Autoria de Lu Dias Carvalho

O grande afresco A Escola de Atenas situa-se entre as obras mais famosas do renascentista italiano Rafael Sanzio, e representa a Academia de Platão. Nele, o pintor demonstra um domínio absoluto do espaço na disposição das figuras. É impossível não observar a beleza dos gestos de cada um, como se fossem amigos numa discussão filosófica acalorada. No afresco estão reunidos filósofos, matemáticos, astrônomos, cientistas da Antiguidade e personagens contemporâneos do pintor, assim como humanistas e artistas. Segundo o estudioso Fowler, o título do afresco era Causarum Cognitio e que somente após o século XVII passou-se a ser conhecido como A Escola de Atenas.

Estudando a composição (tente encontrar cada personagem descrito):

• Bem no centro da composição encontram-se os dois maiores filósofos do mundo clássico: Platão e Aristóteles.

• Platão, filósofo e matemático grego, autor de diversos diálogos filosóficos e fundador da Academia de Atenas, a primeira instituição de educação superior do mundo ocidental, simboliza a filosofia natural e moral com as leis da harmonia cósmica. Traz debaixo do braço esquerdo o seu Timão, e aponta para o céu, simbolizando o mundo das ideias, o ideal, o mundo inteligível. Leonardo da Vinci serve de modelo para o filósofo Platão.

• Aristóteles, filósofo grego, aluno de Platão e professor de Alexandre, o Grande, caminha ao lado do mestre, e carrega na mão esquerda a Ética (aí se encontram as leis da conduta moral), enquanto a mão direita encontra-se aberta, com a palma virada para o chão, representando o terrestre, o mundo sensível, a filosofia natural e empírica. Seus escritos abrangem diversos assuntos como a física, a metafísica, as leis da poesia e do drama, a música, a lógica, a retórica, o governo, a ética, a biologia e a zoologia.

• Pitágoras, filósofo e matemático grego, encontra-se sentado no canto inferior esquerdo, onde demonstra um de seus enunciados. Um dos assistentes segura uma lousa, onde se encontram alguns símbolos musicais. Também representa a música. Pitágoras foi o fundador de uma escola de pensamento grega, denominada “pitagórica” em sua homenagem.

• Zoroastro (ou Estrabão), profeta persa, tem as características de Pietro Bembo (gramático, escritor, humanista, historiador e cardeal veneziano),  ele ergue uma esfera celeste.

• Epicuro, filósofo grego, que ensinava que a felicidade consiste em buscar os prazeres da mente, encontra-se no primeiro plano, na extrema esquerda, coroado com folhas de videira. Tem como modelo Fedra Inghiram, bibliotecário do papa.

• Euclides (ou Arquimedes), matemático grego e aluno de Sócrates, expõe seus princípios geométricos usando um compasso. Encontra-se rodeado por um grupo de estudantes, possivelmente. Bramante, mestre arquiteto e amigo de Rafael, serve-lhe de modelo.

• Heráclito, filósofo melancólico, que derramava lágrimas pela tolice humana, está sentado num degrau em primeiro plano, tem o braço esquerdo apoiado num bloco de mármore, numa atitude de extrema tristeza. Tem como modelo o genial Michelangelo. Esta figura foi acrescentada depois, pois não se encontrava no desenho preparatório. Após ver, secretamente, parte do trabalho do artista na Capela Sistina, Rafael ficou maravilhado e resolveu fazer uma homenagem ao pintor mais velho, usando-o como modelo para Heráclito.

• Alexandre, o Grande (ou Alcebíades), o mais célebre conquistador do mundo antigo, ouve Sócrates com atenção. Traz um elmo sobre a cabeça, e tem a mão esquerda na espada. Alexandre foi o mais célebre conquistador do mundo antigo.

• Sócrates, um dos mais importantes ícones da tradição filosófica ocidental, enumera pontos específicos com os dedos. Questionar e analisar são a essência da filosofia socrática.

• Diógenes, filósofo cínico, que odiava as posses materiais e vivia num barril, encontra-se espalhado nos degraus da escada, na parte central da composição. Conta-se que Alexandre, o Grande, ao visitá-lo, perguntou-lhe o que poderia fazer por ele, que prontamente respondeu: “Não me tires o que não podes dar.”. Referia-se ao sol, que o conquistador tapava, fazendo-lhe sombra.

• Apeles, considerado por muitos como o mais importante pintor da Antiguidade, tem como modelo o próprio Rafael, que se encontra olhando para o observador.

• Zenão de Cítio (ou Zenão de Eleia), filósofo fundador da escola filosófica estoica, carrega uma criança nos braços, enquanto ouve atentamente Epicuro. Enfatizou a bondade e a paz de espírito, conquistadas através de uma vida plena de virtude, de acordo com as leis da natureza.

• Ptolomeu, astrônomo e geógrafo, achava que a Terra era o centro do universo. Traz nas mãos o globo terrestre.

• Frederico II, duque de Mântua, encontra-se abaixo de Epicuro e só seu rosto é visível.           

• Anício Mânlio Torquato Severino Boécio (ou Anaximandro ou Empédocles), filósofo, estadista e teólogo romano, encontra-se à direita de Pitágoras.

• Antístenes (ou Xenofonte), com seu manto marrom, encontra-se entre Alexandre e Sócrates.

• Ésquines (ou Xenofonte) usa um manto azul, e encontra-se ao lado de Sócrates. Adotou e desenvolveu o lado ético dos ensinamentos de seu mestre Sócrates, advogando uma vida ascética, vivida de acordo com a virtude.

• Parménides, fundador da escola eleática, tem o pé esquerdo sobre um bloco de mármore e faz anotações.

• Averróis, um dos maiores conhecedores e comentaristas de Aristóteles, curva-se ligeiramente, para ver a demonstração de Pitágoras.

• Protógenes, pintor da Grécia antiga, usa um manto branco, e encontra-se ao lado de Rafael. Tem como modelo Pietro Perugino, pintor italiano.

• Plotino usa um manto vermelho e encontra-se atrás da esfera celeste de Zoroastro. Plotino legou-nos ensinamentos em seis livros, de nove capítulos cada, chamados de “As Enéadas”.

• Apolo, o deus da razão, encontra-se no nicho da esquerda, segurando uma lira. Representa o esclarecimento filosófico e o poder da razão.

• Minerva, a deusa da sabedoria, encontra-se no nicho à direita. É a protetora tradicional das instituições devotadas à busca do saber e das realizações artísticas.

Nota: Como o leitor pode notar, não se tem a certeza exata de quem são alguns personagens, daí a inclusão de dois nomes ou mais.

Ficha técnica:
Ano: 1506-1510
Tipo: Afresco
Dimensões: 500 cm × 700 cm
Localização: Palácio Apostólico, Vaticano – Itália

Fonte de pesquisa:
O Livro da Arte/ Publifolha
A História da Arte/ E. H. Gombrich
Tudo sobre Arte/ Sextante
Para Entender a Arte/ Maria Carla Prette
A Arte em Detalhe/ Publifolha
Grandes Mestres/ Abril Coleções
Os Pintores mais Influentes do Mundo/ Girassol

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O artista não obedece a regras fixas. Ele simplesmente intui o caminho a seguir (E. H. Gombrich)

Rafael pintou uma das mais belas imagens religiosas em toda a história da arte. A “Madona do Prado” é repleta de alusões devocionais, rica em teologia simbólica e representa o mais alto nível de genialidade estética e criativa a serviço da história cristã. (James M. Gordon)

Para pintar a maravilhosa Virgem no Prado, também conhecida como Madona do Prado, é possível perceber a preocupação de Rafael em obter um perfeito equilíbrio entre as figuras da composição, de modo a alcançar a maior harmonia possível. Para fazer a Virgem no Prado, o artista italiano fez várias folhas com esboços, em busca do equilíbrio perfeito entre as três figuras representadas. O que nos mostra o quão meticuloso era. A perfeição do equilíbrio acaba ressaltando toda a beleza da composição, tornando as figuras ainda mais encantadoras.

A Virgem com as duas crianças formam um esquema compositivo piramidal, harmoniosamente equilibrado, sem nenhuma austeridade. Atrás da Virgem e dos meninos, uma paisagem típica da Úmbria complementa a pintura. Para verificar o esquema compositivo, trace uma reta unindo a cabeça da Virgem ao pé direito de João Batista e do pé de João Batista ao pé direito da Virgem. Por sua vez, as duas crianças formam outra pirâmide menor.

O rosto de Maria apresenta-se melancólico, enquanto observa as crianças, como se pressentisse o futuro do Filho. O Menino Jesus, que tem a mãe como apoio, brinca com a cruz do pequeno João Batista, que se ajoelha diante dele, como se reconhecesse a sua divindade. A nudez das duas crianças é um dos traços comuns ao Renascentismo.

As cores da composição são suaves, o que dá mais destaque às vestes da Virgem que usa um vestido vermelho e um manto azul. Logo após o campo relvoso encontra-se um lago de águas tranquilas, montes, árvores e o que aparenta ser uma pequena cidade, contrastando com o céu azul e nuvens brancas. Apenas duas flores vermelhas fogem do padrão de cores vistas na natureza. Para alguns, são duas papoulas que se referem à morte, paixão e ressurreição de Cristo.

A Madona do Prado é uma das mais belas composições de Rafael sobre o tema que tanto amava: a Virgem e o Menino. Nela se integram personagens e natureza, exalando naturalidade, tranquilidade e beleza. A elegância e a doçura são duas características do genial pintor que explora aqui os efeitos das cores para criar a impressão de profundidade.

Esta pintura é uma das três versões da obra do artista sobre o mesmo tema, possivelmente a primeira. As outras duas são “Mandona do Pintassilgo” e “A Bela Jardineira”.  A data desta obra está inscrita na gola do vestido da Virgem (M.D. V. I.). É possível que o último número seja parte da ornamentação, sendo a data 1505.

Ficha técnica:
Ano: 1505/1506
Dimensões: 113 x 88 cm
Material: óleo sobre tela
Estilo: Renascimento italiano
Local: Museu Kunsthistorisches  – Viena/ Áustria

Fontes de pesquisa:
A história da Arte/ E. H. Gombrich
Grandes Mestres/ Abril Coleções
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Esta belíssima composição do pintor italiano Piero della Francesca representa Cristo sendo batizado por seu primo João Batista no rio Jordão, tendo ao fundo uma paisagem montanhosa, com torres fortificadas. Imagina-se que tenha sido pintada ainda nos primeiros anos da carreira do artista. Embora não haja documentação sobre a encomenda desta pintura, certas evidências indicam ter sido pintada como retábulo para a capela de São João Batista numa abadia em Sansepolcro, na Toscana/Itália.

O Batismo de Cristo é um tema muito comum, presente na obra de vários pintores, desde o início da arte cristã. Esta composição encontra-se entre as mais belas. O artista captou um momento no tempo, um pouco anterior ao batismo do Mestre. Tudo parece imóvel, até mesmo a pomba branca que traz as asas completamente estendidas. As águas límpidas e paradas do rio refletem o céu e a paisagem à volta.

O Jesus de Piero della Francesca foge aos representados na maioria das pinturas, carregados de uma aura de divindade. Este é um homem comum que possui traços rústicos, orelhas grandes e lábios grossos, o que não diminui em nada a sua majestade. Suas pernas estão retas, sólidas e bem firmadas no chão. Um pano branco, envolto abaixo de sua cintura, cobre parte de seu corpo forte. Apresenta-se com uma expressão séria, imbuído do mais extremo fervor ao receber o batismo. Acima de sua cabeça paira a pomba sagrada que representa o Espírito Santo. Ela foi escorçada para tomar a forma de uma nuvem.

João Batista — antecedeu Jesus nas pregações — encontra-se vestido com uma túnica rústica, amarrada ao meio, diferentemente de outras apresentações em que veste peles de animais. Ele traz a perna esquerda levantada, enquanto derrama a água sobre a cabeça de Cristo. O braço e perna esquerdos de João formam dois ângulos do mesmo tamanho.

Três anjos — que se parecem com pessoas comuns — estão situados à direita de Jesus, presenciando a cerimônia de seu batismo. São pálidos e possuem o rosto arredondado. Vestem roupas diferentes e têm a cabeça coroada por guirlandas. Um deles — o do meio — está de frente para a cena, assiste a tudo com interesse, enquanto os outros dois parecem dispersos, ambos virados de lado. O anjo mais próximo a Jesus apoia-se no do meio e segura sua mão esquerda.

Na composição não existe a imersão de Cristo na água e o rio Jordão é mostrado como se fosse um riacho que reflete as cores e as linhas da paisagem. O homem tirando a roupa — logo atrás de João Batista — repassa a ideia de que outras pessoas estavam sendo batizadas naquele mesmo dia. Piero, que também era um grande matemático, assim esquematiza o quadro (ver os dois quadros menores acima):

• Jesus encontra-se no centro da composição, atraindo os olhos do observador. É possível traçar uma linha vertical imaginária desde a água que escorre da tigela sobre a cabeça de Jesus até suas mãos em postura de oração. Jesus, a mão de João, o pássaro e a bacia formam um eixo que divide a composição em duas partes iguais. Observe o leitor que o vértice do triângulo encontra-se nas mãos de Jesus. Olhando a metade esquerda da composição é possível dividi-la em duas partes, tomando a árvore como divisor.

Nesta composição Piero della Francesca usou a técnica da têmpera em que pigmentos são misturados com ovo, o que exigiu muita habilidade e paciência do pintor, sendo sua característica mais marcante a iluminação que desce de cima, produzindo tons delicados e pálidas sombras que circundam as figuras e reforçam a tridimensionalidade das mesmas. A composição é totalmente homogênea e harmônica.

Ficha técnica:
Data: c. 1450
Técnica: têmpera sobre madeira
Dimensões: 167 x 116
Localização: National Gallery, Londres, Reino Unido

Fontes de pesquisa:
1001 obras-primas da pintura ocidental/ Könemann
A história da arte/ E.H. Gombrich
Enciclopédia dos Museus/ Mirador

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