Autoria de LuDiasBH

O pintor holandês Johannes van der Meer, também conhecido como Jan Vermeer ou apenas Vermeer (1632–1675), embora tenha apenas 35 obras conhecidas, é tido como um dos grandes nomes da pintura holandesa, tendo sido apelidado de “a Esfinge de Delft”. Apesar de ter pertencido ao século 17, só se tornou realmente reconhecido como um grande pintor em meados do século 19. É visto hoje como o segundo pintor holandês mais importante daquele século, ficando aquém apenas de Rembrandt.  Trabalhava com esmero os efeitos da luz, a ponto de tornar-se muito abstrato em seus últimos anos de vida. Tanto é que o modo como trabalhava a luz e a sombra acabou influenciando os pintores impressionistas. Retratava a luz natural com extrema beleza, de modo que suas composições pareciam refletir luz própria. Ele nasceu em Delft numa família protestante, mas acabou convertendo-se ao catolicismo, religião de sua noiva Catharina Bolnes que era de família rica. Foi comerciante e estalajadeiro. Após morrer muito pobre, aos 43 anos de idade, a situação da família ficou tão desesperadora que Catharina, atolada em dívidas, foi obrigada a pedir falência. O pintor acabou sendo esquecido por um longo tempo. Nossa aula de hoje diz respeito a uma de suas primorosas obras, famosa em todo o mundo. Primeiramente é necessário acessar o link Vermeer – MOÇA COM BRINCO DE PÉROLA e ler o texto com muita atenção, sempre voltando a esse quando se fizer necessário.

1. A modelo delicada com seu olhar direto e os lábios entreabertos é a obra mais famosa do pintor, sendo considerada a …………. da arte holandesa.
   
   
   1. 1. Gioconda
      2. Dalila
      3.  Mona Lisa
      4.  Medeia
         
         
2. Acerca da garota que serviu de modelo para a obra não se pode afirmar que:
   
   
   1. Traz na cabeça um turbante exótico.
   2. O brilho do brinco de pérola salienta a cor clara de sua pele.
   3. Alguns críticos creem ser ela a primeira filha do pintor.
   4. Logo se saberá com certeza quem foi a garota que inspirou o artista.
      
      
3. Acerca do turbante exótico da garota é falso afirmar que:
   
   
   1. Não existe similar na pintura europeia do século 17.
   2. No século 17 as garotas não eram vistas usando turbantes.
   3. A inspiração pode ter vindo da pintura “Menino com Turbante” (M. Sweerts).
   4. Foi inspirada numa obra do artista holandês Jean Steen.
      
      
4. Vermeer pintou a parte azul do turbante da moça com a cor ultramarino natural. Acerca desse pigmento não podemos afirmar que:
   
   
   1. Era feito de lápis-lazúli esmagado.
   2. Era muito usada pelos contemporâneos do artista.
   3. À época era mais valioso do que o ouro.
   4. O azul resultante da coloração era inigualável.
      
      
5. O brinco que tanto chama a atenção do observador parece uma pérola branca. Sobre ele não podemos afirmar que:
   
   
   1. Foi feito com uma mancha branca espessa de empasto.
   2. Sobre o empasto que forma o brinco incidem raios de luz.
   3. Sua forma circular repassa a sensação de peso e volume, o que não aconteceria se ele fosse ovoide.
   4. Além de iluminar o brinco, os raios de luz também iluminam o rosto, o turbante e o colarinho branco da moça.
      
      
6. Todas as afirmações sobre a vestimenta da moça estão corretas, exceto:
   
   
   1. Usa uma veste branca por baixo, cuja gola sobressai.
   2. Por cima da veste branca usa uma peça rústica de cor ocre.
   3. Não é possível ver a parte inferior da vestimenta.
   4. O xale azul também é pintado com o pigmento lápis-lazúli.
      
      
7. Sobre o olhar da garota é possível afirmar que:
   
   
   1. Está voltado para a frente.
   2. Acompanha o observador onde quer que ele se encontre.
   3. Parece triste e infeliz.
   4. O verde dos olhos realça o turbante.
      
      
8. Sobre o fundo preto da composição não está certo afirmar que:
   
   
   1. Trata-se da cor originária da obra.
   2. Poderia ter sido um verde brilhante e profundo.
   3. A cor preta aumenta a sensação de tridimensionalidade da garota.
   4. Já foi feita uma análise sobre a obra, incluindo seu fundo.
      
      
9. A restauração feita na obra em 1994 deixou à vista:
   
   
   1. A cor azul do turbante.
   2. O efeito luminoso do brinco de pérola.
   3. Os olhos esverdeados da moça.
   4. O lampejo de luz no canto esquerdo da boca da modelo.
      
      
10. A restauração não permitiu à época descobrir os métodos empregados pelo artista em suas pinceladas. Por quê?
    
    
    1. Temiam que a obra fosse danificada ao entranhar em suas camadas.
    2. Os restauradores achavam que a obra deveria condizer com as mudanças do tempo.
    3. O prazo para o restauro foi vencido e o dinheiro acabou.
    4. O dono da obra não quis que houvesse mudanças.
       
       
11. Tomando esta obra como inspiração, o diretor britânico Petter Weber lançou em 2004, o filme “Moça com Brinco de Pérola”. Sobre o filme não podemos afirmar que:
    
    
    1. Mistura drama, romance e biografia.
    2. Concorreu ao Oscar de arte nos quesitos fotografia e figurino.
    3. A biografia é completa, pois tudo se sabe sobre a vida de Vermeer.
    4. Trata-se de uma boa pedida para que admira essa fantástica pintura.
       
       
12.  Esta obra foi criada no ano de 1665, século XVII, correspondendo à:
    
    
    1. Idade Antiga
    2. Idade Média
    3. Idade Moderna
    4. Idade Contemporânea
13. A técnica usada pelo artista foi:
    
    
    1. Guache
    2. Aquarela
    3. Água-forte
    4. Óleo sobre tela
       
       
14. Entre as 50 pinturas (AS 50 PINTURAS MAIS FAMOSAS DO MUNDO EM DETALHES) mais famosas do mundo, Jan Vermeer possui três composições. Marque a que não faz parte da listagem.
    
    
    1. Moça com Brinco de Pérolas
    2. A Leiteira
    3. A Primavera
    4. O Astrônomo

Gabarito
1.c/ 2.d/ 3.d/ 4.b/ 5.c/ 6.d/ 7.b/ 8.a/ 9.d/ 10.a/ 11.c/ 12.c/ 13.d/ 14.c

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 A competição era intensa entre os artistas das cidades holandesas, principalmente entre aqueles que não se adequavam ao gênero do retrato. Em razão disso eles buscavam se especializar naquilo em que obtinham mais sucesso de venda. Se o artista, por exemplo, lograva êxito vendendo paisagens enluaradas, buscava trabalhar apenas nelas. Muitos dos pintores que não tinham grande notoriedade passaram a criar o mesmo tipo de pintura em série.

A tendência para a especialização começou nos países setentrionais (protestantes) no século XVI, vindo a tornar-se ainda maior no século XVII. O único país protestante em que a arte conseguiu sobreviver à crise provocada pela Reforma foram os Países Baixos. Isso se deveu a especialização. Os artistas buscavam se aperfeiçoar em todos os temas que não fossem proibidos pela Igreja Protestante, pois sabiam que a competição em torno do retrato era muito grande, não havendo cliente para todos eles. Isso fez com que alguns buscassem terras católicas e outros se tornassem exímios em temas permitidos em terras protestantes.

Segundo o Professor E.H. Gombrich em seu livro “A História da Arte”, “Os artistas holandeses eram capazes de transmitir a atmosfera do mar usando meios simples e despretensiosos. E foram os primeiros da história da arte a descobrir a beleza do céu”. Eram também exímios na criação de naturezas-mortas. Talvez tenha sido esse o ramo mais “especializado” da pintura holandesa. Ainda segundo Gombrich: “A natureza refletida na arte reproduz sempre o próprio espírito do artista, suas predileções, seus prazeres e, portanto, seu estado de ânimo”.

Simon de Vligier (1601–1653) foi um especialista em marinhas. A primeira ilustração (da esquerda para a direita) é uma de suas obras, intitulada “Vaso de Guerra Holandês e Vários Navios Expostos à Brisa”. A segunda ilustração retrata uma obra de Jan Van Goyen (1596-1656), denominada “Moinho à Beira de um Rio”. Jan Steen (1626-1679) foi outro grande artista holandês desse período. Era genro de Jan Van Goyen. Era também dono de uma estalagem, pois a pintura não lhe dava o sustento necessário. Jacob Van Ruisdael (c.1628-1682) foi um especialista em paisagens, como mostra a terceira ilustração, intitulada “Campos de Trigo”. Agradava-lhe o estudo sobre o efeito e a sombra nos terrenos em torno da cidade de Haalem. Sua especialidade eram as cenas florestais. Assim como Claude Lorrain na pintura italiana, Ruisdael foi responsável por descobrir a poesia da paisagem nórdica.  O artista Willem Kall (1619-1693) foi um importante pintor do gênero.

O Mestre Rembrandt Van Rijn (1606-1669) é tido como o mais notável pintor holandês e um dos mais brilhantes da história da arte. Também foi um exímio artista gráfico. A quarta ilustração apresenta uma das águas-fortes de Rembrandt em que é ilustrado uma cena bíblica (A Pregação de Cristo). Rembrandt criou magistrais retratos. Era virtuoso e hábil em seu ofício. Achava que cabia somente ao artista dar uma pintura por acabada, ou seja, saber quando “seu objetivo foi atingido”. Sobre os seus retratos, assim define o Professor H.E. Gombrich “nos grandes retratos de Rembrandt nós nos sentimos frente a frente com pessoas de verdade, sentimos o seu calor, sua necessidade de simpatia e também sua solidão e sofrimento. Rembrandt, assim como outros artistas de sua época, levava em conta a mensagem de Caravaggio. Tomara conhecimento da obra do mestre italiano por meio de artistas holandeses que por ele foram influenciados. Por isso, em sua arte dava mais destaque à verdade e à franqueza do que à harmonia e à beleza. Rembrandt foi muito importante para a arte holandesa.

Um dos grandes nomes da pintura holandesa foi Jan Vermer Van Delft (1632-1675), nascido uma geração depois da de Rembrandt. Pintou poucos quadros ao que se sabe, mostrando-se lento e meticuloso em seu trabalho. Seus quadros dizem respeito a coisas simples, normalmente retratam uma ou duas figuras no interior de uma casa holandesa. Segundo a visão de E.H. Gombrich, “Seus quadros são na realidade naturezas-mortas incluindo seres humanos. Sua obra intitulada “Moça Com Brinco de Pérola” encontra-se entre as 50 mais belas da arte pictórica. O trabalho de Vermer prova que o tema não é o elemento mais importante numa obra.

Técnica da água-forte – consiste em cobrir a superfície da lâmina de cobre com cera, sobre a qual se desenha com uma agulha que retira a cera e deixa o cobre a descoberto.  A seguir, a lâmina de cobre é posta num ácido que corrói o cobre, onde a cera foi removida e, assim, transfere o desenho para a lâmina. Após esse processo, a lâmina é impressa do mesmo jeito que uma gravura. O trabalho é tão interessante que o único meio de diferenciar uma água-forte de uma gravura é analisando a qualidade das linhas.

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Sendo a arte o reflexo de uma determinada época, a divisão da Europa em dois campos religiosos — católico e protestante — em razão da reforma, terminou por interferir na arte de pequenos países, a exemplo da Holanda. Os Países Baixos dividiram-se entre os dois credos. A região meridional — conhecida hoje como Bélgica — permaneceu católica, enquanto suas províncias setentrionais uniram-se ao protestantismo, afetando drasticamente os artistas que aí viviam, pois viram seus ganhos minguarem.

Já vimos anteriormente que a Igreja cristã continha inúmeros mecenas, responsáveis pela encomenda de obras religiosas, assim como as famílias governantes, numa disputa para ver quem mais embelezava seu Reino. A divisão da Igreja fez com que a arte decaísse nos países protestantes, cuja visão artística contrapunha à de seus vizinhos católicos. Os mercadores protestantes da Holanda — homens extremamente devotos e puritanos — a princípio não aceitavam a exuberância dos costumes de seus vizinhos meridionais — católicos. Contudo, à medida que iam se tornando mais ricos, essa austeridade ia diminuindo.

À época, o estilo Barroco era predominante na parte da Europa que professava o catolicismo. A burguesia do século XVII do lado protestante, porém, não aceitou plenamente esse estilo. Dentre todos os tipos de arte existentes, a pictórica foi a que mais sofreu com as mudanças religiosas. A situação ficou tão caótica que a carreira de um pintor ou de um escultor tanto na Alemanha quanto na Inglaterra não mais seduzia novos talentos. E olhem que nesses países, durante a Idade Média, as artes foram extremamente prósperas, nada ficando a dever a qualquer outro.

No que diz respeito aos Países Baixos, esses possuíam uma tradição tão forte de renomados mestres que esses se viram obrigados a buscar linhas da arte, onde pudessem trabalhar sem que fossem podados em razão do novo credo. A pintura de retratos tornou-se o campo mais propício para eles. Mercadores ricos e burgueses, assim como comissões locais e juntas administrativas importantes, buscavam ter seus retratos pintados. Expunham-nos em suas casas, nas salas de reuniões ou nos salões nobres de suas companhias.

Enquanto o estilo de um mestre agradasse, ele conseguia viver razoavelmente bem, mas a partir do momento em que não mais atraia clientes via-se em estado de penúria. Tanto é que os pintores que não tinham habilidades para o gênero do retrato não conseguiam viver da pintura, pois não recebiam encomendas. O que faziam? Pintavam seus quadros não encomendados e saiam à cata de compradores. Após encontrá-los em mercados e feiras públicas tinham que negociar o preço. Noutras vezes buscavam negociantes de quadros que lhes pagavam uma bagatela para ganharem mais na revenda. E sem falar na competição acirrada, uma vez que muitos artistas encontravam-se em igual situação.

Franz Hals (1580–1666) foi um dos grandes mestres da pintura holandesa. Apesar de ser um talentoso artista, teve uma vida muito difícil, vivendo sempre endividado. A ilustração acima é obra do artista. Acesse o link: Hals – RETRATO DE UM CASAL

Fonte de pesquisa
História da Arte/ E. H. Gombrich

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O Barroco chegou às terras brasileiras no início do século XVII, na época do Brasil Colônia (que compreende o período de 1530 a 1822), no período colonial chamado de “Século do Ouro”, fase em que a exploração desse metal tornou-se a principal atividade econômica em nossas terras, para a alegria da metrópole portuguesa. Fase também em que surgiam as primeiras vilas no território brasileiro. A região de Minas Gerais foi responsável por deter grandes jazidas de ouro, daí a pujança do Barroco nessas terras, tendo na figura de Antônio Francisco de Lisboa — o Aleijadinho — escultor e arquiteto brasileiro, seu maior nome.

O Barroco foi trazido por missionários católicos, especialmente jesuítas, portanto, influenciado pelo estilo que vigorava em Portugal. A preocupação central desses missionários era a doutrinação cristã, ou seja, catequizar e aculturar os povos indígenas, vistos por eles como pagãos, e ajudar os dirigentes portugueses no processo de colonização das terras descobertas. Eles foram um eficiente instrumento pedagógico e catequético.  Inúmeras igrejas foram erguidas nos principais centros de colonização, dentre os quais podem ser destacados Recife, Salvador, Olinda e Vila Rica.

O Barroco em terras brasileiras conseguiu ao mesmo tempo expressar a religiosidade católica do povo e apelar para a emoção, a fim de tocar piedosamente o coração dos devotos, como pode se visto nas esculturas barrocas e nas pinturas que adornam as igrejas. Este estilo foi tão marcante que se mostrou presente na literatura, na pintura, na estatuária e na arquitetura, sendo em sua maior parte ligado à arte sacra. Até mesmo nos primeiros anos do século XX ainda era possível deparar com traços desse movimento artístico em nosso país.

Portugal, sendo um país extremamente católico e monárquico, trouxe para o Brasil Colônia as manifestações artísticas de inspiração religiosa de sua gente. O Barroco brasileiro, contudo, mostrou-se mais sóbrio e menos rebuscado. Mesmo em território brasileiro é possível notar diferenças entre o chamado Barroco do litoral (desde o Rio de Janeiro até Pernambuco) e o Barroco do interior (como o visto nas cidades mineiras de Congonhas, Ouro Preto, São João del Rei e Sabará).

É normal que o Barroco brasileiro tenha divergido do português em alguns aspectos, uma vez que a arte reflete o modo de vida de um povo. Enquanto os portugueses — os grandes navegadores de então — usufruíam das riquezas da nova colônia, aqueles que aqui viviam encontravam-se sob o jugo da escravidão (os negros) ou sob a perseguição dos colonizadores (os índios). Tal estilo chegou a ser classificado como pobre, quando comparado ao europeu, mas esse julgamento necessitava de uma maior compreensão do que se passava em terras brasileiras: instauração da escravatura, resistência indígena à tomada de suas terras, o uso de técnicas ainda rudimentares, etc.

A pintura barroca com o objetivo de ornamentar as igrejas vinha inicialmente de Portugal, sendo que a temática bíblica era executada em azulejos. Dentre as cores mais usadas estavam o vermelho, o azul, o dourado e o uso do claro-escuro (chiaroscuro — palavra italiana para “luz e sombra”). Manoel da Costa Ataíde — o Mestre Ataíde — foi um dos mais importantes pintores do estilo Barroco em terras brasileiras, tendo exercido grande influência sobre os pintores mineiros. A sua função de professor fez com que angariasse muitos seguidores. Também foi parceiro do arquiteto e escultor Aleijadinho, tendo pintado algumas de suas obras, como as esculturas criadas para o Santuário de Bom Jesus de Matosinhos, situado em Congonhas, Minas Gerais (ver ilustração acima).

As esculturas vistas como símbolo de devoção (e era realmente o objetivo delas) também eram encontradas em casas. Os materiais usados no Brasil foram a pedra sabão, o cedro e o barro cozido. Tanto na pintura quanto na escultura, as primeiras obras vieram de Portugal, mas, com o passar dos anos, os franciscanos, beneditinos e jesuítas passaram a ensinar a arte de esculpir no barro. Na época do Brasil Colônia não havia uma corte que atuasse como mecenas, como acontecia na Europa. As elites tampouco se preocupavam em edificar palácios ou em patronear as artes profanas (não sagradas), só restando, portanto, o investimento na arte barroca no que diz respeito às artes sacras (estatuária, pintura e obra de talha para a decoração de igrejas, conventos ou cultos particulares).

O mais curioso na trajetória do Barroco brasileiro é que os índios catequizados pelos missionários portugueses passaram de recebedores a emissores no que diz respeito a tal estilo, ou seja, os mais habilidosos dentre eles foram arregimentados para trabalhar na produção de obras barrocas. A eles se agregaram os negros mais tarde, introduzidos na colônia como escravos, tidos como os principais agentes produtores da arte barroca no Brasil. Segundo estudiosos do Barroco, nasceram daí as novas feições deste estilo, contribuindo enormemente para dar os primeiros passos na formação de uma cultura essencialmente brasileira.

A publicação em 1601 da obra de Bento Teixeira, intitulada “Prosopopeia”, deu origem à presença do Barroco na literatura. O advogado e poeta Gregório de Matos Guerra, apelidado de “Boca do Inferno” em razão de sua língua afiada, é tido como um dos maiores poetas do estilo na língua portuguesa, enquanto o Padre Antônio Vieira foi o maior orador sacro. Intelectuais modernistas, no início do século XX, interessaram-se pela busca do acervo Barroco nacional. Em razão dessa busca, muitas obras foram tombadas. Centros históricos barrocos como os das cidades de Ouro Preto, Olinda e Salvador e conjuntos artísticos como o Santuário do Bom Jesus de Matosinhos (Minas Gerais) tornaram-se Patrimônio da Humanidade sob a tutela da Unesco.

Obs.: Reforce seus conhecimentos com artigos referentes a este estilo:
Teste – A ARTE DO BARROCO NO BRASIL

Fontes de pesquisa
Manual compacto da arte/ Editora Rideel
https://www.historiadomundo.com.br/idade-moderna/o-barroco-brasileiro.htm

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O pintor Diego Velázquez era ainda jovem quando Peter Paul Rubens encontrou-o na Espanha, trabalhando na corte de Filipe IV em Madri. Mesmo não tendo ido à Itália, o artista já se sentia cativado com as descobertas e o estilo de Caravaggio — conhecido através de seus imitadores. Assimilou o “naturalismo” do artista italiano e em sua arte entregou-se à observação imparcial da natureza, sem levar em conta as convenções da época. Seguindo a orientação do amigo Rubens que lhe dizia que era preciso analisar as pinturas venezianas in loco para se tornar um bom pintor, Velázquez conseguiu que o rei Filipe IV liberasse-o para uma viagem à Itália. Após se ausentar por um período de um ano e meio, retornou a Madri a pedido do rei. Na corte de Filipe IV ele exercia atividades artísticas e administrativas. Tinha como função principal pintar retratos da família real, o que fez com grande distinção, transformando tais trabalhos em obras magníficas. O artista era tão fiel em retratar não apenas o passar dos anos no semblante da pessoa, como o que lhe ia pela alma, a ponto de o rei Felipe IV, que atravessava um período de crise econômica e social, relutar durante muito tempo em ser pintado por ele.  Nossa aula de hoje diz respeito a uma de suas primorosas obras, famosa em todo o mundo. Primeiramente é necessário acessar o link Velázquez – O AGUADEIRO DE SEVILHA e ler o texto com muita atenção, sempre voltando a esse quando se fizer necessário.

1. A composição intitulada O Aguadeiro de Sevilha é uma das obras mais importantes do pintor espanhol Diogo Velázquez e trata-se de uma:
   
   
   1. paisagem
   2. pintura sacra
   3. pintura de gênero
   4. pintura histórica
      
      
2. O personagem principal da obra é:
   
   
   1. um garoto
   2. uma mulher
   3. uma anciã
   4. um ancião
      
      
3. Todas as afirmativas dizem respeito ao personagem principal, exceto:
   
   
   1. Seu rosto mostra-se animado.
   2. Apresenta-se mal vestido.
   3. Carrega uma bilha de barro.
   4. Oferece uma taça com água.
      
      
4. O pintor dignifica o aguadeiro ao:
   
   
   1. Vesti-lo com uma capa esburacada.
   2. Representar seu rosto altivamente.
   3. Jogar luz sobre suas roupas e perfil.
   4. Repassar-lhe grande respeitabilidade.
      
      
5. A mão esquerda bem feita do aguadeiro repousa delicadamente sobre:
   
   
   1. o copo de vidro
   2. o ombro do garoto
   3. o vaso de louça
   4. a bilha de barro
      
      
6. Entre o aguadeiro e o garoto encontra-se um homem na penumbra, com ………….. à boca.
   
   
   1. uma xícara de barro
   2. uma tigela de madeira
   3. um copo de vidro
   4. uma colher de pau
      
      
7. Todos os personagens encontram-se bastante ……………… nesta cena simples.
   
   
   1. tristes
   2. sérios
   3. alegres
   4. d.desligados
      
      
8. Sobre o banco de madeira tosca vê-se a superfície vidrada:
   
   
   1. do jarro de louça
   2. da bilha de barro
   3. do copo de vidro
   4. do copo de pau
      
      
9. Sobre o copo transparente que tanto o garoto quanto o aguadeiro seguram repousa:
   
   
   1. o jogo de luz
   2. um raio do sol
   3. um pingo de água
   4. uma gota de suor
      
      
10. O artista pintou maravilhosamente gotas de água que deslizam, deixando os rastros da água derramada no:
    
    
    1. vaso brilhante de louça
    2. vaso grande e bojudo
    3. copo transparente de vidro
    4. banco tosco de madeira
       
       
11. Sobre a luz distribuída na composição pode-se afirmar que:
    
    
    1. O lado esquerdo da composição recebe luz.
    2. O lado direito da tela fica em meia sombra.
    3. O quadro não está iluminado por igual.
    4. A luz ilumina fortemente o aguadeiro.
       
       
12. A iluminação na composição parte do cântaro, passa pelo recipiente menor que se encontra sobre a mesa, atinge o pescoço e a face do garoto, passa pelo rosto do aguadeiro, atinge a manga branca de suas vestes e acaba na asa do mesmo cântaro e mão esquerda do ancião, descrevendo uma linha:
    
    
    1. retangular
    2. quadrangular
    3. espiralada
    4. ovalada
       
       
13. Os tons ………………………….. são predominantes na composição em que tudo é harmoniosamente suave.
    
    
    1. castanho, branco e esverdeado
    2. castanho, cinza e esverdeado
    3. castanho, cinza e azulado
    4. castanho, violeta e esverdeado
       
       
14. Esta pintura lembra, de certa forma, as obras do genial mestre …………… embora se mostre cheia de uma grande calma.
    
    
    1. Caravaggio
    2. Peter Paul Rubens
    3. Anthony van Dyck
    4. Claude Lorrain
       
       
15. O aguadeiro era um vendedor de água originário de …………….., tendo se tornado muito conhecido nas ruas de Sevilha.
    
    
    1. Madri
    2. Barcelona
    3. Bolonha
    4. Córsega
       
       
16. O figo que se encontra dentro do copo do garoto tinha por objetivo tornar a água mais …………….., conforme pensavam à época.
    
    
    1. adocicada
    2. higiênica
    3. fresca
    4. quente
       
       
17. A composição em estudo tornou-se famosa sobretudo pelos elementos citados, excetuando:
    
    
    1. o homem presente na penumbra
    2. a transparência do copo de vidro
    3. o brilho do cântaro de louça e do de barro
    4. as gotas de água escorrendo no jarro maior
       
       
18. O pintor Diego Velázquez na composição desta obra usou como técnica:
    
    
    1. óleo sobre madeira
    2. óleo sobre tela colado em madeira
    3. óleo sobre papel colado em madeira
    4. óleo sobre tela

Gabarito
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O pintor Anthony van Dyck (1599–1641) foi o mais talentoso discípulo e ajudante de Peter Paul Rubens, sendo 22 anos mais novo do que seu mestre, de quem herdou o talento na representação da textura e superfície das figuras. Também se transformou num dos pintores retratistas mais procurados da Europa.  Aos onze anos, após a morte da mãe, foi estudar com Hendrick van Balen, pintor de figuras. Aos 14 anos já pintava retratos e aos 16 anos tinha a sua própria oficina e um aprendiz. Foi aluno de Rubens por volta dos 18 anos de idade. E, segundo dizem, foi superado apenas por esse mestre, como o mais genial pintor flamengo do século XVII. Pintava seus personagens masculinos e femininos de uma forma muito vívida, do jeito como os via e também como era de seu gosto. Suas mulheres eram gordas, pois em Flandres daquela época a esbelteza não se encontrava na moda. Tornou-se o pintor da corte de Carlos I. É tido como o artista da aristocracia barroca. Hoje estudamos duas de suas obras-primas, conhecidas em todo o mundo. Agucem a observação.

Vários pintores ao longo da História da Arte têm usado esta mesma temática, inclusive o próprio Van Dyck fez duas obras sobre ela, como podemos ver acima, sendo a primeira em 1620 (quadro 1) e a segunda em 1630 (quadro 2)

1. A temática das duas composições em estudo é:
   
   
   1. Histórica
   2. Mitológica
   3. Científica
   4. Religiosa
      
      
2. (Quadro 1) A cena vista entre Sansão e Dalila repassa uma sensação de calmaria, sobretudo para ele.
   
   Marque a alternativa abaixo que não corrobora com esta afirmação:
   
   
   1. Representa o momento antes do fatídico acontecimento.
   2. O cabelo de Sansão que lhe dá força ainda não foi cortado.
   3. Retrata o clímax dessa história contida no Antigo Testamento.
   4. Dalila e Sansão já se encontram preparando para dormir.
      
      
3. (Quadro 2) A cena vista entre entre Sansão e Dalila repassa um clima de grande tensão.
   
   Marque a alternativa abaixo que não corrobora com esta afirmação:
   
   
   1. Representa o momento do fatídico acontecimento.
   2. Mostra o guerreiro ainda sem se ater à ação de Dalila.
   3. O cabelo de Sansão que lhe dá força já foi cortado.
   4. Retrata o clímax dessa história contida no Antigo Testamento.
      
      
4. (Quadro 1) Acerca dos guardas filisteus não se pode dizer que:
   
   
   1. Já foram vistos por Sansão.
   2. Encontram-se à espreita.
   3. Vieram prender o guerreiro.
   4. Aguardam a prática do crime.
      
      
5. (Quadro 2) Acerca dos guardas filisteus não se pode dizer que:
   
   
   1. Eles já se encontram dentro do aposento.
   2. Trazem cordas para amordaçar Sansão.
   3. Lutam com Sansão temendo sua força.
   4. Vieram para prender o heroico guerreiro.
      
      
6. (Quadro 1) O foco da cena é:
   
   
   1. Sansão
   2. Dalila
   3. O barbeiro
   4. As criadas.
      
      
7. (Quadro 2) O foco da cena é:
   
   
   1. Sansão
   2. Dalila
   3. O barbeiro
   4. O casal
      
      
8. (Quadro 1) Todas as afirmativas sobre Dalila estão corretas, exceto:
   
   
   1. A luz dentro da pintura está focada nela.
   2. Sua cama está coberta com um simples brocado.
   3. Sua pele macia e leitosa contrasta com a de Sansão.
   4. d.Toda a ação dentro da cena parece recair sobre ela.
      
      
9. (Quadro 2) Todas as afirmativas sobre Sansão estão corretas, exceto:
   
   
   1. Sua pele morena contrasta com a de sua amante.
   2. Seu olhar está carregado de mágoa e revolta.
   3. Ele avança horrorizado contra a mulher traidora.
   4. Um dos soldados filisteus agarra-o.
      
      
10. (Quadro 1) Todas as afirmativas sobre os personagens estão corretas, menos:
    
    
    1. Sansão, deitado sobre o corpo de Dalila, dorme coberto apenas com uma tanga.
    2. Dalila levanta um dedo silenciador, preparando os guardas para a ação.
    3. As duas criadas acompanham a cena com curiosidade e apreensão.
    4. Os guardas assistem a cena com tensão, esperando o comando da criada.
       
       
11. (Quadro 2) Todas as afirmativas sobre os personagens estão corretas, menos:
    
    
    1. Sansão é amordaçado pelos soldados furiosos.
    2. Dalila esboça um gesto, como se fosse tocar Sansão.
    3. Um dos soldados está armado com uma lança.
    4. Uma serva idosa encontra-se logo atrás de Dalila.
       
       
12. (Quadro 1) O artista amplia ainda mais a tensão da cena ao pintar ………….. segurando uma tesoura enorme:
    
    
    1. a criada mais nova
    2. o barbeiro
    3. Dalila
    4. a criada mais velha
       
       
13. (Quadro 2) As madeixas de Sansão e a tesoura usada no crime ainda se encontram no chão, próximas a ……………… que ironicamente simboliza a fidelidade.
    
    
    1. um cãozinho
    2. um gatinho
    3. uma ovelha
    4. uma lebre
       
       
14. (Quadro 1 e 2) Estas duas maravilhosas obras mostram claramente a influência que o pintor …………………………. exerceu sobre Anthony van Dyck:
    
    
    1. Guido Reni
    2. Peter Paul Rubens
    3. Claude Lorrain
    4. Nicolas Poussin

Gabarito
1.d / 2.c / 3.b / 4.a / 5.c / 6.b / 7.d / 8.b / 9.c / 10.d / 11.c / 12.b / 13.a / 14.b