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Autoria de Lu Dias Carvalho

O gravador, desenhista e pintor francês François Boucher (1703 – 1770) era filho de um artista que criava padrões para bordados e ornamentos. Iniciou sua vida artística ainda muito jovem, como aprendiz de Fraçois Lemoyne, onde ficou por um breve tempo, vindo depois a trabalhar para Jean François Cars, um gravador de cobre. Aos 20 anos de idade recebeu o “Grand Prix de Rome” que era um incentivo aos novos artistas.

A composição intitulada Alegoria da Música é uma obra do artista, tido como sucessor de Watteau na pintura de temas galantes. Embora François Boucher fosse dono de um repertório vasto, tinha predileção pelos temas mitológicos e alegóricos. Em suas pinturas sempre aparecia uma jovem e bela mulher pousando sensualmente. Ele retratava, muitas vezes, o requinte dos ambientes luxuosos, sendo por isso criticado pela burguesia progressista.

A cena mostra uma jovem em cima de uma imensa nuvem, sentada de perfil, com a cabeça voltada para a esquerda, onde se veem dois querubins. Seus cabelos dourados, presos, deixam à vista seu esguio pescoço. Ela veste uma túnica branca que deixa a descoberto o seio esquerdo e, sobre ela, um manto azul. Entre suas alvas pernas está um manto vermelho que se espalha à sua esquerda e sobre o qual descansam um livro de pautas, duas rosas e um casal de pombas.

Instrumentos musicais e um livro de pautas são os atributos da mulher e encontram-se em torno dela. Os dois pequenos anjos nus dirigem-se à jovem. Um deles segura uma flauta doce na mão esquerda e uma coroa de louros na direita. Uma pomba branca parece pousar no ombro da jovem, próxima ao braço do anjo. Outro anjo brinca com as cordas da lira que a jovem mulher segura. O casal de pombos, próximo ao livro de pautas, encontra-se de costas para o pequeno grupo.

Ficha técnica
Ano: 1764
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 103,5 x 130 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
1000 obras-primas da pintura europeia/ Könemann

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição intitulada Judite e Holofernes ou Judite com a Cabeça de Holofernes já figurou na coleção do Rei Charles I da Inglaterra, como sendo um trabalho de Rafael Sanzio, mas é na verdade uma obra do pintor italiano Andrea Mantegna. Só foi reconhecida como trabalho de Mantegna em 1918, o que foi confirmado depois pelos peritos do artista. Mantegna nutria grande predileção por este tema. A temática, tirada dos livros apócrifos da Bíblia, e que traz a idealização de uma mulher judia que decapitou um homem poderoso e mau, foi muito usada  na arte renascentista por diversos pintores.

A cena, simples e clara, acontece dentro de uma tenda aberta, que é o abrigo do general Holofernes em campanha. Ali se encontram Judite, sua serva e o corpo sem vida do general babilônico sobre uma cama, do qual só se vê o pé direito, mas o bastante para contar toda a história. A heroína aproveita-se da embriaguez do inimigo de seu povo para decapitá-lo. Durante o Renascimento, Judite passou a simbolizar a virtude cívica da intolerância à tirania, quando o bem triunfa sobre o mal.

Judite, com o olhar voltado para fora da tenda com suas abas abertas em forma de cortina, traz na mão direita a cabeça de Holofernes e na esquerda a espada com a qual o decapitou. Ela não repassa nenhum tipo de emoção, mostrando-se calma, ciente do que acabara de fazer. Uma criada, visivelmente aturdida diante da cena aterradora, abre um saco para que ali seja colocada a cabeça que sua senhora ainda segura pelos cabelos. O pé visto na cama leva o observador a imaginar um corpo ali estendido, não sendo necessário mais do que isto.

A heroína é retratada de pé, como se fosse uma estátua clássica, como mostra a postura de seu corpo, num contraponto tortuoso mostrando a influência do escultor Donatello sobre o artista. Ela usa uma túnica branca, drapeada, como as vistas nas estátuas clássicas, envolta por um manto azul que deixa seu colo, ombro e braço esquerdos a descoberto. Apenas parte de suas sandálias exóticas está à vista. Seus cabelos cacheados caem-lhe pela testa e costas. Chamam a atenção a perícia e criatividade do artista na feitura do turbante branco da criada.

O painel possui cores brilhantes e variadas. O contraste entre o vermelho do manto da criada e o amarelo de sua túnica, cores que se fortalecem com o fundo escuro da tenda rosa e do céu noturno, é típico do artista. O piso da tenda é feito de lajes de pedra, estando algumas  bem desalinhadas, e terra.

Ficha técnica
Ano: c.1495/1500
Técnica: painel
Dimensões: 30 x 18 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
https://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/art-object-page.1181.html

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Visitantes e críticos acharam o assunto desconcertante, a composição incoerente e a execução esboçado. Os caricaturistas ridicularizaram a pintura, e apenas uns poucos reconheceram o símbolo da modernidade que se tornou hoje. (Isabelle Dervaux, historiadora)

A composição intitulada Estação Saint-Lazare ou A Ferrovia é uma obra-prima do pintor francês Édouard Manet, tendo sido pintado quase que integralmente ao ar livre. Ao ser exposta pela primeira vez, no Salão de 1874, quando aconteceu a primeira exibição impressionista, foi recebida sem nenhum entusiasmo pela crítica e pelo público, como acontecera ao artista em relação a outras obras. Alguns, entretanto, defendiam o trabalho do pintor, aludindo à sua obra como uma pintura “cheia de luz”. Contudo, nenhum contemporâneo do artista foi capaz de reconhecer a excepcionalidade desta pintura que é vista hoje como uma das grandes inovações do século XIX.

A cena acontece um pouco acima dos trilhos da estação de Saint-Lazare, perto da oficina de Manet e bairro de Batignolles. A vista pintada é observada de cima para baixo, do jardim de Alphonse Hirsch, amigo do pintor. As duas personagens dominam totalmente a composição que conta com uma grade, trilhos, uma nuvem de fumaça e vapor, algumas fachadas de edificações grosseiramente esboçadas, etc. A garotinha representada é filha do amigo em questão e a mulher, com um cãozinho a dormir profundamente em seu colo, é Victorine Meurent, modelo preferida do artista, sendo este o seu último trabalho com Manet.

A mulher e a criança estão encerradas num pequeno espaço, limitado por uma pesada e escura grade de ferro que vai de canto a canto da composição, achatando o primeiro plano e separando-o do segundo. Na edificação, à esquerda, estava localizado o estúdio onde o pintor ensinava seus alunos. No parapeito, onde a grade de ferro está fixada, estão, à direita, dois cachos de uvas, possivelmente para lembrar que a pintura foi feita no outono. O cãozinho presente pode ser uma alusão à “Vênus de Urbino”, do pintor Ticiano.

A mulher, sentada à esquerda, de costas para a vista e de frente para o observador, usa um vestido azul-escuro com grandes botões redondos e detalhes brancos. Seus longos cabelos ruivos, cobertos por um chapéu preto, adornado com flores, caem-lhe pelas costas e ombro esquerdo. Tudo em conformidade com a moda da época. Ela retira os olhos de seu livro, marcando as páginas com os dedos, para fitar o observador, como se o interrogasse. A criança que se posta de frente para a vista e de costas para o observador, olha para longe. Ela usa um vestido branco com detalhes em azul, contrapondo-se ao da mulher. Traz os cabelos claros presos numa fita preta, semelhante à que a mulher usa no pescoço.

Ainda se vê uma densa nuvem de fumaça e vapor, deixada pelo trem que acabara de passar, responsável por tornar o céu acinzentado. O artista não viu a necessidade de representar a locomotiva, sendo tal nuvem suficiente para a compreensão do observador. É possível ver a assinatura do pintor e a data em que a obra foi concluída, embaixo, à direita.

Ficha técnica
Ano: c. 1873
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 93 x 114 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
https://www.nga.gov/feature/manet/manetbro.pdf
https://impressionados.wordpress.com/2014/07/11/obras-12/

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Autoria de Lu Dias Carvalho

A composição Mademoiselle Malo é uma obra do pintor impressionista Edgar Degas. Ele fez diversos retratos dessa mesma mulher, possivelmente uma simples bailarina da Ópera de Paris, mas que chamou a sua atenção. Ela não era provida de beleza convencional, o que nos leva a crer que o pintor preferisse retratar a sensibilidade e a distinção de sua personalidade.

A mulher, sentada numa poltrona colorida, traz o seu olhar fixo num ponto invisível, perdida em seus pensamentos. Usa um vestido escuro que deixa apenas sua pequena cabeça e parte da mão direita e do antebraço esquerdo de fora. Seu rosto iluminado destaca-se na composição, chamando a atenção do observador. Seus cabelos, repartidos ao meio e presos atrás, são tão escuros quanto sua vestimenta.

O fundo da tela está salpicado de delicadas flores brancas e amarelas. O artista usou em sua tela tons marrons, pretos e verdes, que se tornam mais serenos com o ouro e o branco prateado das flores que parecem uma cascata de luz a cair detrás da cabeça da retratada.

Ficha técnica
Ano: c. 1877
Técnica: óleo sobre tela
Dimensões: 81 x 65 cm
Localização: Galeria Nacional de Art, Washington, EUA

Fontes de pesquisa:
Enciclopédia dos Museus/ Mirador
http://www.edgar-degas.net/mlle-malo.jsp

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