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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição denominada Mulheres no Jardim é uma obra do pintor impressionista Oscar-Claude Monet, que a vendeu a seu grande amigo Fréderic Bazille.

A pintura mostra quatro jovens mulheres, elegantemente vestidas, o que denota pertencerem a uma classe social alta, num jardim. O pintor usa como modelo, para três delas, a sua esposa Camille. A quarta figura, que é a mulher com cabelos ruivos, de costas para o observador, é uma outra modelo. As quatro figuras estão muito bem vestidas, uma prova de que o pintor entendia bem da moda da época.

As mulheres vestem vestidos longos e volumosos, com rendas e bordados. Uma delas está assentada na relva, com seu vestido branco rodado, aberto como se fosse uma flor. Ela se cobre com uma pequena sombrinha e traz no colo muitas flores, para as quais dirige o seu olhar. Duas outras, próximas a ela, conversam animadamente. Uma delas usa um vestido branco com listras verdes e um chapéu plano, feito de flores, com um enorme laço, que lhe cai pelas costas. A outra, com sua vestimenta cor de pêssego, enfeitada com uma carreira de botões, de cima abaixo, traz na mão esquerda uma sombrinha fechada, e na direita um buquê de flores, com o qual cobre parte do rosto, como se estivesse a cheirá-lo. A quarta mulher distancia-se do grupo, enquanto colhe flores.

A luz ilumina a composição través da abertura entre as árvores, e em especial uma parte do caminho, assim como a mulher afastada do grupo, e parte do vestido da que se encontra sentada e também de sua sombrinha. Chama a atenção o salpicado de luz no vestido das duas mulheres que estão a conversar e as sombras sobre parte da sombrinha e o do vestido da que se encontra assentada.

Este quadro foi feito ao ar livre, mas concluído no ateliê do artista, que à época tinha 26 anos. Monet, em sua composição, não está preocupado em retratar as mulheres, tanto é que seus rostos são imprecisos, mas capturar luz e sombra do momento. Os personagens são meros detalhes.

Ficha técnica
Ano: 1866-1867
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 256 x 208 cm
Localização: Musée d’Orsay, Paris, França

Fontes de pesquisa
Monet/ Editora Abril
Monet/ Coleção Folha
http://www.rivagedeboheme.fr/pages/arts/oeuvres/claude-monet-

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Autoria de Lu Dias Carvalho

   (Faça o curso gratuito de História da Arte, acessando: ÍNDICE – HISTÓRIA DA ARTE)

A composição denominada O Triunfo da Morte é uma pintura do artista Pieter Bruegel, o Velho, que mostra a importância de ter sido um pintor de miniaturas, ao agregar numa única tela inúmeras figuras, fato comum em suas obras. Este quadro encontra-se entre as 50 pinturas mais famosas  do mundo. Embora não tenha intenção ou temática religiosa, a sugestão para esta obra foi tirada do Apocalipse e do Eclesiastes, livros bíblicos. A sua motivação encontra-se numa razão secular: as chacinas da dominação espanhola e a revolta dos “mendigos”, inspirada, portanto, na resistência.

Bruegel tinha grande preocupação com os princípios morais estabelecidos pela religião. Preocupava-o, sobretudo, a condição humana que parecia servil aos vícios, à loucura, ao homicídio e ao medo. Nesta composição, a exemplo das obras de Hieronymus Bosch, ele mostra que, ao final, a morte sempre triunfará sobre tudo e todos, ou seja, também os opressores serão arrebatados por ela, pouco importando o seu tempo de glória terrena ou a vida de ostentação e poder que levaram.

Não era fácil a vida durante a Idade Média e início da Moderna, quando a ciência ainda engatinhava. As pessoas eram vitimadas por epidemias, pragas e, como se isso não fosse suficiente, também pelas guerras religiosas e políticas. Na visão popular tudo era atribuído ao “castigo divino” em razão dos vícios da humanidade, sendo Deus visto como um juiz temerário que enviava a morte como punição para toda a humanidade.

A tradição de culto à morte que amainou em outros lugares, continuou forte nos Países Baixos, até o século XVI, como nos mostra Bruegel na pintura acima. A Morte, com seu poderoso exército de esqueletos, alastra-se sobre toda a paisagem isolada e esfumaçada, desde o horizonte, destruindo tudo que encontra. Ela se posiciona no meio da composição, conforme mostra o seu distintivo — a foice. Um esqueleto na parte superior à esquerda toca o sino anunciando a batalha, ou seja, a sentença mortal para a Terra e seus habitantes.

A guerra final contra as forças do mal acontece em primeiro plano. À direita, na parte inferior da pintura, a Morte, montada num esquelético cavalo, com uma longa foice na mão, avança contra as pessoas amontoadas umas sobre as outras. Elas são obrigadas a entrar numa espécie de passagem que possivelmente conduz ao Inferno, encurraladas por exércitos de esqueletos à direita e à esquerda, impedindo a fuga. Estes portam escudos amarelos, parecidos com tampas de caixões, com o desenho de uma cruz.

Um esqueleto, montado num raquítico cavalo branco que leva um corvo no dorso, conduz uma carroça, onde são colocados os crânios decepados, trazendo em cima desses uma pá. Um guerreiro da morte aponta um relógio de areia para um rei, a indicar-lhe que seu tempo de vida chegou ao fim. Enquanto o monarca agoniza, um esqueleto rouba-lhe as riquezas guardadas em barris. Nem mesmo os membros da Igreja estão a salvo. Tampouco tem alguma serventia as espadas. No canto inferior direito da composição um tocador de alaúde e uma dama tentam ignorar o horror que deles se aproxima, mas um esqueleto traz a espada em punho atrás da dupla, pois nada escapa ao rigor da Morte.

A colheita da Morte é brutal: cabeças decepadas, corpos enterrados, afogados, torturados, degolados, pisoteados, transpassados por lanças, etc. Mesmo no mar é possível observar a destruição, ocasionada por incêndios e naufrágios. A mulher, usando vestido vermelho e touca branca e sobre a qual irá passar o cavalo e a carroça da morte, traz nas mãos um fuso e uma roca que simbolizam a fragilidade humana. A presença de uma mesa com toalha branca significa que os comensais tiveram que interromper seu banquete para lutar contra a Morte, enquanto o bobo da corte enfia-se debaixo da mesa.

Bruegel em sua cena dramática descreve aspectos da vida no século XVI, quando eram muito usados passatempos como o gamão e o baralho de cartas. Ele usa cores quentes para repassar a sensação de calor, reforçando a ideia de inferno que se estende por todo o quadro. Como quase toda obra do pintor esta também repassa um conteúdo moral que é o de reafirmar que a morte é cruel, mas democrática, pois não faz distinção entre credos, classes sociais ou cargos. É o fim de todos os seres vivos. É impossível esquecer a tragicidade da cena retratada.

Ficha técnica
Ano: c. 1562
Técnica: óleo sobre madeira
Dimensões: 117 x 162 cm
Localização: Museu do Prado, Madri, Espanha

Fontes de pesquisa

Enciclopédia dos Museus/ Prado/ Madri
http://comunidade.sol.pt/blogs/jaguar/archive/2008/01/21/A-Pintura-Flamenga
http://www.passeiweb.com/estudos/sala_de_aula/biografias/pieter_brueghel
https://en.wikipedia.org/wiki/The_Triumph_of_Death