Autoria de Lu Dias Carvalho

             
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O Império Romano foi erguido sobre as ruínas dos reinos helênicos (ou helenísticos). Mas antes de prosseguirmos em direção à sua arte, é necessário conhecermos um pouco de sua história. Comecemos pelo famoso conquistador Alexandre III Magno ou Alexandre, o Grande que formou um grande império (Egito, Mesopotâmia, Síria, Pérsia e Índia) em apenas 10 anos de reinado (333 a 323 a.C.), tendo legitimado o grego como língua oficial e interferido na formação cultural do povo dominado, fazendo prevalecer o padrão grego em algumas instituições e em outras os elementos orientais. Essa mistura deu início ao período conhecido como “helenístico”.

A civilização helenística foi, portanto, a soma da união de diversas sociedades com a predominância da grega, persa e egípcia. Sua arte escultórica era dotada de fortes emoções ou movimentos bruscos, efeitos que os artistas helenísticos conseguiam obter através de poses retorcidas ou de aprimorados drapeados esvoaçantes. A escultura de “retratos” foi também muito popular. Esse período teve seu início com a morte de Alexandre, o Grande (323 a.C.), prevalecendo até a subida do primeiro imperador romano (Augusto) ao trono (27 a.C.). Mas qual é o porquê do nome “Cultura Helenística”? Referia-se ao nome que os gregos davam a si mesmos — Helenos.

A cultura grega foi imensamente beneficiada com o movimento expansionista efetuado por Alexandre, o Grande, pelo Oriente, ao fundar inúmeras cidades, a exemplo de várias delas com o nome de Alexandria — em sua própria homenagem — que viriam a converter-se em grandes centros de disseminação da arte grega no Oriente, que por sua vez se fundia com as culturas locais. Mas o jovem conquistador Alexandre Magno morreu muito cedo, aos 33 anos, sem ter passado por qualquer derrota. Tampouco deixou um herdeiro para sucedê-lo, o que levou seus generais a engalfinharem-se em sangrentas batalhas entre si, brigando pelo grandioso império que foi todo esfacelado entre eles, surgindo as dinastias absolutistas e enfraquecendo a outrora unidade construída por ele. Como inimigos divididos são inimigos enfraquecidos, os romanos foram conquistando uma por uma das dinastias durante os séculos II e I a.C.

Grande parte dos artistas que exerciam sua profissão em Roma era grega, sendo suas obras muito bem aceitas pelos colecionadores romanos, por isso, a arte permaneceu meio apática no período em que os exércitos romanos ampliavam seu império. Mas, quando Roma passou a ser a mandachuva do mundo, as coisas mudaram no que diz respeito à arte. Os artistas foram obrigados a adequar-se às imposições de seus mandantes, pois lhes foram destinadas tarefas diferentes das que executavam. O campo da engenharia civil foi aquele que teve maiores realizações, como mostram as estradas, os aquedutos e banhos públicos romanos, ainda que se apresentem hoje em ruínas. No que diz respeito à arte pictórica, apenas um pequeno número de pinturas romanas, a maioria delas feitas em painéis de madeira, chegou aos nossos dias.

O Coliseu (primeira ilustração à esquerda) foi o mais famoso edifício romano e que até hoje provoca admiração. Os arcos triunfais (segunda ilustração) são outra grande proeza do vasto Império Romano, erguidos nas  mais diferentes terras conquistadas. Eles possuíam uma grande porta frontal ladeada por aberturas mais estreitas. A arquitetura romana tinha como ponto principal o uso de arcos — construção dificílima para a época, uma vez que eram feitos com pedras separadas. Foi exatamente o domínio de tal técnica que levou os arquitetos romanos a projetos cada vez mais audaciosos, como a construção de tetos abobadados. O Panteão  (terceira ilustração) — templo dedicado aos deuses — é tido como o mais belo dos edifícios romanos. Os artistas romanos aprenderam muito com a arquitetura grega e fizeram uso de tudo que lhes interessava, o mesmo aconteceu nos demais campos da arte.

Exercício:

1. O que aconteceu com o Império de Alexandre, o Grande?
2. O que contribuiu para a criação do Império Romano?
3. Fale sobre a arquitetura no Império Romano.

Ilustração: 1. Coliseu, Roma, c. 80 d.C. / 2. Arco Triunfal de Tibério, Orange, França, c. 14-37 d.C. / 3. Panteão, Roma, 126 d.C. / 4. Busto do Imperador Cláudio, Napóles/Itália, c.41-54 d.C.

Fonte de pesquisa
A História da Arte / Prof. E. H. Gombrich

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 Os artistas nem sempre tiveram o espaço que lhes é devido na sociedade. No final do século V a.C. eles já tinham ciência de seu poder e maestria, sentimento esse também partilhando pelo público. Contudo, ainda eram vistos como simples artífices, sendo muitas vezes ignorados pelos presunçosos — arrogantes comuns a todas as sociedades, pouco importando a época. As coisas começaram a mudar, quando um número cada vez maior de pessoas começou a ver a criação desses indivíduos como obras de arte e não mais como trabalhos, cuja função, até então, era unicamente religiosa ou política. Foi assim que se deu o grande desabrochar da arte em direção à liberdade.

Diante das mudanças que se processaram na maneira de pensar das pessoas, concluímos, então, que bastou que elas mudassem seu ponto de vista para que a arte cumprisse seu real papel — apresentar a criação do artista e revelar toda a sua criatividade e sensibilidade. A liberdade que lhes foi dada permitiu que houvesse competição entre eles, o que possibilitou a diversidade criativa presente tanto na arquitetura como na escultura e pintura da Grécia Antiga.  

O século IV a. C. foi inovador ao dar à arte um novo enfoque.  A obra estatutária passou a ser admirada por sua beleza, sendo vista como obra de arte, deixando o artista orgulhoso de sua criação e, em consequência, levou-o a aprimorar-se cada vez mais no seu trabalho. Os gregos que gozavam de uma educação mais refinada faziam da arte pictórica (relativa a pinturas) e da estatuária (relativa a estátuas) um tema para seus debates em praças públicas, do mesmo modo como discutiam poemas e teatro.

O mais brilhante artista grego do século IV a.C. foi Praxíteles, dono de obras graciosas e fascinantes. O seu mais louvado trabalho — cantado inclusive em poemas — representava a deusa Afrodite (Vênus na mitologia romana), a deusa do amor, entrando em seu banho. Contudo, para tristeza de todos nós, amantes da arte, essa obra não chegou aos nossos dias, tendo desaparecido. O fato é que em 200 anos a arte grega passou por magistrais transformações, como nos mostra a obra de Praxíteles que não carrega nenhum sinal da rigidez que caracterizou a arte grega por um tempo.

A pergunta que se faz é como Praxíteles — assim como outros artistas gregos — conseguiu atingir tamanho grau de beleza e equilíbrio? A resposta é a mesma que é aplicada aos dias de hoje — a busca pelo conhecimento. Esses artistas tinham uma grande compreensão do corpo humano, sendo capazes de retratá-lo com beleza e equilíbrio, como mostra a estátua intitulada “Hermes com o Jovem Dionísio” (ilustração à esquerda) — descoberta em Olímpia (cidade grega) no século XIX —, atribuída a Praxíteles.  Ela mostra o deus Hermes com o pequeno Dionísio no braço esquerdo, enquanto brinca com ele.

A arte estatuária dos gregos antigos parece ter tomado como modelo seres de um mundo diferente do nosso, ao representar o homem ideal em sua perfeição extremada. A estátua intitulada “Apolo de Belvedere” (ilustração central) apresenta o ideal grego do corpo humano. O deus Apolo traz o arco no braço estendido e a cabeça de lado, como se acompanhasse o voo da flecha. Outra famosíssima obra clássica é conhecida como “Vênus de Milo” (ver link), encontrada na ilha de Milos (ou Melos), situada na Grécia, daí a razão de seu nome. Embora seja simples, tudo nessa obra é harmonioso, daí o fascínio dos turistas por essa estátua que fica no Museu do Louvre em Paris/França.

No fim do século IV a.C. a geração de artistas que precedeu a de Praxíteles criou uma maneira de expressar emoção no rosto de suas estátuas sem que, com isso, comprometesse sua beleza. Os artistas gregos foram responsáveis por quebrar os severos tabus do primitivo estilo oriental — como vimos no mundo da arte egípcia —, pois preferiram trilhar um caminho de buscas e descobertas, apesar de desconhecido, a ficar no mesmo lugar. Agindo assim, enriqueceram seu trabalho, acrescentando-lhe um grande número de características adquiridas através do estudo e da observação. Contudo, suas obras sempre estiveram longe da realidade dos humanos, repassando, sobretudo, a visão intelectual de quem as criou.

Os gregos antigos procuravam na arte uma forma idealizada que expressasse a perfeição da alma e o bom caráter, importantes para a educação do povo, de modo que a estética transformou-se num sinal de valor ético. A fim de que arte grega garantisse seu ideal de beleza, eles criaram um Cânone (ilustração à esquerda) que dizia respeito às proporções entre as partes do corpo humano. Foi o escultor grego de nome Policleto o responsável por escrever esse tratado teórico em meados do século V a.C. Tal documento exerceu influência sobre a futura geração de escultores, ao assegurar que, obtinha-se a perfeição da forma através de relações numéricas precisas, tomando como base as figuras geométricas simples. Uma dessas regras mais conhecidas rezava que a altura do corpo humano deveria corresponder a sete vezes a altura da cabeça.

Uma das estátuas mais famosas da arte grega é conhecida como “Laocoonte e seus Filhos” ou apenas “Laocoonte” (ver link abaixo). Outra obra famosa é “O Lançador de Discos” (ver link abaixo). Um estudioso da arte jamais poderia desconhecê-las.

Exercício:

1. VÊNUS DE MILO
2. LAOCOONTE E SEUS FILHOS
3. O LANÇADOR DE DISCOS

Ilustração: 1. Hermes com o Jovem Dionísio (c. 340 a.C.), obra de Praxísteles / 2. Apolo de Belvedere (c. 350 a.C.) 3. O Cânone de Policleto (c. 450 a.C)

Fonte de pesquisa
A História da Arte / Prof. E. H. Gombrich

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Os mais antigos estilos de arte originaram-se nos oásis de imensos desertos em terras sob o controle de tiranos orientais, a exemplo do Egito, o que contribuiu para que a arte não sofresse modificações ao longo de milhares de anos, uma vez que aos déspotas não interessam as mudanças. Contudo, a história da arte seguiu caminhos diferentes em outras terras vizinhas ao mundo egípcio — enseadas das penínsulas da Grécia e da Ásia Menor —, terras não pertencentes à soberania de um só monarca. Eram regiões que reuniam grandes riquezas, produtos oriundos do comércio e também da pilhagem marítima. A ilha de Creta — a maior de todas as ilhas gregas — foi originalmente o principal centro dessas terras. Seus reis costumavam mandar embaixadas ao Egito, levando as obras de seus artistas e trazendo outras de lá.

Não se sabe ao certo qual era o povo que habitava a ilha de Creta à época e cuja arte foi transmitida ao continente grego, ganhando espaço principalmente em Micenas (outrora um dos maiores centros da civilização grega e hoje um sítio arqueológico na Grécia). Contudo, em cerca de 1000 a.C., novas tribos, guerreiras oriundas da Europa, adentraram na península grega, chegando até o litoral da Ásia Menor, derrotando seus antigos habitantes e destruindo a arte ali produzida.

Dentre os guerreiros recém-chegados estavam as tribos gregas que se espalharam por várias cidades pequenas e por pontos de abrigo ao longo da costa mediterrânea. Embora houvesse conflitos entre elas, nenhuma conseguiu subjugar a outra. A arte dessas tribos, nos primeiros séculos de sua dominância, era tosca e sem qualquer traço de leveza, não lembrando em nada o gracioso estilo cretense, mas, ao contrário, suas obras mostravam-se mais rígidas do que as dos artistas egípcios. Os padrões geométricos que decoravam suas cerâmicas eram muito simples e, quando esses artistas representavam uma cena, criavam-na rígida e severa.

A Grécia era divida em cidades-estados, sendo Atenas a mais conhecida e importante no que diz respeito à arte. Ela foi responsável pelos primeiros passos de uma técnica nova que viria a fazer toda a diferença na história da arte — o escorço (desenho ou pintura que reproduz seus motivos em escala menor, segundo as normas da perspectiva) — sendo os povos gregos e romanos os que mais perto chegaram da perspectiva (assunto que estudaremos mais à frente).

Quando os artistas gregos iniciaram a criação de estátuas de pedra, partiram sabiamente do ponto em que os egípcios e os assírios haviam parado. Estudaram e imitaram os modelos egípcios e com eles aprenderam como criar a figura de um jovem de pé (ilustração acima), a demarcar as partes do corpo e os músculos que o mantém unido. Eles, no entanto, não se limitaram a reproduzir o que estudavam, mas acrescentavam às obras suas próprias experiências, buscando descobrir algo novo em relação ao corpo, aprimorando sua arte.

A investigação conduzida pelos artistas gregos fazia toda a diferença. Enquanto os egípcios tomavam o conhecimento que tinham como definitivo, seguindo as normas preestabelecidas e rigorosamente impostas à criação artística, os gregos acrescentaram ao saber que apreendiam o próprio olhar e, assim, suas oficinas punham em prática novas ideias, criando novos jeitos de representar a figura humana. Cada nova invenção era assimilada imediatamente pelos artistas, formando um grande elo interativo de aprendizado. Ainda que falhassem muitas vezes em suas experiências — uma vez que não seguiam regras fixas —, os artistas gregos deixavam claro que a criatividade não tinha limites e que os erros e acertos eram próprios de quem buscava o aprimoramento de sua criação.

Ao que parece, o trabalho dos escultores gregos antigos era mais abundante do que o dos pintores, pois só nos é possível formar uma vaga ideia sobre o trabalho pictórico (relativo à pintura) através das decorações em cerâmica, como nos mostram os vasos — recipientes usados na maioria das vezes para guardar vinho ou azeite (ver ilustração acima).

Exercício:
1. Por que a arte grega foi capaz de transformar-se ao longo dos tempos?
2. Como se deu o aprendizado dos artistas gregos no que diz respeito às estátuas?
3. Qual é a importância de termos um comportamento investigativo na nossa vida?

Ilustração: 1. Os Irmãos Cleóbis e Biton (c. 615 – 590 a.C.), obra de Polímedes de Argos / 2. Aquiles e Ajax jogando Damas na pintura do vaso (c. 540 a.C.)

Fonte de pesquisa
A História da Arte / Prof. E. H. Gombrich

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Autoria de Lu Dias Carvalho

1. (Aula 1) O mundo da arte é incomum e fascinante. Podemos viajar através dele por todas as épocas da história da humanidade — desde o alvorecer dos povos pré-históricos até os nossos dias —, pois ele está em permanente movimento. Para que possamos melhor entendê-lo, os estudiosos do assunto dividiram-no em….
   
   
   1. categorias e estilos.
   2. períodos e estilos.
   3. eras e períodos.
   4. arte e artesanato.
      
      
2. (Aula 2) O famoso pintor alemão …………….. fez um belo retrato de sua mãe idosa, já com as marcas da velhice por todo o rosto, enquanto o não menos famoso pintor flamengo …………….. fez um lindo desenho de seu filhinho Nicholas, o que comprova que o encanto de uma obra artística não está na beleza do tema, mas na maneira como foi feita, no desvelo que o artista dispensou ao seu trabalho.
   
   
   1. Caravaggio e Salvador Dalí
   2. Pablo Picasso e Paul Gauguin
   3. Albrecht Dürer e Peter Paul Rubens
   4. Leonardo da Vinci e Vincent van Gogh
      
      
3. (Aula 2/link) A composição Meninos Comendo Melão e Uvas, também conhecida por Crianças que Comem Frutas, é uma obra do pintor espanhol ……………… que nutria grande interesse pela pintura religiosa e pela de gênero.
   
   
   1. Bartolomé Esteban
   2. Diego Velázques
   3. Francisco de Goya
   4. Joan Miró
      
      
4. (Aula 3) Muitas vezes achamos que esse ou aquele pintor não sabe desenhar. Tomemos por exemplo um dos artistas mais geniais e conhecidos da Idade Contemporânea, ………………….., que fez dois desenhos interessantes. O primeiro é chamado “Galinha com Pintinhos”; o segundo  tem o nome de “Galo Novo”. O primeiro é desenhado dentro dos padrões normais, segundo a nossa noção de uma galinha “normal” com pintinhos, o segundo traz um galo meio abestalhado.
   
   
   1. Peter Paul Rubens
   2. Albrecht Dürer
   3. Bartolomé Esteban Murillo
   4. Pablo Picasso
      
      
5. (Aula 4) As pinturas e gravuras esportivas até antes …………………. captarem com precisão os cavalos galopando velozmente, mostravam-nos trazendo as pernas dianteiras e traseiras esticadas ao mesmo tempo, o que não tinha nada a ver com a realidade, fato este até então desconhecido dos artistas e do público.
   
   
   1. dos filmes de cinema
   2. lâmpadas inteligentes
   3. das máquinas fotográficas
   4. das lâmpadas halógenas
      
      
6. (Aula 5) O grande mestre italiano Caravaggio (1571–1610) foi vítima de uma  forma de preconceito na arte, ocasionando um grande escândalo, ao pintar um quadro de …………………, um dos quatro evangelistas.
   
   
   1. São Mateus
   2. São João
   3. São Marcos
   4. São Lucas
      
      
7. (Aula 6) Para os povos primitivos todas as coisas criadas ………………….. As imagens (estatuetas), por exemplo, tinham por objetivo protegê-los contra os poderes da magia que achavam tão real quanto as forças da natureza.
   
   
   1. eram obras dos deuses.
   2. tinham uma utilidade específica.
   3. eram usadas contra as forças do mal.
   4. tinham poder contra os espíritos.
      
      
8. (Aula 7) As representações artísticas pré-históricas, criadas em paredes, tetos e outras superfícies de cavernas e abrigos rochosos ou mesmo sobre superfícies rochosas ao ar livre, são o exemplo do vestígio humano mais antigo. Recebem o nome de ……….
   
   
   1. elementos primitivos.
   2. figuras de Blombos.
   3. artes rupestres.
   4. artes figuradas.
      
      
9. (Aula 8) Um artista tribal jamais pode criar uma obra que represente tão bem a natureza quanto um exímio mestre ocidental.
   
   A afirmação acima é:
   
   
   1. inteiramente verdadeira.
   2. parcialmente correta.
   3. parcialmente falsa.
   4. inteiramente falsa.
      
      
10. (Aula 9/link) Num passado muito distante fazia parte dos costumes egípcios sacrificar os servos para servir o poderoso morto no outro mundo, mas isso acabou caindo em desuso, vindo a arte a oferecer imagens de servos simbólicos, conhecidos como ……………. em substituição àqueles que deveriam ser sacrificados.
    
    
    1. maoris
    2. shabatis
    3. zumbis
    4. aracatis
       
       
11. (Aula 9) Os egípcios antigos carregavam a crença de que o corpo físico necessitava ser poupado, porque……
    
    
    1. precisariam dele no Juízo Final.
    2. sem ele não haveria o retorno à Terra.
    3. a alma iria usá-lo no além.
    4. precisava alcançar o estágio de múmia.
       
       
12. (Aula 9/link) São afirmativas corretas sobre a pintura dos egípcios antigos, exceto:
    
    
    1. Os artistas só se preocupavam com a beleza de sua obra.
    2. A informação tinha que ser repassada com extrema clareza.
    3. Tudo tinha que ser representado de acordo com o ângulo escolhido.
    4. Tudo tido como de real importância era colocado na mesma composição.
       
       
13. (Aula 9/link) No século XIX os  saqueadores de tumbas em busca de riquezas deram aos exóticos rolos de papiro, que grande parte das múmias egípcias trazia entre as pernas, o nome de ……………… que na verdade não se tratava de um livro na exatidão da palavra, mas de escritos e ilustrações feitos em papiros ou mostrados nas paredes das câmaras mortuárias.
    
    
    1. Livro da Chegada à Luz.
    2. Livro da Saída para o Dia
    3. Livro para o Além
    4. Livro dos Mortos
       
       
14. (Aula 9/link) O Livro dos Mortos do Escriba Ani é tido como um dos mais famosos …………. já encontrados, tanto pelo seu tamanho quanto pelas representações gráficas das diferentes fases do julgamento que acontece no mundo dos mortos e por ser um dos mais completos.
    
    
    1. pergaminhos
    2. papiros
    3. livros
    4. manuscritos
       
       
15. (Aula 10) O rei Amenófis IV, pertencente à 18ª dinastia, foi o único soberano a mexer no até então imutável estilo egípcio. Por acreditar num único deus supremo chamado ………….. exigiu que esse fosse representado com a forma de um disco solar, emitindo seus raios e cada raio contendo uma mão.
    
    
    1. Aton
    2. Rá
    3. Amon
    4. Hórus
       
       
16. (Aula 10) São características da arte egípcia, exceto:
    
    
    1. Os artistas egípcios tinham um perfeito sentido de ordem.
    2. Suas pinturas de animais servem de fontes de pesquisa para zoólogos.
    3. Possuía um código de regras severas a serem obedecidas.
    4. Passou por várias mudanças durante um período de três mil anos.
       
       
17. (Aula 11) A denominação Oriente Próximo (ou Antigo Oriente) diz respeito à região onde surgiram as civilizações anteriores às clássicas (mundo greco-romano). Ali existiam poderosos impérios, sendo o Egito apenas um deles. A Bíblia relata muitos fatos acontecidos nessa parte da Terra, situada entre o reino egípcio do Nilo e os impérios babilônio e assírio, situados no vale dos rios Tigre e Eufrates — região conhecida como Mesopotâmia.
    
    Todas as afirmações sobre a Mesopotâmia são verdadeiras, exceto:
    
    
    1. É tida como um dos berços da civilização por ter abrigado parte das primeiras civilizações da humanidade.
    2. Sua arte era voltada para o sol e a lua, o que leva a crer que o movimento planetário fosse muito importante para esse povo.
    3. Ali tiveram origem a roda, a agricultura, as cidades, a escrita, o direito, a medicina, a filosofia, a matemática e a astronomia.
    4. Uma das causas do desconhecimento de sua arte está na falta de pedreiras no vale; suas construções eram feitas com tijolos cozidos que, com o tempo, desintegravam-se.
       
       
18. Existe uma diferença entre a releitura e a cópia de uma obra de arte. Em relação a este assunto, marque a alternativa incorreta:
    
    
    1. A cópia acontece quando o artista representa em detalhes a obra original, como se fosse sua.
    2. A releitura toma a obra original apenas como exemplo, havendo interferências do artista.
    3. A cópia feita por muitos estudantes de arte em seus estudos é tida como uma falsificação.
    4. Na História da Arte a releitura tem sido adotada por grandes nomes, como Pablo Picasso.
       
       
19. No que diz respeito ao estudo da Arte, todas as respostas estão corretas, exceto:
    
    
    1. O indivíduo, ao fim do curso, é capaz de produzir vários trabalhos artísticos.
    2. Desperta a pessoa para outros saberes nos mais diferentes campos.
    3. Leva à percepção das expressões sociais, culturais e históricas de cada época.
    4. Mostra como os povos viveram e divulgaram suas crenças, etc.
       
       
20. “Há uma interpretação ingênua e errônea da constante mudança na arte ser vista como um progresso contínuo. […] Devemos compreender que cada ganho ou avanço numa direção acarreta uma perda em outra, e que esse avanço subjetivo, apesar de sua importância, não corresponde a um incremento objetivo em valores artísticos.” (E. H. Gombrich)
    
    O autor do parágrafo acima não quis dizer que:
    
    
    1. Nem toda mudança na arte significa o avanço de um estilo em relação a outro.
    2. Toda mudança na arte significa o avanço de um estilo em relação a outro.
    3. A arte jamais deve ser vista como um progresso contínuo.
    4. Cada avanço da arte através dos tempos também contabiliza perdas.

Gabarito (Módulo 1)

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