura encontra-se inacabada, se intencionalmente assim foi deixada, tinha por objetivo dar-lhe mais expressividade, como aconteceu com vários retratos do pintor.  O rosto é a única parte que parece totalmente terminada, iluminado por uma luz suave. Os braços e as mãos mostram-se esboçados, o que permite ter uma ideia do processo usado pelo artista para pintar. A tela, por exemplo, está preparada com uma base cinza. É possível notar que sua textura foi usada para criar a sombra do xale. Velázquez fez uso de uma luz delicada para criar o rosto e os seios da personagem, além de lembrar o vai e vem das mãos.

Uma jovem mulher, usando um vestido escuro com decote quadrado que lhe deixa os belos seios enfunados, encontra-se sentada, inclinada sobre seu bordado (ou costura). Seu rosto  gracioso tem bochechas rosadas. Ela traz um xale branco jogado nos ombros. Sua cabeça está modelada em luz e sombras. À sua frente vê-se um travesseiro (ou almofada) sobre o qual se debruça e descansa as mãos. Seus cabelos escuros estão presos atrás, num coque com um enfeite vermelho que contrasta com o restante das cores. Ela se mostra concentrada em seu trabalho ou em seus pensamentos.

Ficha técnica
Ano: c.1640
Técnica: óleo sobre painel
Dimensões: 74 x 60 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
https://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/art-object-page.88.html
http://www.diego-velazquez.org/the-needlewoman.jsp

Scorel – DESCANSO DURANTE A FUGA PRO EGITO

Autoria de LuDiasBH

O pintor, engenheiro e arquiteto holandês Jan van Scorel (1495 – 1562) estudou com o mestre Cornelis Willemsz, na sua oficina. Fez muitas viagens, chegando até Rodes e Roma, onde se tornou sucessor de Rafael Sanzio, ao ser nomeado pelo Papa Adriano VI, ficando responsável pela coleção papal de arte antiga. Retornou à Holanda anos mais tarde, vindo a morar em Haarlem e Utrecht. Contudo, ele voltou a viajar, chegando até à França, onde recebeu uma educação humanista. Dentre as suas obras estão, principalmente, retábulos e retratos.  Sua pintura difere-se pela riqueza das cores e por uma forma composicional nítida.

A composição denominada Descanso durante a Fuga para o Egito é uma obra maneirista do pintor, executada, provavelmente, durante sua primeira visita à Itália, ou logo após sua volta a seu país de origem. É possível notar a influência da arte renascentista italiana sobre o pintor holandês. O Menino foi copiado de Michelangelo e a massa piramidal composta pela Virgem lembra a obra “Caridade” de Andrea del Sarto. A paisagem, no relacionamento com os personagens, também contém influências da arte italiana.

A cena, que acontece ao ar livre, apresenta a Sagrada Família descansando da longa viagem que faz ao Egito, para fugir de seus perseguidores. A Virgem Maria, em primeiro plano, está sentada sobre uma rocha, com seu Menino, nu, ao colo. Ambos formam uma pirâmide. Seus cabelos dourados estão trançados e presos. Ela usa uma blusa vermelha, amarrada abaixo do seio e nas mangas, e uma saia estampada. Traz no colo uma manta colorida, onde estava enrolado o filho. A sua figura volumosa toma quase a metade da tela.

Por se tratar da fuga da Sagrada Família para o Egito, conclui-se que seja José, em segundo plano, em busca de alimento, com uma veste atípica, que deixa partes de seu corpo à vista. Três outras pessoas são vistas à distância, assim como os restos de edificações clássicas em meio à vegetação, sob um céu brumoso.

Ficha técnica
Ano: c. 1519 a 1524
Técnica: óleo sobre painel
Dimensões: 57,8 x 74,5 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Editora Könemann

Tiepolo – APOLO PERSEGUINDO DAFNE

Autoria de LuDiasBH

O pintor italiano Giovanni Battista Tiepolo (1696 – 1770) trabalhou com a ornamentação de igrejas e palácios da aristocracia de Veneza. Pintor renomado, cuja arte contribuiu para o engrandecimento da pintura italiana do século XVIII, fez trabalho para as cortes francesa, inglesa, espanhola e russa. Seus filhos Domenico, Lorenzo e Giovanni também eram pintores.

A composição intitulada Apolo Perseguindo Dafne é uma das obras mitológicas de Tiepolo que, como as demais, tornou-se muito popular. Ela vem diretamente das “Metamorfoses” de Ovídio, que narra a paixão de Apolo, deus da juventude e da luz, pela ninfa Dafne, filha do rio-deus Peneu e seguidora da deusa Diana. O deus Apolo apaixona-se pela ninfa, depois de ser atingido pela seta de ouro de Cupido, após irritar o pequeno deus com a sua arrogância. Em contrapartida, o deus do amor atingiu a ninfa com uma flecha de chumbo, para que essa tivesse aversão pelo apaixonado.

A cena dramática, intensa e cheia de movimentos, que se passa debaixo de um pinheiro, narra o momento em que Dafne, fugindo de Apolo, encontra seu pai. Ela lhe pede para acabar com seu sofrimento. Peneu, para proteger a filha, lança-lhe um feitiço. Embora os dois se encontrem de costas um para o outro, ele gira seu corpo para protegê-la. A ninfa começa a transformar-se numa árvore (loureiro), como mostram seus antebraços e mãos, já engalhados, e sua perna esquerda já transformada num tronco. Escondido atrás do manto branco da ninfa e de seu pai está Cupido, que observa atentamente o resultado de sua travessura. O impulso do corpo de Apollo para frente, enquanto corre, como mostra o movimento de sua perna direita, parece ser o responsável para que Dafne incline-se para trás, amedrontada.

Dafne, com seu corpo nu impregnado de luz, é modelada com grande beleza, em meio à atmosfera de uma tarde quente, numa paisagem paradisíaca. Apolo veste um manto dourado, com o Sol por trás de sua cabeça, formando um halo. Ele aponta o dedo indicador da mão direita para Dafne, enquanto traz na esquerda sua aljava. O grande pote tombado, jorrando  água, tendo o deus-rio com um braço descansando sobre ele, faz parte da iconografia de Peneus, assim como a pá e o buraco escavado no solo.

Tiepolo fez várias versões do mito Daphne e Apolo, mas este é considerado o mais dinâmico, belo e original.

Ficha técnica
Ano: c.1765/66

Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 68,5 x 87 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

https://soundcloud.com/nationalgalleryofart/440-tiepolo-aebb89fe-ee1a-4762

Gainsborough – MASTER JOHN HEATHCOTE

Autoria de LuDiasBH

A composição denominada Master John Heathcote é uma obra-prima do pintor inglês Thomas Gainsborough, em que fica patente o virtuosismo técnico alcançado por ele em sua arte. Trata-se de uma obra de sua maturidade artística e nela fica evidente a influência de Anthony van Dick, artista que ele tanto admirava.

Antes de tudo, é preciso que o leitor saiba que se trata de um retrato de um garoto e não de uma menina, em razão de sua vestimenta, comum a uma época em que meninos e meninas vestiam do mesmo jeito até os seis anos de idade.

O garotinho encontra-se em primeiro plano, ao ar livre, de frente para o observador. Seu rosto risonho e angelical apresenta olhos verdes, bochechas e lábios vermelhos. Os cabelos dourados formam cachos nas pontas. Seu vestido branco, finamente trabalhado, desce até os pés, deixando uma ponta de seu sapato vermelho à vista. Uma larga faixa de cetim azul, amarrada à cintura, forma um enorme laço à esquerda, com as pontas tocando a barra do vestido. Na mão direita traz um delicado buquê de flores miúdas.

Atrás do pequeno John Heathcote, ao fundo, desenrola-se uma paisagem simples e rústica, mas cheia de leveza.

Imaginemos, hoje, um menino sendo retratado usando um vestido decotado, laços e sapatos vermelhos e, além disso, trazendo um ramalhete de flores… Como os tempos mudam!

Ficha técnica
Ano: 1770

Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 127 x 101 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador