Autoria de Lu Dias Carvalho

O Rococó teve como origem a França, no século XVIII, onde surgiu como um estilo meramente decorativo e um desdobramento do Barroco. O termo é tido como uma combinação bem-humorada da palavra “rocaille” (palavra francesa que pode ser traduzida como “concha”) e “barroco”. Segundo alguns estudiosos do assunto, foi atribuído a um aluno do pintor Jacques-Louis David, logo após a Revolução Francesa, no intuito de zombar do rebuscamento do estilo burguês. Artistas da época achavam que tal estilo não passava de uma diminuição cômica do Barroco, objetivando apenas expressar sentimentos aprazíveis. Esse sentido pejorativo prosseguiu até metade do século XIX, perdendo toda a conotação negativa daí para a frente.

Dentre as principais características da arte do Rococó podem ser citadas: o nivelamento e a falta de tridimensionalidade na decoração; o excesso de elementos curvos de rocaille, enroscando-se em anéis assimétricos de curvatura oposta; desenhos assimétricos; e a representação da vida profana e da futilidade da aristocracia que buscava na arte apenas o prazer. Além disso, muitas de suas formas foram influenciadas pelas características arquitetônicas do Barroco francês, porém niveladas e de proporções menores, sem a monumentalidade desse.

O período de dominância do Rococó foi responsável pelo aparecimento de uma grande atividade no campo da decoração, com a predominância de objetos pequenos, feitos de prata ou de porcelana. É dessa fase o conhecido “estilo Luís XV”, datado de 1730 a 1760, visto em mobiliários e decorações durante o reinado do monarca que lhe deu tal nome. As cenas pastorais também se encontravam presentes. Nelas, as figuras aristocráticas cediam lugar a pastoras e pastores em jogos de sedução. Nos temas narrativos, os putti (anjos ou cupidos) reforçavam a história. Nas artes uma profusão de arabescos, motivos de conchas, linhas curvas e desenhos assimétricos davam destaque à decoração.

O Rococó foi de certa forma uma reação ao estilo Barroco. Dominou a arte europeia durante a maior parte do século XVIII, dando destaque à elegância, à futilidade e à beleza decorativa. Contudo, não se desenvolveu da mesma maneira nos países europeus, para onde foi levado por artistas expatriados e também através de gravuras. Na Inglaterra esteve mais ligado ao desenho mobiliário. No sul da Alemanha tornou-se um aperfeiçoamento do estilo Barroco e na Itália foi um avanço decorativo do Barroco italiano. A partir da década de 1770 foi, aos poucos, cedendo lugar ao Neoclassicismo.

Muitos temas encontrados na arte barroca estiveram presentes no Rococó, a exemplo de temas simbólicos e mitológicos, mas que não mais detinham um conteúdo de seriedade. Muitas das vezes não passavam de pretexto para as apresentações eróticas do nu feminino. A temática sobre o amor era, sem dúvida, a mais popularizada. O fête galante — tema que aludia a jovens casais ricos e elegantes, passeando alegremente por parques idílicos — teve em Jean-Antoine Watteau seu pioneiro, sendo a composição intitulada O Embarque para Citera, concluída em 1717, sua obra-prima.

O estilo Rococó teve grande influência sobre a arquitetura, a pintura e a decoração de interiores. Era ao mesmo tempo uma reação ao Barroco e um aprimoramento deste. A diferença fundamental estava na rejeição ao excesso de pompa e na grandiosidade apresentadas pelo estilo anterior. A arte do Rococó pecava, sobretudo, pela ausência de um conteúdo sério, uma vez que as obras carregavam um estilo excessivamente decorativo. Dentre os grandes nomes desta arte estão Jean-Antoine Watteau, François Boucher, Jean-Honoré Fragonard e Canaletto pintando cenas de Veneza. Na escultura, o estilo Rococó eliminou o vigor das linhas retorcidas do Barroco, tendo como principal nome o escultor francês Jean-Antoine Houdon.

Obs.: Reforce seus conhecimentos com artigos referentes a este estilo:
Teste – A ARTE DO ROCOCÓ
Boucher – MULHER NUA
Watteau – O EMBARQUE PARA CITERA
Fragonard – O BALOIÇO
Canaletto – VISTA DE VENEZA NA…

Fontes de pesquisa
Tudo sobre arte/ Editora Sextante
Manual compacto de arte/ Editora Rideel
A história da arte/ E. H. Gombrich
História da arte/ Folio
Arte/ Publifolha

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Autoria de Lu Dias Carvalho

O estilo Barroco surgiu entre o começo do século XVII e o meio do século XVIII e, assim como o Renascimento, mostrava interesse pela Antiguidade clássica. Nascido em Roma, na Itália, espalhou-se por toda a Europa, principalmente pelos países católicos, tendo fortes laços com a Contrarreforma religiosa (resistência da Igreja Católica à disseminação da Reforma Protestante).

O termo “barroco” — palavra portuguesa que significa pérola imperfeita — era usado desde a Idade Média, com uma intenção ofensiva, ao referir-se a um raciocínio ilógico que confundia o falso com o verdadeiro, mas ao transferir-se para as artes, passou a ser usado para criticar os excessos de um estilo visto como uma degeneração dos princípios clássicos. Assim fizeram os classicista do século XVIII, ao mostrar seu desprezo ou o desafio das regras clássicas pelos pintores do século XVII, principalmente os escultores e arquitetos com suas obras excêntricas e extravagantes. Contudo, no século XIX, os estudiosos da arte alemães passaram a fazer um uso imparcial do termo “barroco” para descrever a arte do século XVII.

Os papas e os cardeais do século XVII foram os grandes mecenas de uma arte que objetivava expressar fervor religioso. Em razão disso, a glória do martírio, as visões e êxtases dos santos tornaram-se temas dominantes, principalmente na pintura e na escultura (ver ilustração acima: O Êxtase de Santa Tereza, 1652, escultura de Bernini). Essa intensa gama de emoções foi mostrada com todos os recursos de uma linguagem retórica de gestos e expressões. A Igreja Católica criou diretrizes para os artistas, impulsionando-os a criar obras realistas, capazes de tocar o sentimento das pessoas. No que diz respeito ao mundo secular, os monarcas, imbuídos da doutrina do direito divino dos reis, também abraçaram o novo estilo.

Ao deixar para trás a arte renascentista, os artistas barrocos passaram a mostrar o brilho mais radiante das cores, a usar uma pincelada mais livre e expressiva, criando mais riqueza de contrastes, texturas e a fazer um intenso uso de luzes e sombras. Além da temática religiosa, os retratos ganharam espaço nessa época, assim como a paisagem. Os temas alegóricos e mitológicos foram os mais buscados pelos mecenas mais sofisticados e a pintura de gênero ganhou vida, principalmente na Holanda.

O objetivo da escultura barroca era elevar os pensamentos dos fieis à glória do céu, como mostra o interior de uma igreja barroca com suas inúmeras esculturas, pinturas decorativas, o uso do dourado, do estuque e dos mármores de cores vistosas. O trabalho dos artistas barrocos era o de apelar pelas emoções do observador, o de convencê-lo em relação à fé. Por isso, as cenas eram representadas de maneira a capturar o momento mais importante da ação dramática que se destacava em razão de contrastes chamativos de luzes e sombras, o que tornava o efeito de uma obra barroca imediato e extasiante.

Os artistas barrocos criaram ousados efeitos assimétricos e movimentos diagonais. Na arquitetura barroca formas e espaços são organizados com maior força, tendendo a fluir e a fundir-se. Além disso, há a combinação de três artes — pintura, escultura e arquitetura — produzindo um efeito único, o que pode ser visto nas igrejas erguidas com tal estilo.

Embora o Barroco tenha se oposto ao Maneirismo do final do século XVI — quando os artistas preocupavam-se mais com o virtuosismo de que com os sentimentos — dele conservou certos elementos, como a intensa emoção e o senso de movimento, mesclando-os com mais dinamismo.

A arte barroca em sua forma mais pura apresentou-se apenas nos países católicos, principalmente na decoração das igrejas. Os principais países católicos em que este estilo floresceu foram: Itália, Espanha e as Flandres (que hoje são mais ou menos a atual Bélgica). Entre os países protestantes a Holanda e a Inglaterra tiveram um papel de destaque neste estilo, principalmente na pintura.

Roma foi a cidade italiana mais ligada ao Barroco, tendo se transformado num centro de produção e debate artísticos. Para lá convergiam artistas de toda a Europa, com a finalidade de estudar as antiguidades clássicas e a arte da Alta Renascença. Michelangelo Meresi da Caravaggio e Annibale Carraci — dois mestres italianos — foram os grandes responsáveis pelo início do período barraco. O mais influente pintor flamengo foi Peter Paul Rubens. O escultor, arquiteto, decorador, pintor e desenhista Gian Lorenzo Bernini foi um dos nomes de destaque da escultura barroca.

Obs.: Reforce seus conhecimentos com artigos referentes a este estilo:
Caravaggio – A CONVERSÃO DE SÃO PAULO
Rubens – A DEPOSIÇÃO
Vermeer – MOÇA COM BRINCO DE PÉROLA
Teste – A ARTE BARROCA>

Fontes de pesquisa
Tudo sobre arte/ Editora Sextante
Manual compacto de arte/ Editora Rideel
A história da arte/ E. H. Gombrich
História da arte/ Folio
Arte/ Publifolha

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Autoria de Lu Dias Carvalho

Segundo afirma o professor E.H. Gombrich em seu livro A História da Arte, “Por volta de 1520 todos os amantes da arte nas cidades italianas pareciam concordar em que a pintura tinha atingido o ápice da perfeição. Homens como Michelangelo e Rafael, Ticiano e Leonardo tinham feito tudo o que gerações anteriores haviam tentado fazer. […] e — conforme se dizia — tinham até superado as mais célebres estátuas da antiguidade grega e romana”.

Alguns artistas, acreditando em tal afirmativa, passaram apenas a imitar o trabalho desses mestres do Renascimento, ocasionando muitas vezes resultados ridiculamente cômicos. Foi por isso que muitos críticos, entendendo que os jovens pintores erravam ao imitar tais artistas, passaram a chamar essa fase das artes de “período maneirista”. Outros, no entanto, não aceitaram a hipótese de que a arte tivesse chegado ao seu limite. E, assim, nasceu uma pintura cheia de significado, o que muitas vezes tornava-a obscura, a não ser para os mais eruditos.

O termo “maneirismo” passou a descrever todo esse período em razão de suas características estilísticas. George Vasari, pintor, escritor e arquiteto italiano, foi o primeiro a usar a palavra italiana “maniera” (maneira, estilo) em relação às obras de seus conterrâneos, entretanto a palavra “maneirismo” passou a ser usada como um termo depreciativo pelos críticos posteriores que consideravam tal estilo apenas como uma transição afetada entre o Renascimento e o Barroco. No século XX o termo “maneirismo” passou a ser usado de um modo neutro, embora às opiniões continuem divergindo quanto à definição do estilo e o seu período exato.

As raízes do Maneirismo estão fincadas na Itália, tendo ali se desenvolvido entre os anos de 1520 a 1610. A cidade de Florença foi o seu berço. Alguns historiadores da arte veem o novo estilo como uma reação ao excesso de harmonia clássica, enquanto outros enxergam-no como uma evolução. Mas de modo geral as definições deste estilo dizem respeito à distorção ou ao excesso de refinamento dos ideais da última fase do Renascimento. Quer alguns o achem um estilo refinado e emocional ou afetado e decadente, não se pode negar o alto grau de tensão e dramaticidade que alcançou, tanto no uso de figuras alongadas em poses exageradas, como por suas cores e luzes fortes, acompanhadas da distorção de escala e perspectiva.

O Maneirismo foi espalhado pela Europa em todo o século XVI através de italianos expatriados e de artistas estrangeiros que estudaram na Itália. Chegou a tornar-se o “estilo oficial” de muitas cortes, ornamentando palácios e mansões da aristocracia. Este estilo chegou ao fim, segundo alguns estudiosos do assunto, com o surgimento dos irmãos Carraci e Caravaggio por volta de 1600. As gravuras foram outra fonte da disseminação maneirista.

A pintura maneirista introduz vários pontos de vista numa mesma obra, exibindo um cenário de irrealidade. Existem muitos elementos em torno da figura principal que já não fica mais centralizada. O drama é intensificado. As figuras são alongadas e os músculos sem contornos. Os rostos são melancólicos e as vestes detalhadamente trabalhadas. Uma luz forte é jogada sobre os objetos, produzindo sombras com a finalidade de elevar a dramaticidade. Tal estilo alcançou um alto patamar tanto na intensidade emocional de Jacopo Pontormo como na sensualidade elegante de Agnolo Bronzino — dois grandes nomes da pintura maneirista.

A escultura maneirista tem como principal característica a figura serpentinata (modelo emprestado dos gregos que acreditavam que a forma sinuosa era o meio indicado para expressar movimento). Benvenuto Cellini, Giambologna e Parmegianino são três grandes mestres do campo escultural. A arquitetura passou por modificações nos padrões clássicos: alterações nos ritmos estruturais, na funcionalidade de elementos, na ilusão de perspectiva e na lógica aristotélica. Andrea Palladio é um dos mestres desse período.

Fora da Itália podem ser citadas as cortes de Fontainbleua, na França e Praga, na Boêmia, como os mais importantes cenários do Maneirismo. Alguns críticos do passado chegaram a avaliar o estilo distorcido e o ritmo fluido de El Greco (Doménikos Thotokópoulos) — arquiteto, escultor e pintor grego que desenvolveu sua carreira na Espanha — como sinais de insanidade, mas é impossível desconhecer o fervor espiritual que brota de suas obras.

Dentre as características do Maneirismo está o alongamento intencional dos corpos e das proporções, cujo grau varia de um artista para outro. Esse movimento com ideias centrais uniu um grupo de artistas. Giuseppe Arcimboldo foi um artista maneirista da corte dos Habsburgo, sendo posteriormente uma inspiração para o movimento Surrealista, ao criar retratos simbólicos de seres humanos, usando a disposição criativa de frutas e legumes, levando as excentricidades do Maneirismo a um novo patamar. Em suma, o estilo maneirista não primava por ser coerente e único, mas por ser uma maneira de vivenciar o próprio estilo como sendo uma entidade diferenciada e pessoal.

Obs.: Reforce seus conhecimentos com artigos referentes a este estilo:
Teste – A ARTE DO MANEIRISMO
Parmigianino – VIRGEM DO PESCOÇO LONGO
Pontormo – A DEPOSIÇÃO DA CRUZ

Fontes de pesquisa
Tudo sobre arte/ Editora Sextante
Manual compacto de arte/ Editora Rideel
A história da arte/ E. H. Gombrich
Arte/ Publifolha

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