Autoria de Lu Dias Carvalho

Foi a pintura mural, a começar pela que realizou para o Pavilhão de Turim, que lhe estimulou o interesse pelas harmonias cromáticas impressionistas, claras e de grande efeito de espaço e para o que o emprego do pontilhismo facilitava um divisionismo das cores e alcance de uma luminosidade de pronta sedução decorativa. Conquanto por vezes tenha levado para a pintura de alguns quadros o recurso do pontilhismo (…) será em sua pintura mural que a técnica assim se caracterizará definitivamente. (Quirino Campofiorito)

Artista de organização muito trabalhada, pela sua permanente luta íntima, em torno dos seus ideais, o professor Chambelland é um impressionista forte, cheio de sol, cheio de claridade, cheio de tons vivos que reproduzem a natureza como ela dever ser vista, animada, colorida, na alegria pagã com que os nossos olhos de homem moderno a veem. (Angyone Costa)

O pintor, desenhista, decorador e professor Rodolpho Chambelland (1879-1967) nasceu na cidade do Rio de Janeiro. Seus estudos no campo das artes tiveram início no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro. A seguir estudou na Escola Nacional de Belas-Artes (ENBA), tendo sido aluno de João Zeferino da Costa, Rodolfo Amoedo e Henrique Bernardelli.

Em 1905, ao expor seu quadro “Bacantes em Festa”, na Exposição Geral de Belas Artes, Rodolpho Chambelland conquistou o cobiçado Prêmio de Viagem à Europa, que deu ao artista a oportunidade de ampliar seus estudos no continente europeu. Em Paris, cidade em que permaneceu por dois anos, estudou com o mestre Jean-Paul Laurens, na Academia Julien. Recebeu influência das técnicas do pontilhismo e do impressionismo.

Após a sua volta ao Brasil, o artista fez a sua primeira mostra individual na cidade do Rio de Janeiro, viajando três anos depois para a Itália, em companhia de seu irmão mais novo Carlos Chambelland, e dos dois irmãos artistas, João Timótheo da Costa e Arthur Timótheo da Costa, dentre outros, que haviam firmado contrato com o governo brasileiro para decorar o Pavilhão do Brasil, na Exposição Internacional que se realizaria em Turim.

No Brasil, foi professor na Escola Nacional de Belas Artes, até se aposentar. Também recebeu uma medalha de ouro pelo retrato que fez de José Mariano Filho. Em conjunto com seu Carlos Chambelland,  decora a cúpula da sala de sessões do Palácio Tiradentes, no Rodolpho Chambelland Rio de Janeiro, com oito painéis.

Rodolpho Chambelland, Rodolpho Chambelland foi considerado excelente retratista e pintor de figuras, destacando-se na realização de cenas de costumes e de gênero.  Morreu na cidade do Rio de Janeiro, aos 88 anos de idade.

Fontes de pesquisa
http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa24656/rodolfo-chambelland
https://www.escritoriodearte.com/artista/rodolfo-chambelland/

Autoria de Lu Dias Carvalho

A penumbra é um elemento constante de sua linguagem, que acabou encontrando perfeita tradução plástica no opção do artista pela xilogravura como meio preferencial de expressão. (Rafael Cardoso)

O Brasil que aparece nas obras do gravador, filho do naturalista suíço Emilio Goeldi, está muito distanciado da ideia de um país tropical, alegre e solar. O mundo de suas gravuras e desenhos é formado por personagens solitários em ruas silenciosas — universo que, para o espectador, pode parecer inquietante. (jornal O Estado de São Paulo)

Ninguém que conhece a paisagem do Brasil — suas ruas e casarios, seus tipos e costumes — ousaria negar a centralidade do país no imaginário do artista. (Rafael Cardoso)

A composição O Subúrbio que também pode ser encontrada com o título “Tropischer Garten” (Jardim Tropical) é uma obra do artista brasileiro Oswaldo Goeldi. As duas impressões foram feitas a partir da mesma matriz. Não se sabe o porquê de trazerem nomes diferenciados. Mas isso é comum acontecer na gravura, onde existe a reprodução das obras. Aquela com nome em alemão deve ter sido feita para o estrangeiro.

A gravura apresenta um sobrado, rodeado por palmeiras e bananeiras, além de um imenso pé de flamboyant  e da nossa tão conhecida babosa. A frente do  sobrado de dois pavimentos ocupa o centro da composição. Na parte de baixo estão duas grandes portas. O casarão parece espremido — acima, pelo céu e abaixo, pelas árvores.

Na frente do sobrado, em primeiro plano, encontra-se um casal. O tamanho agigantado da edificação e da vegetação que a envolve, torna-o diminuto. Na segunda gravura vista, denominada Chuva, o artista deixa o seu mundo do preto e branco, para inserir um pouco de cor em seu trabalho de xilogravura.

Ficha técnica
Ano: c. 1930
Técnica: xilogravura sobre papel
Dimensões: 14,6 x 15 cm
Localização: Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro, Brasil

Fonte de pesquisa
A arte brasileira em 25 quadros/ Rafael Cardoso

Autoria de Lu Dias Carvalho

O grande mestre da gravura brasileira preservou em sua obra o que ela possui de mais autêntico e universal: sua humanidade profunda. […] A penumbra é um elemento constante de sua linguagem, que acabou encontrando perfeita tradução plástica na opção do artista pela xilogravura como meio preferencial de expressão. (Rafael Cardoso)

Nunca sacrifiquei a qualquer modismo o meu próprio eu – caminhada dura, mas a única que vale todos os sacrifícios. (Oswaldo Goeldi)

Sua imaginação tem a brutalidade sinistra das misérias das grandes capitais, a solenidade das casas de cômodos onde se morre sem assistência, o imenso ermo das ruas pela noite morta e dos cais pedrentos batidos pela violência de sóis explosivos. (Manuel Bandeira)

Goeldi só não é um desesperado, porque tem amor à humanidade e certo apego à vida. Gosta de perambular pelas ruas, fixando tipos, guardando imagens. […] Seu olhar para as coisas vai carregado de força subjetiva que logo se transforma em visão. Visão quase sempre trágica. (Aníbal Machado)

 O gravurista, desenhista, ilustrador e professor Oswaldo Goeldi (1895-1961) nasceu na cidade do Rio de Janeiro. Era filho de Emílio Augusto Goeldi, cientista suíço, que foi diretor do hoje Museu Paraense Emílio Goeldi, e de mãe brasileira. Sua família mudou-se para a cidade de Belém, no Pará, quando ele tinha apenas um ano de idade. Ali permaneceu durante seis anos, mudando a seguir, com a família, para Berna, na Suíça.

Oswaldo, aos 22 anos de idade, tornou-se alundo da Escola de Artes e Ofícios, em Genebra, mas abandonou o curso, sem concluí-lo. Optou por ter aulas no ateliê dos artistas Serge Pahke e Henri van Muyden. Ao realizar a sua primeira exposição individual em Berna, ficou conhecendo a obra do ilustrador expressionista austríaco Alfred Kubin, pela qual se viu fortemente atraído. Os dois artistas tornaram-se amigos e mantiveran uma longa correspondência. Na mesma época, ele se tornou amigo do artista suíço Hermann Kümmerly, com quem fez suas primeiras litografias.  Presenteou o amigo suíço com 157 desenhos e gravuras. Felizmente, esse acervo voltou ao Brasil, ao ser adquirido por Raul Schmidt Felippe Jr., colecionador brasileiro.

Aos 24 anos de idade, Oswaldo retornou ao Brasil, após o falecimento de seu pai,  escolhendo a cidade do Rio de Janeiro, onde nascera, para morar. Passou a trabalhar nas revistas “Ilustração Brasileira” e  “Para Todos”, como ilustrador. Realizou sua primeira individual dois anos depois. Tomou conhecimento da xilogravura, técnica através da qual passou a expressar-se. Estudou com Ricardo Bampi, em Niterói. Começou a experimentar o uso da cor em suas xilogravuras. Lançou o álbum “10 Gravuras em Madeira de Oswaldo Goeldi”, em 1930, cuja introdução foi feita pelo poeta Manuel Bandeira. Ilustrou revistas e periódicos. Expôs seu trabalho na 25ª Bienal de Veneza, em 1950, e ganhou o Prêmio de Gravura da 1ª Bienal Internacional de São Paulo, no ano seguinte.

Oswaldo, um dos maiores mestres da gravura, visto como expoente máximo de sua arte no Brasil e do século XX, tornou-se professor, em 1952, da Escola Nacional de Belas-Artes (Enba), no Rio de Janeiro, abrindo ali uma oficina de xilogravura. Dentre seus alunos podem ser citados: Adir Botelho, Anna Letycia, Samico, Antônio Dias e Roberto Magalhãe. Dentre suas obras, todas de grande qualidade, encontram-se: Na Favela, Bairro Industrial, Rolando Pipa, Conversa de Esquina, Canto de Rua, Mascate, Cais, etc. As paisagens na obra do artista são, geralmente, noturnas e urbanas. O artista tinha como temas pessoais: casario suburbano, mar e pescadores, noite e solidão, dentre outros. Dentre os animais tinha predileção pelos gatos, garças, abutres e tubarões.

O artista era, às vezes, sarcástico em muitas de suas obras, enquanto noutras invertia aquilo que se tem como normalidade, a exemplo de um peixe perseguindo um pescador, pássaros aguardando momento propício para investirem contra o dono, caveiras que retomam a vida, o vento que tudo destrói e leva consigo,  como se a natureza e os objetos voltassem-se contra o homem todo poderoso, sempre a intimidá-los.

Oswaldo Goeldi faleceu em 1961, na cidade do Rio de Janeiro. Sua obra continua fazendo parte de exposições póstumas, em vários países. Todo o seu acervo vem sendo preservado e catalogado pela Associação Artística Cultural Oswaldo Goeldi e pelo Projeto Goeldi. Hoje, a quase totalidade das matrizes e muitas centenas de gravuras e desenhos seus estão no Rio de Janeiro, no Museu Nacional de Belas-Artes e na Biblioteca Nacional, onde são guardados os arquivos do artista, transferidos da PUC-RJ.

Fontes de pesquisa
A arte brasileira em 25 quadros/ Rafael Cardos
Brazilian Art VII
https://pt.wikipedia.org/wiki/Oswaldo_Goeldi

Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Má Notícias é uma obra do pintor brasileiro Rodolpho Amoedo. Trata-se de uma pintura de gênero, que retrata um momento doméstico e também sentimental. Não se sabe se é um retrato, de acordo com a definição do termo, uma vez que nada se conhece da modelo, ou seja, se ela teria se feito retratar, ou seviu de mero modelo.

O quadro mostra uma jovem mulher, sentada numa cadeira de madeira, ornamentada com motivos de marchetaria, tendo à esquerda uma volumosa almofada finamente trabalhada, lembrando o Oriente. Ela se encontra de frente para o observador. Seus olhos escuros, embora pareçam mirar o observador, estão perdidos, distantes. Seu braço esquerdo está apoiado na aba da cadeira, enquanto a mão serve de apoio para o queixo. O corpo inclinado para a direita repassa a leitura de uma intensa emocão, sendo que seu rosto de traços marcantes demonstra angústia e conformidade.

A mulher está ricamente trajada.  Seu vestido de cetim, com fundo branco e listras verticais azuis, possui imensas mangas bufantes e gola que se fecha no pescoço com quatro botões de madripérola. Pelas costas e ombros desliza uma bela peça transparente feita de renda. Uma grossa fita branca de cetim cinge-lhe a cintura. Nos braços traz duas delicadas pulseiras de ouro. Através de sua vestimenta e da decoração que a rodeia é possível chegar à conclusão de que se trata de uma pessoa de classe rica.

O que estaria acontecendo com essa bela moça? Seu braço direito está estendido em seu colo, e a mão, com seus dedos rígidos, detém duas folhas meio amassadas, ou seja, uma carta, cujo teor está em conformidade com o título da obra: más notícias. É possível ver parte do escrito. Um biombo, decorado com motivos chineses, encontra-se à direita da figura feminina. O fundo preto da tela funde-se com o cabelo da jovem e põe em destaque sua figura.

Ficha técnica
Ano: 1895
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 100 x 74 cm
Localização: Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro, Brasil

Fonte de Pesquisa
A arte brasileira em 25 quadros/ Rafael Cardoso

Autoria de Lu Dias Carvalho

Talvez seja o artista mais injustiçado da história da pintura brasileira. […] Apesar de sua longevidade e da inegável qualidade de seu trabalho, Amoedo continua a ocupar um espaço relativamente acanhado na memória artística nacional. […] Não teve ainda sua reputação devidamente reabilitada pela historiografia posterior. (Rafael Cardoso)

O pintor brasileiro Rodolpho Amoedo (1875-1941) nasceu em Salvador. Estudou no Liceu de Artes e Ofícios, onde teve como mestres Victor Meirelles e Antonio de Souza Lobo. No ano seguinte foi para a Academia Imperial de Belas-Artes, onde estudou com Agostinho Motta,  Victor Meirelles, Zeferino da Costa e Chaves Pinheiro.

Amoedo exerceu a sua arte por cerca de 60 anos e, consequentemente, deixou um grande legado à arte brasileira: mais de 400 pinturas sobre cavalete e diversas pinturas decorativas para edifícios públicos. Também foi muito importante para o ensino da arte no país, tendo passado por ele duas importantes gerações de artistas, como João Baptista da  Costa, Raphael Frederico, Lucílio de Albuquerque, Eugênio Latour e Cândido Portinari. Ajudou transformar a antiga Academia em Escola de Belas-Artes, nos primeiros anos de república, sendo, inclusive, seu vice-diretor. Foi responsável por grandes mudanças no ensino artístico no país.

O artista ganhou o prêmio da Academia, que era uma viagem ao exterior, vencendo Henrique Bernadelli, até então favorito. Mas houve controvérsias em relação à justeza do concurso, o que trouxe para Amoedo muitos problemas de relacionamento, inclusive com a crítica. Em Paris, ele estudou com o mestre Alexandre Cabanel e Puvis de Chavannes.

O ostracismo, em que caiu Amoedo, pode estar ligado a seu gênio difícil, o que o levava a estar metido em altercações e brigas pessoais. A dificulade, em relacionar-se com ele, levava as pessoas a manterem-se distantes. Além disso, quando o modernismo chegou ao Brasil, ele, que era um pintor acadêmico e ainda exercia sua arte, passou a ser visto como antiquado e retógrado pelos novos artistas.

Amoedo também viveu um momento difícil para o tipo de arte que produzia. Após a proclamação da República, a arte estava mais voltada para “explorar questões ligadas ao espaço público e à identidade coletiva: fosse por meio de exaltação dos valores cívicos do novo regime […], do estudo de tipos nacionais ou regionais […], ou da boa e velha pintura histórica.”, explica Rafael Cardoso em seu livro “A Arte brasileira em 25 quadros”. Entretanto, a pintura de Amoedo não tinha a ver com nada disso, uma vez que sua arte era “interiorizada, intimista e psicológica”. Ele não aderiu, portanto, à nova tenência que havia no país. Gostava, sobretudo, de figuras femininas e passagens da vida urbana. Fez inúmeros retratos. Dentre os seus quadros famosos estão “Marabá”, “Estudo de Mulher”, “Dorso de Mulher”, “No Ateliê” e “O Último Tamoio”.

Na sua velhice, o artista viveu muito solitário, morrendo aos 66 anos de idade, na cidade do Rio de Janeiro. Após sua morte, parte de sua obra foi doada ao Museu Nacional de Belas-Artes (MNBA), no Rio de Janeiro.

Nota: autorretrato do pintor.

Fontes de Pesquisa
A arte brasileira em 25 quadros/ Rafael Cardoso
http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa21342/rodolfo-amoedo

Autoria de Lu Dias Carvalho

O artista atirou-se ao modernismo, deixando as convenções antigas para abraçar corajosamente o realismo. (Revista Ilustrada/1887)

 Ainda no Rio de Janeiro não se fez um quadro tão importante como este. (Gonzaga Duque)

A composição Arrufos é uma obra do pintor, caricaturista, escultor, jornalista e professor brasileiro Belmiro de Almeida, e também uma de suas telas mais conhecidas, ainda que tenha sido feita no início de sua carreira. Foi comprada pela ENBA (Escola Nacional de Belas Artes), três anos após a recusa da Academia em adquiri-la.

À primeira vista, a cena parece levar o observador a imaginar que se trata de uma briga de casal, na sala de estar de uma casa rica, onde se observa enormes almofadas, tecidos caros e um abano, sobre as costas do sofá, à esquerda, pintado com motivos japoneses. A parede, atrás do homem, está coberta com um papel de parede com listras verticais. Vê-se também um abajour de estilo antigo.

A mulher, bem iluminada, encontra-se de joelhos no tapete, com cabeça, braços e parte do tronco apoiados na beira do sofá, o que leva a crer que esteja chorando. A rosa despetalada a seu lado, no tapete, reforça a suposição de que os dois estejam em atrito. Seu chapéu encontra-se abaixo da mão esquerda do moço, o que leva a crer que acabaram de chegar de algum lugar.

Um jovem homem encontra-se assentado numa cadeira. Parte de seu rosto está oculta pela sombra. Ele está elegantemente trajado, usando calças cinzas, camisa vermelha e colete debaixo do paletó, o que denota sua boa posição social. Não usa gravata, mas uma gola branca alta, que se encontra presa à camisa por um ostentoso botão branco. Um relógio dourado desponta debaixo de seu colete. Na mão esquerda usa uma luva marrom de couro de dois tons e segura a da mão despida. Traz as pernas cruzadas e inclina levemente a cabeça para acompanhar a fumaça do charuto, como se estivesse perdido em pensamentos.

A aparente calma do moço leva a crer que seja ele o responsável pela desolação da mulher, levando-a a jogar a rosa no chão. A mão esquerda enluvada pode significar que ele não permanecerá muito tempo no local. E, segundo disse Gonzaga Duque, historiador e crítico da arte, pode ser que ela tenha levado um “pé na bunda”, como indica a posição do traseiro da mulher e, próximo a ele, o pé erguido do homem. Será mesmo?

O personagem masculino retratado nesta obra é o escritor e crítico de arte Gonzaga Duque, nos seus 24 anos de idade.

Fonte de pesquisa
Belmiro de Almeida/ Coleção Folha