Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Inverno faz parte da série “Quatro Estações” do famoso pintor italiano Giuseppe Arcimboldo. É o último da série.

O artista, exímio detalhista, compõe sua figura com habilidade incomparável. Quanto mais distante colocar-se o observador da tela, mais perfeita será a figura masculina, vista de perfil, voltada para a direita, com um semblante sério. E, quanto mais próximo do quadro permanecer, mais se verá em meio a galhos nus, cascas e folhas pintados detalhadamente, pois tudo ali (pele, cabelo e vestimenta)  é imaginário no que tange às partes da suposta figura humana, que se mostra em relevo, em fução do fundo escuro do quadro.

Giuseppe Arcimboldo usou o toco de uma árvore velha, quase morta, com a casca soltando, para representar a estação do Inverno. A figura composta assemelha-se a um velho, com o nariz adunco e com a pele a soltar-se, com lábios inchados e boca desdentada.  Vejamos alguns exemplos que compõem a alegoria:

• um cogumelo (míscaro) é colocado de viés para formar o queixo verruguento;
• crostas da madeira compõem a face cheia de cicatrizes, enquanto pequenos galhos, desprovidos de folhas, dão vida à barba espetada;
• um sulco fundo da casca forma o olhos,
• um pedaço de ramo repartido dá forma à orelha;
• uma espécie de tapete de palha, com fibras grossas e ásperas,  serve de agasalho para a figura do velho. É possível vislumbrar no capacho um brasão;
• uma laranja e um limão pendem de um pequeno galho no pescoço, como se fosse uma gravata borboleta;
• uma hera verde, na parte posterior daquilo que é tido como cabeça, forma o cabelo;
• um emaranhado de ramos, no topo da cabeça, lembra uma coroa.

Como nas telas “Primavera”, “Verão” e “Outono”, uma grinalda pintada, em forma retangular, em torno da figura, mostra-se bem diferente do estilo da mesma. Existe a hipótese de que tenha sido agregada à tela mais tarde.

Ficha técnica
Ano: 1573
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 76 x 64 cm
Localização: Museu Nacional do Louvre, Paris, França

Fontes de pesquisa
Arcimboldo/ Editora Paisagem
https://www.nga.gov/exhibitions/2010/arcimboldo/arcimboldo_brochure.pdf

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Madona da Romã é uma obra do pintor italiano Sandro Botticelli (1445-1510), que aos 17 anos de idade tornou-se aluno do prestigiado artista frade Filippo Lippi, mas não demorou muito para que o aluno superasse o mestre, com suas figuras suaves, rostos sérios e expressões contemplativas, buscando apresentar a realidade interior de seus personagens. Os artistas Antonio del Pollaiuolo, Andrea del Verrochio, Ghirlandaio e Perugino também exerceram influência na arte de Botticelli.

Esta obra tem o formato arredondado (tondo). Também é circular o disco de raios dourados acima da cabeça da Virgem. Os anjos, por sua vez, formam um semicírculo. A mesma forma repete-se na romã. A pintura foi feita para ornar a sala de audiência do Magistrado dei Massai, no Palazzo della Signora. Seguindo a tradição da Idade Média, Botticelli pintou a Virgem com seu Menino numa dimensão maior do que as figuras dos anjos.

A Virgem encontra-se, em primeiro plano, de frente para o observador, com seu Menino ao colo. Ela usa um manto azul sobre o vestido vermelho. Traz na cabeça um véu transparente, que cobre seus cabelos dourados e anelados. Acima dele está outro véu que, junto com o primeiro, cinge-lhe ombros e peito. Um tênue halo circular, prova de sua divindade, adorna a cabeça. Maria, com o rosto levemente inclinado para sua esquerda, mostra-se pensativa, com o olhar perdido, como se imaginasse o sofrimento pelo qual passará a criança inocente em seus braços. Ela segura uma romã com a mão esquerda, encostada ao corpo do Filho. Sua grande dimensão atrai os olhos do observador, que descem pelo Menino e fixam-se na romã.

O Menino Jesus usa uma túnica transparente que deixa seu corpinho à vista. Assim como os da mãe, seus cabelos são dourados e cheios de cachos. Sua cabeça está inclinada para a direita, com o queixo encostado no ombro. Uma transparente auréola adorna-a. Ele mira o observador com seus olhos tristes Sua mãozinha esquerda descansa sobre a romã partida, enquanto abençoa com a direita.

Seis gracisosos anjos, três de cada lado, ligados por um festão de rosas, ladeiam a Virgem e seu Menino. Dois deles trazem um ramo de lírio, simbolizando a pureza e a virgindade de Maria. Dois outros seguram um livro aberto nas mãos, simbolizando a sabedoria da Virgem. Três dos anjos olham para fora da tela. Apenas um deles apresenta o semblante alegre. Os outros exalam grande tristeza, como se também antevissem a morte de Jesus. O primeiro anjo, à esquerda, traz duas faixas entrecruzadas na frente, onde está escrita uma saudação à Virgem: “AVE GRAZIA PLENA”.

As rosas são também um símbolo da Virgem. A romã, responsável pelo título da composição, significa que Cristo, através de seu sangue, morte e ressurreição, renascerá, assim como cada semente dela produzirá nova planta. A romã tem também outros significados, tais como: as inúmeras virtudes da Virgem Maria, a unidade da Igreja, a fertilidade, a realeza e o trabalho.

Ficha técnica
Ano: c. 1487
Técnica: têmpera sobre madeira
Dimensões: 143,5 cm de diâmetro
Localização: Galleria deglu Uffizi, Florença, Itália

Fontes de pesquisa
A Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann
http://poweroftheomegranate.weebly.com/art.html

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 Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Madona do Pintassilgo é uma obra do pintor italiano Rafael Sanzio (1483-1520), um dos pintores mais importantes da Alta Renascença italiana, período em que houve uma grande concentração de gênios na arte, e em que o homem era visto como a medida de todas as coisas. Ele era filho do pintor Giovanni Sanzio, de quem recebeu as primeiras aulas sobre pintura. Suas obras são admiradas, sobretudo, pela humildade e graça que apresentam.

O artista é conhecido como “O Pintor das Madonas” por ter pintado inúmeros quadros com a Virgem e seu Menino. Esta obra foi executada para Vincenzo Nasi, um rico comerciante, mas em 1547, quando a casa de Vincenzo sofreu um desmoronamento, o quadro caiu, partindo em 17 fragmentos, encontrados sob os escombros.  O artista Michele di Rodolfo del Ghirlandajo foi o responsável por sua restauração, para o bem de nossos olhos.

Esta é uma das suas mais belas madonas, em que se entrelaçam harmonia, serenidade, suavidade e espiritualidade. Na tela estão a Virgem Maria com seu Menino Jesus e o pequeno João Batista. O grupo forma um bloco piramidal, estrutura inspirada nas obras de Leonardo da Vinci, assim como o uso do claro-escuro. As figuras estão ligadas por olhares e gestos. Michelangelo influenciou na monumentalidade das figuras, postadas no centro da composição.

A Virgem, muito serena, encontra-se sentada numa rocha, em meio a uma ampla paisagem.  Seu corpo está voltado para o observador, com um pequeno giro das pernas e do tronco para sua esquerda, mas com a cabeça voltada para sua direita. Ela usa um vestido vermelho (cor referente à Paixão de Cristo), amarrado na cintura, e coberto por um manto azul (cor referente à Igreja). Na mão esquerda traz um livro aberto de orações, e com a direita segura João Batista, para o qual volta o seu meigo olhar. Seus cabelos dourados estão trançados e jogados para trás. Uma auréola, símbolo de sua divindade, paira sobre sua cabeça. Ela se encontra descalça.

O Menino Jesus, nu, posiciona-se entre os joelhos da Virgem, neles escorando seu corpinho. Seu braço esquerdo está junto ao seu corpo, enquanto o direito está levantado em direção a João Batista, acariciando a pequena ave que segura com as duas mãozinhas. Seu corpo também se encontra de frente para o observador, mas sua cabeça está voltada para a direita, com os olhos fixos em seu primo. Seus cabelos corridos estão penteados para trás. Seu pezinho direito encontra-se em cima do pé direito de Maria. Uma faixa transparente cinge-lhe a cintura, em torno dos quadris.  Seu corpo rechonchudo apresenta muitas dobrinhas.

O pequeno João Batista aparenta ser mais velho do que Jesus. Parte de seu corpo, que se encontra de perfil, está coberto por um pequeno couro, que desce de seu ombro direito para frente e costas. Sua cabeça, com pequenos cachos dourados, está voltada para Jesus, assim como toda a sua atenção. Ele traz nas mãos um pintassilgo, cuja cabeça está voltada para o Menino. Uma frigideira está atrelada a sua vestimenta.

Duas pequenas moitas de flores aparecem próximas aos pés das duas crianças. Ao fundo descortina-se uma paisagem montanhosa com um rio, cercado por árvores e cheio de pedras. Uma ponte corta-o. Mais ao longe se divisa uma cidade.

Obs.: A última restauração desta obra, iniciada em 1999, foi concluída em 2008.

Ficha técnica
Ano: c. 1506
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 107 x 77 cm
Localização: Galleria deglu Uffizi, Florença, Itália

Fontes de pesquisa
A Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann
http://www.ovo.com/madonna-del-cardellino/

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