Autoria de Lu Dias Carvalho

Não devemos recear ver-nos envolvidos no meio de elementos mais indigestos; temos apenas que esperar que as coisas mais difíceis de assimilar não venham perturbar o equilíbrio. Desta maneira, a vida é, com certeza, mais apaixonante que uma vida burguesa muito ordenada. E cada um é livre, de acordo com seus gestos, ao escolher entre o doce e o salgado dos dois pratos da balança. […] Com prudência e sabedoria ninguém cometerá grandes erros! (Paul Klee)

 A composição Insula Dulcamara é uma obra do artista suíço Paul Klee, e um dos seus maiores quadros. O título em latim significa: “insula” (ilha), “dulcis” (doce, amável) e “amarus” (amargo), o que constitui uma ambiguidade. Trata-se, portanto, de uma “Ilha doce-amarga”.

A ilha possui um fundo claro, composto por tons delicados de rosa, amarelo e azul, semelhantes a grupos de nuvens. Nesta paisagem aprazível veem-se plantas e flores delicadas, contudo, linhas e pontos pretos, bem fortes, irrompem-se por toda a tela, como a desfazer toda a poesia que dela emana.

No centro da composição, emerge um rosto branco, com as órbitas circuladas por linhas pretas e a boca formada por um pequeno retângulo da mesma cor, simbolizando a morte. Na carta (ver trecho acima, em negrito) que escreve à sua nora, esposa de Felix, Klee explica os sentimentos que perpassam em sua pintura acima.

Ficha técnica
Ano: 1938
Técnica: óleo de guache sobre papel de jornal sobre juta sobre moldura de cunha
Dimensões: 88 x 176 cm
Localização: Kunstmuseum Bern, Berna, Suíça

Fontes de pesquisa
Paul Klee/ Taschen

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Após a Primeira Guerra Mundial, muitos artistas, incluindo Piet Mondrian, acreditaram que a arte abstrata poderia contribuir para com uma sociedade mais harmoniosa, comunicando em uma linguagem universal, visual. (The Art Institute  of Chicago)

O artista Piet Mondrian (1872-1944) nasceu em Amersfoort, uma vila holandesa próxima à cidade de Utrecht. Embora seu pai fosse professor calvinista, dono de costumes austeros, não impôs dificuldades para que o filho ingressasse no mundo da arte. Sua exigência era que ele se diplomasse como professor de desenho. Mondrian passou a estudar em Amsterdam, na Academia de Belas-Artes, onde aprendeu sobre os grandes mestres, visitando museus, sobretudo o Rijkmuseum.

Naquela época, não se tinha a pintura como profissão, assim sendo, durante algum tempo, o artista demonstrou interesse pela teologia e teosofia. Mas tendo concluído seus estudos na Academia de Belas-Artes, passou a pintar incansavelmente.  Sua pintura era clássica, antibarroca e urbana.  Ao visitar a Espanha, não se entusiasmou pelo tipo de pintura que ali encontrou. Contudo, ao visitar Flandres, na Bélgica, situada no norte da Europa, compreendeu que ali se encontravam suas raízes. A cidade medieval de Brabante encantou-o com sua paisagem cheia de misticismo e apuro estético.

Mondrian, aos 37 anos de idade, apresentou suas primeiras obras no Museu Municipal de Amsterdam. A crítica oficial destratou seu trabalho e negou seu talento, excetuando Conrad Kickert, um importante crítico, que preconizou que ele era uma grande figura da arte europeia, saída da Holanda. E ao apoiar o artista, inclusive comprando algumas de suas telas, Kichert ajudou a projetar seu nome como uma contribuição à pintura holandesa, como o foram Rembrandt, Hals e Vermeer. Juntamente com Mondrian, Toorop e Sluyters, Kichert criou o “Comitê Diretor do Círculo de Arte Moderna”, fundado em Amsterdam e, que tinha como objetivo organizar exposições, projetando artistas e movimentos de vanguarda de todo o continente europeu. Por ali passaram nomes como Cézanne, Braque, Gauguin, Léger, etc.

Em 1911, Mondrian foi morar em Paris, período em que travou contato com os cubistas e envolveu-se com o cubismo. Ao visitar o pai, enfermo na Holanda, foi obrigado a ali permanecer, surpreendido com a eclosão da Primeira Guerra Mundial. Continuou pintando e buscando a ansiada “abstração pura”. O fato de continuar interessado pela teosofia fez com que alguns críticos acreditassem que o termo “neoplasticismo”, criado por ele para denominar sua pintura, tivesse origem na concepção místico-religiosa dos teosofistas, que ele tanto apreciava. Durante o período da guerra, Mondrian travou amizade com o crítico Theo van Doesburg, com quem, juntamente com outros artistas, fundou a revista “De Stijl” (O Estilo). Mas rompeu com o grupo após a inclusão da diagonal, o que para ele fazia perder a imutabilidade estática, conseguida através de verticais e horizontais estáveis.

Ao retornar a Paris, o artista, para superar as dificuldades financeiras, pintou flores em quadros fotograficamente figurativos, sem deixar de lado sua teoria – o neoplasticismo, que passou a ganhar espaço cada vez maior. Em razão dos perigos de uma nova guerra, ele partiu para a Inglaterra e, dois anos depois, foi para os Estados Unidos, de onde jamais sairia. Avesso a exposições individuais, Mondrian concordou em fazer uma mostra na Galeria Valentim Dudensing, em Nova York, em 1942.

No início de sua carreira, o artista começou a pintar paisagens pastorais, bem simples, originárias de seu país, mas suas pinturas foram evoluindo, a partir dessas ideias artísticas, até encontrar a mais completa abstração. Ele foi membro do movimento holandês “De Stijl” desde o seu início, em 1917. No início da década de 1920, em conformidade com a prática desse movimento, o artista limitou suas composições por linhas horizontais e verticais pretas, muitas vezes dividindo blocos subsidiários de cores primárias individuais.

Piet Mondrian morreu em 1944, vitimado por uma pneumonia mal curada. O seu sepultamento foi presenciando por grandes nomes da arte.

Fontes de pesquisa
Gênios da pintura/ Abril Cultural

Composition No. 1: Lozenge with Four Lines

http://www.artic.edu/aic/collections/artwork/65821

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição O Deus da Floresta Nórdica é uma obra do artista suíço Paul Klee, que combinava diversas técnicas de pintura em sua obra.

No quadro acima, o artista fez uso de tons de lilás, de verdes e de amarelos, reponsáveis por tornar sua obra muito escura. Ele também espalhou pela obra inúmeros “X” sobre pequenos quadrados.

O mais interessante nesta composição é que, ao se colocar mais distante, o observador vê surgir o rosto de uma pessoa no centro do quadro, fazendo lembrar o Cubismo de Picasso ou Georges Braque. Para visualizar mais rapidamente a figura, basta focar nos dois pequenos x, em preto mais escuro, que formam os olhos.

Ao observar o título da composição, o observador verá que a figura tem uma correlação com ele, ou seja, trata-se do deus da Floresta Nórdica.

Ficha técnica
Ano: 1922
Técnica: óleo e pena sobre tela debruada a aquarela, sobre cartão
Dimensões: 17,3 x 25,6 cm
Localização: Kunstmuseum Bern, Berna, Suíça

Fontes de pesquisa
Paul Klee/ Taschen
Gênios da pintura/ Abril Cultural

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Dia dos Mortos é uma obra do pintor mexicano Diego Rivera, que embora tivesse a sua própria ideologia, jamais deixou de levar em conta a religiosidade de seu povo, assim como suas superstições, como mostra sua pintura cheia de ardor e sensibilidade. O artista foi responsável por rebatizar a morte, que era chamada de “La Calavera Garbancera”, com o nome de “La Catrina”. Em sua pintura, o artista apresenta várias pessoas num cemitério, cultuando seus mortos, fato muito comum em seu país.

Em primeiro plano encontra-se uma família composta por quatro membros, sendo um homem e três mulheres. O homem, com seu enorme chapéu, assim como uma mulher segurando o que se parece com um recipiente com comida, encontram-se de frente para o observador. Duas outras figuras femininas, uma em cada lado do túmulo, trazem a cabeça baixa, como se estivessem em oração. Um vaso de flores e duas velas estão sobre o túmulo. Abaixo, no que parece ser também uma laje tumular, estão três velas, um vaso com flores, três pratos de cerâmica, onde se coloca comida para o morto, e um objeto parecido com uma lamparina, do qual sai uma fumaça branca. As cinco gigantescas velas iluminam a cena.

Ao fundo, entre monumentos fúnebres, são vistos três homens em pé, usando chapéus (sombreros) e ponchos, enquanto algumas mulheres estão sentadas, também cobertas. Outra mulher, à direita, é vista mais ao longe. Ali também, a luminosidade das velas clareia tudo em derredor. A cena acontece numa noite de muito frio.

A morte tem seu culto no México, celebrado com música, muita comida, teatro, etc. Ela é cultuada como uma entidade milagrosa, que vela pelos mais desvalidos e piores pecadores, quando esses já não têm mais com quem contar e, quando tudo no mundo se torna um inimigo à espreita. Mas tal ser sobrenatural também exige o seu quinhão em troca, afirmam os seus fiéis. Enquanto o devoto honrar os compromissos feitos com “La Santa Muerte” contará com a sua acolhida e proteção, sejam lá quais forem os pecados que carregar consigo. O pagamento deve ser proporcional ao tamanho do milagre. Ou seja, quem pede mais, paga mais. O que não deixa de ser muito justo.

O “Dia dos Mortos” (Día de Muertos) mais conhecido em todo o mundo é o mexicano. Antes mesmo da chegada dos colonizadores espanhóis ao México, já havia por lá tal comemoração, assim como em outros países da América Central. As festividades têm lugar nos dias 1º (Todos os Santos) e dois (Finados) de novembro. A festividade mexicana foi declarada Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade pela Unesco (Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura).

Ficha técnica
Ano: 1944
Técnica: óleo sobre masonite
Dimensões: 73 x 91 cm
Localização: Museu Nacional de Arte Moderna, Cidade do México, México

Fonte de pesquisa
Gênios da Pintura/ Abril Cultural

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